Ideea principală a clasicismului în literatură. Stilul clasic în arhitectură. Clasicismul în arhitectură și urbanism

1. Introducere.Clasicismul ca metodă artistică...................................2

2. Estetica clasicismului.

2.1. Principiile de bază ale clasicismului...................................................................5

2.2. Imaginea lumii, concept de personalitate în arta clasicismului......5

2.3. Natura estetică a clasicismului............................................................. ....... ........9

2.4. Clasicismul în pictură.................................................. ..........................................15

2.5. Clasicismul în sculptură.................................................. ..........................................16

2.6. Clasicismul în arhitectură.................................................. ....................................................18

2.7. Clasicismul în literatură.................................................. ....................................................20

2.8. Clasicismul în muzică.................................................. ..........................................22

2.9. Clasicismul în teatru.............................................................. ..................... ................................ ..22

2.10. Originalitatea clasicismului rus.............................................................. ....... ....22

3. Concluzie……………………………………...…………………………...26

Bibliografie..............................…….………………………………….28

Aplicații ........................................................................................................29

1. Clasicismul ca metodă artistică

Clasicismul este una dintre metodele artistice care au existat de fapt în istoria artei. Uneori se face referire la el prin termenii „direcție” și „stil”. Clasicism (franceză) clasicism, din lat. clasicus- exemplar) - stil artistic și direcție estetică în arta europeană a secolelor XVII-XIX.

Clasicismul se bazează pe ideile raționalismului, care s-au format simultan cu aceleași idei în filosofia lui Descartes. O operă de artă, din punctul de vedere al clasicismului, ar trebui construită pe baza unor canoane stricte, dezvăluind astfel armonia și logica universului însuși. De interes pentru clasicism este doar eternul, neschimbabilul - în fiecare fenomen se străduiește să recunoască numai trăsături esențiale, tipologice, eliminând caracteristicile individuale aleatorii. Estetica clasicismului acordă o mare importanță funcției sociale și educaționale a artei. Clasicismul ia multe reguli și canoane din arta antică (Aristotel, Horațiu).

Clasicismul stabilește o ierarhie strictă a genurilor, care sunt împărțite în înalte (odă, tragedie, epopee) și joase (comedie, satira, fabulă). Fiecare gen are caracteristici strict definite, a căror amestecare nu este permisă.

Conceptul de clasicism ca metodă creativă presupune în conținutul său o metodă determinată istoric de percepție estetică și modelare a realității în imagini artistice: tabloul lumii și conceptul de personalitate, cel mai comun pentru conștiința estetică de masă a unui istoric dat. epoca, sunt întruchipate în idei despre esența artei verbale, relația ei cu realitatea, propriile legi interne.

Clasicismul ia naștere și se formează în anumite condiții istorice și culturale. Cea mai răspândită credință de cercetare leagă clasicismul de condițiile istorice ale trecerii de la fragmentarea feudală la o statalitate național-teritorială unificată, în formarea căreia rolul centralizator revine monarhiei absolute.

Clasicismul este o etapă organică în dezvoltarea oricărei culturi naționale, în ciuda faptului că diferitele culturi naționale trec prin stadiul clasicist în momente diferite, datorită individualității versiunii naționale a formării unui model social general al unui stat centralizat.

Cadrul cronologic al existenței clasicismului în diferite culturi europene este definit ca a doua jumătate a secolului al XVII-lea - primii treizeci de ani ai secolului al XVIII-lea, în ciuda faptului că tendințele clasiciste timpurii au fost remarcate la sfârșitul Renașterii, la rândul său. al secolelor XVI-XVII. În aceste limite cronologice, clasicismul francez este considerat întruchiparea standard a metodei. Strâns legată de perioada de glorie a absolutismului francez din a doua jumătate a secolului al XVII-lea, a dat culturii europene nu numai unor mari scriitori - Corneille, Racine, Moliere, La Fontaine, Voltaire, ci și un mare teoretician al artei clasiciste - Nicolas Boileau-Dépreau. . Fiind el însuși un scriitor practicant, care și-a câștigat faima în timpul vieții pentru satirele sale, Boileau a fost renumit în principal pentru crearea codului estetic al clasicismului - poemul didactic „Arta poetică” (1674), în care a oferit un concept teoretic coerent asupra literaturii. creativitate, derivată din practica literară a contemporanilor săi. Astfel, clasicismul în Franța a devenit cea mai conștientă întruchipare a metodei. De aici valoarea sa de referință.

Premisele istorice pentru apariția clasicismului conectează problemele estetice ale metodei cu epoca agravării relației dintre individ și societate în procesul de formare a statalității autocratice, care, înlocuind permisivitatea socială a feudalismului, urmărește să reglementeze. prin lege și delimitează clar sferele vieții publice și private și relația dintre individ și stat. Aceasta determină aspectul semnificativ al art. Principiile sale de bază sunt motivate de sistemul de vederi filozofice al epocii. Ele formează o imagine a lumii și un concept de personalitate, iar aceste categorii sunt întruchipate într-un set de tehnici artistice ale creativității literare.

Cele mai generale concepte filozofice prezente în toate mișcările filozofice din a doua jumătate a secolului al XVII-lea - sfârșitul secolului al XVIII-lea. și direct legate de estetica și poetica clasicismului sunt conceptele de „raționalism” și „metafizică”, relevante atât pentru învățăturile filozofice idealiste, cât și pentru cele materialiste ale acestui timp. Fondatorul doctrinei filozofice a raționalismului este matematicianul și filozoful francez René Descartes (1596-1650). Teza fundamentală a doctrinei sale: „Gândesc, deci exist” - a fost realizată în multe mișcări filozofice ale vremii, unite prin denumirea comună „Cartezianism” (de la Varianta latină numit Descartes - Cartesius), în esență aceasta este o teză idealistă, deoarece derivă existența materială din idee. Cu toate acestea, raționalismul, ca interpretare a rațiunii ca abilitate spirituală primară și cea mai înaltă a omului, este la fel de caracteristic mișcărilor filozofice materialiste ale epocii - cum ar fi, de exemplu, materialismul metafizic al școlii filozofice engleze a lui Bacon-Locke, care a recunoscut experiența ca sursă de cunoaștere, dar a pus-o sub activitatea generalizatoare și analitică a minții, extragând din multitudinea de fapte obținute prin experiență cea mai înaltă idee, un mijloc de modelare a cosmosului - cea mai înaltă realitate - din haosul obiecte materiale individuale.

Conceptul de „metafizică” se aplică în mod egal ambelor variante de raționalism - idealist și materialist. Din punct de vedere genetic, ea se întoarce la Aristotel, iar în învățătura sa filozofică a desemnat o ramură a cunoașterii care explorează principiile cele mai înalte și neschimbabile ale tuturor lucrurilor, inaccesibile simțurilor și doar înțelese rațional și speculativ. Atât Descartes, cât și Bacon au folosit termenul în sens aristotelic. În timpurile moderne, conceptul de „metafizică” a căpătat un sens suplimentar și a ajuns să însemne un mod de gândire antidialectic care percepe fenomenele și obiectele fără interrelația și dezvoltarea lor. Istoric, acest lucru caracterizează foarte precis particularitățile gândirii epocii analitice din secolele XVII-XVIII, perioada de diferențiere a cunoștințelor științifice și a artei, când fiecare ramură a științei, ieșind din complexul sincretic, a dobândit propriul subiect separat, dar în acelaşi timp a pierdut legătura cu alte ramuri ale cunoaşterii.

2. Estetica clasicismului

2.1. Principiile de bază ale clasicismului

1. Cultul rațiunii 2. Cultul datoriei civice 3. Apelul la subiectele medievale 4. Abstracția din reprezentarea vieții cotidiene, din identitatea națională istorică 5. Imitarea modelelor antice 6. Armonia compozițională, simetria, unitatea unei opere de artă 7. Eroii sunt purtători ai unei trăsături principale, date fără dezvoltare 8. Antiteza ca tehnică principală de creare a unei opere de artă

2.2. Imaginea lumii, conceptul de personalitate

în arta clasicismului

Tabloul lumii generat de tipul raționalist de conștiință împarte clar realitatea în două niveluri: empiric și ideologic. Lumea material-empirică externă, vizibilă și tangibilă constă din multe obiecte și fenomene materiale separate, care nu sunt în niciun fel conectate între ele - este un haos de entități private individuale. Cu toate acestea, deasupra acestei multitudini dezordonate de obiecte individuale, se află ipostaza lor ideală - un întreg armonios și armonios, o idee universală a universului, care include imaginea ideală a oricărui obiect material în cel mai înalt nivel, purificat de particularități, etern și armonios. formă neschimbătoare: în felul în care ar trebui să fie conform planului original al Creatorului. Această idee universală poate fi înțeleasă doar rațional și analitic purificând treptat un obiect sau fenomen de formele și aspectul său specific și pătrunzând în esența și scopul său ideal.

Și întrucât designul precede creația, iar gândirea este o condiție și o sursă indispensabilă a existenței, această realitate ideală are cel mai înalt caracter primar. Este ușor de observat că principalele modele ale unei astfel de imagini pe două niveluri a realității sunt proiectate foarte ușor pe principala problemă sociologică a perioadei de tranziție de la fragmentarea feudală la statulitatea autocratică - problema relației dintre individ și stat. . Lumea oamenilor este o lume a ființelor umane private individuale, haotică și dezordonată, statul este o idee armonioasă cuprinzătoare care creează o ordine mondială ideală armonioasă și armonioasă din haos. Este această imagine filozofică a lumii din secolele XVII-XVIII. a determinat aspecte de fond ale esteticii clasicismului precum conceptul de personalitate și tipologia conflictului, universal caracteristice (cu variațiile istorice și culturale necesare) clasicismului în orice literatură europeană.

În domeniul relațiilor umane cu lumea exterioară, clasicismul vede două tipuri de conexiuni și poziții - aceleași două niveluri din care se formează tabloul filosofic al lumii. Primul nivel este așa-numitul „om natural”, o ființă biologică care stă alături de toate obiectele lumii materiale. Aceasta este o entitate privată, stăpânită de pasiuni egoiste, dezordonată și neîngrădită în dorința ei de a-și asigura existența personală. La acest nivel al legăturilor umane cu lumea, categoria lider care determină aspectul spiritual al unei persoane este pasiunea - oarbă și neîngrădită în dorința ei de realizare în numele realizării binelui individual.

Al doilea nivel al conceptului de personalitate este așa-numita „persoană socială”, inclusă armonios în societate în imaginea sa cea mai înaltă, ideală, conștientă că binele său este parte integrantă din binele generalului. Un „om social” este ghidat în viziunea sa asupra lumii și a acțiunilor nu de pasiuni, ci de rațiune, întrucât rațiunea este cea mai înaltă capacitate spirituală a unei persoane, oferindu-i posibilitatea de autodeterminare pozitivă în condițiile comunității umane, bazată pe norme etice ale vieţii comunitare consistente. Astfel, conceptul de personalitate umană în ideologia clasicismului se dovedește a fi complex și contradictoriu: o persoană naturală (pasionată) și una socială (rezonabilă) este unul și același personaj, rupt de contradicții interne și în situație de alegere.

De aici conflictul tipologic al artei clasicismului, care decurge direct dintr-un asemenea concept de personalitate. Este destul de evident că sursa unei situații conflictuale este tocmai caracterul unei persoane. Caracterul este una dintre categoriile estetice centrale ale clasicismului, iar interpretarea lui diferă semnificativ de sensul pe care conștiința modernă și critica literară îl pun termenului de „personaj”. În înțelegerea esteticii clasicismului, caracterul este tocmai ipostaza ideală a unei persoane - adică nu alcătuirea individuală a unei anumite personalități umane, ci o anumită viziune universală asupra naturii și psihologiei umane, atemporală în esența sa. Numai în această formă a unui atribut etern, neschimbător, universal, caracterul ar putea fi un obiect al artei clasiciste, atribuit fără ambiguitate celui mai înalt, ideal nivel al realității.

Principalele componente ale caracterului sunt pasiunile: dragostea, ipocrizia, curajul, zgârcenia, simțul datoriei, invidia, patriotismul etc. Prin predominarea unei singure pasiuni se determină un personaj: „amant”, „avar”, „invidios”, „patriot”. Toate aceste definiții sunt tocmai „personaje” în înțelegerea conștiinței estetice clasiciste.

Cu toate acestea, aceste pasiuni sunt inegale între ele, deși conform conceptelor filozofice din secolele XVII-XVIII. toate pasiunile sunt egale, deoarece toate sunt din natura umană, toate sunt naturale și nicio pasiune în sine nu poate decide care pasiune este în concordanță cu demnitatea etică a unei persoane și care nu. Aceste decizii sunt luate doar din rațiune. În ciuda faptului că toate pasiunile sunt la fel de categorii ale vieții spirituale emoționale, unele dintre ele (cum ar fi dragostea, zgârcenia, invidia, ipocrizia etc.) sunt din ce în ce mai greu de convenit cu dictatele rațiunii și sunt mai mult asociate conceptului. de bine egoist. Alții (curaj, simțul datoriei, onoare, patriotism) sunt mai supuși controlului rațional și nu contrazic ideea de bine comun, etica relațiilor sociale.

Așadar, se dovedește că pasiunile raționale și nerezonabile, altruiste și egoiste, personale și sociale, se ciocnesc în conflict. Iar rațiunea este cea mai înaltă capacitate spirituală a unei persoane, un instrument logic și analitic care permite cuiva să controleze pasiunile și să distingă binele de rău, adevărul de minciună. Cel mai frecvent tip de conflict clasic este o situație conflictuală între înclinația personală (dragoste) și simțul datoriei față de societate și stat, care din anumite motive exclude posibilitatea realizării pasiunii amoroase. Este destul de evident că prin natura sa acest conflict este psihologic, deși o condiție necesară pentru implementarea lui este o situație în care interesele omului și ale societății se ciocnesc. Aceste aspecte ideologice cele mai importante ale gândirii estetice ale epocii și-au găsit expresia în sistemul de idei despre legile creativității artistice.

2.3. Natura estetică a clasicismului

Principiile estetice ale clasicismului au suferit modificări semnificative pe parcursul existenței sale. O trăsătură caracteristică a acestei tendințe este admirația pentru antichitate. Arta Greciei Antice și a Romei Antice a fost considerată de clasiciști ca un model ideal de creativitate artistică. „Poetica” lui Aristotel și „Arta poeziei” a lui Horațiu au avut o influență uriașă asupra formării principiilor estetice ale clasicismului. Aici găsim tendința de a crea imagini sublim eroice, ideale, clare din punct de vedere rațional și completate plastic. De regulă, în arta clasicismului, idealurile politice, morale și estetice moderne sunt întruchipate în personaje, conflicte, situații împrumutate din arsenalul istoriei antice, mitologiei sau direct din arta antică.

Estetica clasicismului ia ghidat pe poeți, artiști și compozitori să creeze opere de artă care se disting prin claritate, logică, echilibru strict și armonie. Toate acestea, potrivit clasiciștilor, s-au reflectat pe deplin în cultura artistică antică. Pentru ei rațiunea și antichitatea sunt sinonime. Natura raționalistă a esteticii clasicismului s-a manifestat în tipificarea abstractă a imaginilor, reglementarea strictă a genurilor și formelor, în interpretarea moștenirii artistice antice, în apelul artei la rațiune mai degrabă decât la sentimente, în dorința de subjugare. proces creativ norme, reguli și canoane neclintite (normă - din latinescul norma - principiu călăuzitor, regulă, probă; regulă general acceptată, tipar de comportament sau acțiune).

Așa cum principiile estetice ale Renașterii și-au găsit expresia cea mai tipică în Italia, la fel și în Franța în secolul al XVII-lea. – principiile estetice ale clasicismului. Prin secolul al XVII-lea Cultura artistică italiană și-a pierdut în mare măsură influența anterioară. Dar spiritul inovator al artei franceze a apărut în mod clar. În acest moment, în Franța s-a format un stat absolutist, care a unit societatea și a centralizat puterea.

Întărirea absolutismului a însemnat victoria principiului reglementării universale în toate sferele vieții, de la economie la viața spirituală. Datoria este principalul regulator al comportamentului uman. Statul personifică această datorie și acționează ca un fel de entitate înstrăinată de individ. Supunerea în fața statului, îndeplinirea îndatoririi publice este cea mai înaltă virtute a unui individ. Omul nu mai este considerat ca fiind liber, așa cum era tipic viziunii renascentiste asupra lumii, ci ca supus unor norme și reguli străine lui, limitat de forțe aflate în afara controlului său. Forța reglatoare și limitatoare apare sub forma minții impersonale, căreia individul trebuie să se supună și să acționeze conform comenzilor și instrucțiunilor sale.

Creșterea mare a producției a contribuit la dezvoltarea științelor exacte: matematică, astronomie, fizică, iar aceasta, la rândul său, a dus la victoria raționalismului (din latinescul raport - rațiune) - o tendință filosofică care recunoaște rațiunea ca bază. a cunoașterii și comportamentului uman.

Ideile despre legile creativității și structura unei opere de artă sunt determinate în aceeași măsură de tipul epocal de viziune asupra lumii ca imaginea lumii și conceptul de personalitate. Rațiunea, ca cea mai înaltă capacitate spirituală a omului, este concepută nu numai ca un instrument de cunoaștere, ci și ca un organ al creativității și o sursă de plăcere estetică. Unul dintre cele mai izbitoare laitmotive ale „Artei poetice” a lui Boileau este natura rațională a activității estetice:

Clasicismul francez a afirmat personalitatea omului ca fiind cea mai înaltă valoare a existenței, eliberându-l de influența religioasă și bisericească.

Interesul pentru arta Greciei și Romei antice a apărut încă din Renaștere, care, după secole din Evul Mediu, s-a îndreptat către formele, motivele și subiectele antichității. Cel mai mare teoretician al Renașterii, Leon Batista Alberti, încă din secolul al XV-lea. a exprimat idei care prefigurau anumite principii ale clasicismului și s-au manifestat pe deplin în fresca lui Rafael „Școala din Atena” (1511).

Sistematizarea și consolidarea realizărilor marilor artiști ai Renașterii, în special a celor florentini conduși de Rafael și elevul său Giulio Romano, a format programul școlii bologneze de la sfârșitul secolului al XVI-lea, cei mai tipici reprezentanți ai cărora au fost Carracci. fratilor. În influenta lor Academie de Arte, bolognesii au predicat că drumul către culmile artei se afla printr-un studiu scrupulos al moștenirii lui Rafael și Michelangelo, imitarea stăpânirii lor asupra liniilor și compoziției.

După Aristotel, clasicismul a considerat arta o imitație a naturii:

Oricum, natura nu a fost în niciun caz înțeleasă ca o imagine vizuală a lumii fizice și morale, prezentată simțurilor, ci mai degrabă ca cea mai înaltă esență inteligibilă a lumii și a omului: nu un personaj specific, ci ideea sa, nu o adevărată esență istorică. sau complot modern, ci o situație de conflict uman universal, nu dat peisaj, ci ideea unei combinații armonioase de realități naturale într-o unitate ideal de frumoasă. Clasicismul a găsit o unitate atât de ideal de frumoasă în literatura antică - tocmai aceasta a fost percepută de clasicism ca vârful deja atins al activității estetice, standardul etern și neschimbător al artei, care a recreat în modelele sale de gen acea natură ideală cea mai înaltă, fizică. și morală, pe care arta ar trebui să le imite. S-a întâmplat că teza despre imitarea naturii s-a transformat într-o prescripție pentru a imita arta antică, de unde provine însuși termenul „clasicism” (din latinescul classicus - exemplar, studiat la clasă):

Astfel, natura în arta clasică apare nu atât reprodusă, cât modelată pe un model înalt - „împodobită” cu activitatea analitică generalizantă a minții. Prin analogie, se poate aminti așa-numitul parc „obișnuit” (adică „corect”), unde copacii sunt tăiați sub formă de forme geometrice și plantați simetric, potecile au forma corectă, presărați cu pietricele multicolore. , iar apa este închisă în bazine de marmură și fântâni. Acest stil de artă a grădinăritului a atins apogeul tocmai în epoca clasicismului. Dorința de a prezenta natura „împodobită” are ca rezultat și predominarea absolută în literatură a clasicismului poeziei asupra prozei: dacă proza ​​este identică cu natura materială simplă, atunci poezia, ca formă literară, este cu siguranță o natură „decorată” ideală. ”

În toate aceste idei despre artă, și anume ca activitate rațională, ordonată, standardizată, spirituală, s-a realizat principiul ierarhic al gândirii secolelor XVII-XVIII. În sine, literatura s-a dovedit a fi împărțită și în două serii ierarhice, joasă și înaltă, fiecare dintre ele fiind asociată tematic și stilistic cu un nivel - material sau ideal - de realitate. Genurile joase au inclus satira, comedia și fabula; la cel mai înalt - odă, tragedie, epopee. În genurile joase, realitatea materială de zi cu zi este înfățișată, iar o persoană privată apare în conexiunile sociale (în timp ce, desigur, atât persoana, cât și realitatea sunt încă aceleași categorii conceptuale ideale). În genurile înalte, omul este prezentat ca o ființă spirituală și socială, în aspectul existențial al existenței sale, singur și alături de fundamentele eterne ale întrebărilor existenței. Prin urmare, pentru genurile înalte și inferioare, nu numai tematica, ci și diferențierea de clasă s-a dovedit a fi relevantă în funcție de apartenența personajului la una sau la alta strat social. Eroul genurilor joase este o persoană din clasa de mijloc; erou înalt - o figură istorică, un erou mitologic sau un personaj fictiv de rang înalt - de obicei un conducător.

În genurile joase, personajele umane sunt formate din pasiuni cotidiene de bază (zgârcenie, ipocrizie, ipocrizie, invidie etc.); în genurile înalte, pasiunile capătă un caracter spiritual (dragoste, ambiție, răzbunare, simțul datoriei, patriotism etc.). Și dacă pasiunile de zi cu zi sunt în mod clar nerezonabile și vicioase, atunci pasiunile existențiale sunt împărțite în rezonabile - sociale și nerezonabile - personale, iar statutul etic al eroului depinde de alegerea sa. Este clar pozitiv dacă preferă o pasiune rezonabilă și fără ambiguitate negativ dacă alege una nerezonabilă. Clasicismul nu permitea semitonurile în evaluarea etică - și acest lucru reflecta și natura raționalistă a metodei, care excludea orice confuzie între înalt și jos, tragic și comic.

Întrucât în ​​teoria genurilor a clasicismului acele genuri care au atins cea mai mare înflorire în literatura antică erau legitimate ca principale, iar creativitatea literară era gândită ca o imitație rezonabilă a modelelor înalte, codul estetic al clasicismului a căpătat un caracter normativ. Aceasta înseamnă că modelul fiecărui gen a fost stabilit odată pentru totdeauna într-un set clar de reguli, de la care era inacceptabil să se abată, iar fiecare text specific a fost evaluat estetic în funcție de gradul de conformitate cu acest model ideal de gen.

Sursa regulilor au fost exemple antice: epopeea lui Homer și Vergiliu, tragedia lui Eschil, Sofocle, Euripide și Seneca, comedia lui Aristofan, Menandru, Terenț și Plautus, oda lui Pindar, fabula lui Esop și Fedro, satira lui Horaţiu şi Juvenal. Cel mai tipic și mai ilustrativ caz de astfel de reglementare a genului sunt, desigur, regulile pentru genul clasic principal, tragedia, extrase atât din textele tragedienilor antici, cât și din Poetica lui Aristotel.

Pentru tragedie, a fost canonizată o formă poetică („vers alexandrian” - hexametru iambic cu rimă pereche), o structură obligatorie în cinci acte, trei unități - timp, loc și acțiune, stil înalt, o intriga istorică sau mitologică și un conflict, sugerând o situație obligatorie de alegere între pasiunea rezonabilă și nerezonabilă, iar procesul de alegere însuși trebuia să constituie acțiunea tragediei. În secțiunea dramatică a esteticii clasicismului, raționalismul, ierarhia și normativitatea metodei au fost exprimate cu cea mai mare completitudine și evidență:

Tot ceea ce s-a spus mai sus despre estetica clasicismului și poetica literaturii clasiciste din Franța se aplică în mod egal la aproape orice varietate europeană a metodei, deoarece clasicismul francez a fost din punct de vedere istoric cea mai veche și mai autoritară întruchipare a metodei. Dar pentru clasicismul rus, aceste principii teoretice generale au găsit o refracție unică în practica artistică, deoarece au fost determinate de caracteristicile istorice și naționale ale formării noii culturi ruse a secolului al XVIII-lea.

2.4. Clasicismul în pictură

La începutul secolului al XVII-lea, tinerii străini s-au înghesuit la Roma pentru a se familiariza cu moștenirea antichității și a Renașterii. Locul cel mai proeminent dintre ele a fost ocupat de francezul Nicolas Poussin, în picturile sale, în principal pe teme ale antichității antice și ale mitologiei, care a oferit exemple de neegalat de compoziție precisă din punct de vedere geometric și de relații gândite între grupurile de culori. Un alt francez, Claude Lorrain, în peisajele sale antice din împrejurimile „orașului etern”, a organizat imaginile naturii armonizându-le cu lumina apusului și introducând scene arhitecturale deosebite.

Normativismul rece rațional al lui Poussin a câștigat aprobarea curții de la Versailles și a fost continuat de artiștii curții precum Le Brun, care vedeau în pictura clasicistă limbajul artistic ideal pentru a lăuda starea absolutistă a „regelui soare”. Deși clienții privați au favorizat diverse variante de baroc și rococo, monarhia franceză a menținut clasicismul pe linia de plutire prin finanțarea unor instituții academice precum École des Beaux-Arts. Premiul Roma le-a oferit celor mai talentați studenți ocazia de a vizita Roma pentru cunoașterea directă cu marile opere ale antichității.

Descoperirea picturii antice „autentice” în timpul săpăturilor de la Pompei, îndumnezeirea antichității de către criticul de artă german Winckelmann și cultul lui Rafael, predicat de artistul Mengs, care i-a fost aproape în vederi, au dat un suflu nou clasicismului în a doua jumătate a secolului al XVIII-lea (în literatura occidentală această etapă se numește neoclasicism). Cel mai mare reprezentant al „noului clasicism” a fost Jacques-Louis David; limbajul său artistic extrem de laconic și dramatic a servit cu succes egal la promovarea idealurilor Revoluției Franceze („Moartea lui Marat”) și Primului Imperiu („Dedicația împăratului Napoleon I”).

În secolul al XIX-lea, pictura clasicistă a intrat într-o perioadă de criză și a devenit o forță care împiedică dezvoltarea artei, nu numai în Franța, ci și în alte țări. Linia artistică a lui David a fost continuată cu succes de Ingres, care, menținând limbajul clasicismului în lucrările sale, a apelat adesea la subiecte romantice cu aromă orientală („Băile turcești”); lucrările sale portretistice sunt marcate de o idealizare subtilă a modelului. Artiștii din alte țări (cum ar fi, de exemplu, Karl Bryullov) au umplut, de asemenea, lucrări care aveau o formă clasică cu spiritul romantismului; această combinație a fost numită academicism. Numeroase academii de artă au servit drept terenuri de reproducere. La mijlocul secolului al XIX-lea, tânăra generație, gravitând spre realism, reprezentată în Franța de cercul Courbet, iar în Rusia de itineranți, s-a răzvrătit împotriva conservatorismului academic.

2.5. Clasicismul în sculptură

Impulsul dezvoltării sculpturii clasiciste la mijlocul secolului al XVIII-lea au fost scrierile lui Winckelmann și săpăturile arheologice ale orașelor antice, care au extins cunoștințele contemporanilor despre sculptura antică. În Franța, sculptori precum Pigalle și Houdon au oscilat în pragul barocului și clasicismului. Clasicismul a ajuns la cea mai înaltă întruchipare în domeniul artei plastice în operele eroice și idilice ale lui Antonio Canova, care s-a inspirat în principal din statuile epocii elenistice (Praxiteles). În Rusia, Fedot Shubin, Mihail Kozlovsky, Boris Orlovsky și Ivan Martos au gravitat către estetica clasicismului.

Monumentele publice, care s-au răspândit în epoca clasicismului, au oferit sculptorilor posibilitatea de a idealiza vitejia militară și înțelepciunea oamenilor de stat. Fidelitatea față de modelul antic impunea sculptorilor să înfățișeze modele goale, ceea ce era în conflict cu normele morale acceptate. Pentru a rezolva această contradicție, figurile moderne au fost inițial descrise de sculptorii clasiciști sub forma unor zei antici goi: Suvorov ca Marte și Polina Borghese ca Venus. Sub Napoleon, problema a fost rezolvată prin trecerea la reprezentarea figurilor moderne în toge antice (acestea sunt figurile lui Kutuzov și Barclay de Tolly în fața Catedralei din Kazan).

Clienții privați ai epocii clasice au preferat să-și imortalizeze numele în pietre funerare. Popularitatea acestei forme sculpturale a fost facilitată de amenajarea cimitirelor publice în principalele orașe ale Europei. În conformitate cu idealul clasicist, figurile de pe pietre funerare sunt de obicei într-o stare de profundă repaus. Sculptura clasicismului este în general străină de mișcările bruște și manifestările exterioare ale emoțiilor precum furia.

Târziu, clasicismul Imperiului, reprezentat în primul rând de prolificul sculptor danez Thorvaldsen, este impregnat de un patos sec. Puritatea liniilor, reținerea gesturilor și expresiile lipsite de pasiune sunt deosebit de apreciate. În alegerea modelelor de urmat, accentul se mută de la elenism la perioada arhaică. Intră în modă imaginile religioase care, în interpretarea lui Thorvaldsen, produc o impresie oarecum înfricoșătoare asupra privitorului. Sculptura în piatră funerară a clasicismului târziu poartă adesea o ușoară notă de sentimentalism.

2.6. Clasicismul în arhitectură

Caracteristica principală a arhitecturii clasicismului a fost apelul la formele arhitecturii antice ca standard de armonie, simplitate, rigoare, claritate logică și monumentalitate. Arhitectura clasicismului în ansamblu se caracterizează prin regularitatea aspectului și claritatea formei volumetrice. La baza limbajului arhitectural al clasicismului a stat ordinea, în proporții și forme apropiate de antichitate. Clasicismul se caracterizează prin compoziții axiale simetrice, reținerea decorului decorativ și un sistem regulat de planificare a orașului.

Limbajul arhitectural al clasicismului a fost formulat la sfârșitul Renașterii de către marele maestru venețian Palladio și adeptul său Scamozzi. Venețienii au absolutizat principiile arhitecturii antice a templului într-o asemenea măsură încât le-au aplicat chiar și în construcția unor astfel de conace private precum Villa Capra. Inigo Jones a adus palladianismul la nord, în Anglia, unde arhitecții locali palladieni au urmat principiile palladiene cu diferite grade de fidelitate până la mijlocul secolului al XVIII-lea.

În acel moment, sațietatea cu „frișca” din baroc și rococo târziu a început să se acumuleze printre intelectualii Europei continentale. Născut din arhitecții romani Bernini și Borromini, baroc s-a rărit în rococo, un stil predominant de cameră, cu accent pe decorarea interioară și artele decorative. Această estetică a fost de puțin folos pentru rezolvarea problemelor mari de urbanism. Deja sub Ludovic al XV-lea (1715-1774), la Paris au fost construite ansambluri de urbanism în stil „roman antic”, precum Place de la Concorde (arhitectul Jacques-Ange Gabriel) și Biserica Saint-Sulpice, iar sub Ludovic al XVI-lea. (1774-92) un „laconism nobil” similar devine deja principala direcție arhitecturală.

Cele mai semnificative interioare în stil clasicist au fost proiectate de scoțianul Robert Adam, care s-a întors în patria sa de la Roma în 1758. A fost foarte impresionat atât de cercetările arheologice ale oamenilor de știință italieni, cât și de fanteziile arhitecturale ale lui Piranesi. În interpretarea lui Adam, clasicismul a fost un stil cu greu inferior rococo-ului în rafinamentul interioarelor sale, ceea ce ia câștigat popularitate nu numai în cercurile societății cu mentalitate democratică, ci și în rândul aristocrației. La fel ca colegii săi francezi, Adam a predicat o respingere completă a detaliilor lipsite de funcție constructivă.

Francezul Jacques-Germain Soufflot, în timpul construcției Bisericii Sainte-Geneviève din Paris, a demonstrat capacitatea clasicismului de a organiza spații urbane vaste. Grandoarea masivă a desenelor sale a prefigurat megalomania stilului Imperiului Napoleonic și clasicismul târziu. În Rusia, Bazhenov s-a mutat în aceeași direcție cu Soufflot. Francezii Claude-Nicolas Ledoux și Etienne-Louis Boullé au mers și mai departe spre dezvoltarea unui stil vizionar radical, cu accent pe geometrizarea abstractă a formelor. În Franța revoluționară, patosul civic ascetic al proiectelor lor era puțin solicitat; Inovația lui Ledoux a fost pe deplin apreciată doar de moderniștii secolului XX.

Arhitecții Franței napoleoniene s-au inspirat din imaginile maiestuoase ale gloriei militare lăsate în urmă de Roma imperială, cum ar fi arcul de triumf al lui Septimius Severus și Columna lui Traian. Din ordinul lui Napoleon, aceste imagini au fost transferate la Paris sub forma arcului de triumf al Carrousel și a Coloanei Vendôme. În legătură cu monumentele de măreție militară din epoca războaielor napoleoniene, se folosește termenul „stil imperial” - stilul Imperiului. În Rusia, Carl Rossi, Andrei Voronikhin și Andreyan Zakharov s-au dovedit a fi maeștri remarcabili ai stilului Empire. În Marea Britanie, stilul imperiu corespunde așa-zisului. „Stil Regency” (cel mai mare reprezentant este John Nash).

Estetica clasicismului a favorizat proiectele de urbanism de anvergură și a condus la eficientizarea dezvoltării urbane la scara unor orașe întregi. În Rusia, aproape toate orașele de provincie și multe districte au fost replanificate în conformitate cu principiile raționalismului clasicist. Orașe precum Sankt Petersburg, Helsinki, Varșovia, Dublin, Edinburgh și multe altele s-au transformat în adevărate muzee în aer liber ale clasicismului. Un singur limbaj arhitectural, datând din Palladio, a dominat în întreg spațiul de la Minusinsk la Philadelphia. Dezvoltarea obișnuită a fost realizată în conformitate cu albumele proiectelor standard.

În perioada de după războaiele napoleoniene, clasicismul a trebuit să coexiste cu eclectismul cu tentă romantică, în special cu revenirea interesului în Evul Mediu și cu moda arhitecturii neogotice. În legătură cu descoperirile lui Champollion, motivele egiptene câștigă popularitate. Interesul pentru arhitectura romană antică este înlocuit de venerația pentru tot ceea ce este grecesc antic („neo-grec”), care s-a manifestat în mod clar în Germania și SUA. Arhitecții germani Leo von Klenze și Karl Friedrich Schinkel au construit, respectiv, Munchen și Berlin cu muzee grandioase și alte clădiri publice în spiritul Partenonului. În Franța, puritatea clasicismului este diluată cu împrumuturi gratuite din repertoriul arhitectural al Renașterii și barocului (vezi Beaux Arts).

2.7. Clasicismul în literatură

Întemeietorul poeticii clasicismului este francezul Francois Malherbe (1555-1628), care a realizat o reformă a limbii și a versurilor franceze și a dezvoltat canoane poetice. Reprezentanții de frunte ai clasicismului în dramaturgie au fost tragedienii Corneille și Racine (1639-1699), al căror subiect principal al creativității a fost conflictul dintre datoria publică și pasiunile personale. De asemenea, genurile „joase” au atins o mare dezvoltare - fabulă (J. Lafontaine), satira (Boileau), comedie (Molière 1622-1673).

Boileau a devenit faimos în toată Europa ca „legislatorul Parnasului”, cel mai mare teoretician al clasicismului, care și-a exprimat părerile în tratatul poetic „Arta poetică”. Sub influența sa în Marea Britanie s-au aflat poeții John Dryden și Alexander Pope, care au făcut din alexandrini principala formă a poeziei engleze. Proza engleză a epocii clasice (Addison, Swift) se caracterizează, de asemenea, printr-o sintaxă latinizată.

Clasicismul secolului al XVIII-lea s-a dezvoltat sub influența ideilor iluminismului. Opera lui Voltaire (1694-1778) este îndreptată împotriva fanatismului religios, a opresiunii absolutiste și este plină de patosul libertății. Scopul creativității este de a schimba lumea în bine, de a construi societatea însăși în conformitate cu legile clasicismului. Din punctul de vedere al clasicismului, englezul Samuel Johnson a făcut o trecere în revistă a literaturii contemporane, în jurul căreia s-a format un cerc strălucit de oameni cu gânduri asemănătoare, printre care eseistul Boswell, istoricul Gibbon și actorul Garrick. Lucrările dramatice sunt caracterizate de trei unități: unitatea de timp (acțiunea are loc într-o singură zi), unitatea de loc (într-un singur loc) și unitatea de acțiune (o poveste).

În Rusia, clasicismul își are originea în secolul al XVIII-lea, după reformele lui Petru I. Lomonosov a efectuat o reformă a versurilor rusești, a dezvoltat teoria „trei calmuri”, care a fost în esență o adaptare a regulilor clasice franceze la limba rusă. Imaginile din clasicism sunt lipsite de trăsături individuale, deoarece sunt concepute în primul rând pentru a surprinde caracteristici generice stabile care nu trec în timp, acționând ca întruchipare a oricăror forțe sociale sau spirituale.

Clasicismul în Rusia s-a dezvoltat sub marea influență a Iluminismului - ideile de egalitate și dreptate au fost întotdeauna în centrul atenției scriitorilor clasici ruși. Prin urmare, în clasicismul rus, genurile care necesită evaluarea obligatorie de către autor a realității istorice au primit o mare dezvoltare: comedie (D. I. Fonvizin), satira (A. D. Kantemir), fabulă (A. P. Sumarokov, I. I. Khemnitser), odă (Lomonosov, G. R. Derzhavin).

În legătură cu chemarea proclamată a lui Rousseau de apropiere de natură și naturalețe, fenomenele de criză creșteau în clasicism la sfârșitul secolului al XVIII-lea; Absolutizarea rațiunii este înlocuită de cultul sentimentelor tandre – sentimentalism. Trecerea de la clasicism la preromantism s-a reflectat cel mai clar în literatura germană a epocii Sturm și Drang, reprezentată de numele lui J. W. Goethe (1749-1832) și F. Schiller (1759-1805), care, în urma lui Rousseau, a văzut arta ca forță principală a educației persoanei.

2.8. Clasicismul în muzică

Conceptul de clasicism în muzică este asociat în mod constant cu lucrările lui Haydn, Mozart și Beethoven, numite clasice vienezeși a determinat direcția dezvoltării ulterioare a compoziției muzicale.

Conceptul de „muzică a clasicismului” nu trebuie confundat cu conceptul de „muzică clasică”, care are o semnificație mai generală ca muzica trecutului care a trecut testul timpului.

Muzica epocii clasice gloriifică acțiunile și faptele omului, emoțiile și sentimentele pe care le experimentează și mintea umană atentă și holistică.

2.10. Originalitatea clasicismului rus

Clasicismul rus a apărut în condiții istorice similare - condiția sa prealabilă a fost întărirea statalității autocratice și autodeterminarea națională a Rusiei începând din epoca lui Petru I. Europenismul ideologiei reformelor lui Petru a vizat cultura rusă să stăpânească realizările culturilor europene. Dar, în același timp, clasicismul rus a apărut cu aproape un secol mai târziu decât francezul: pe la mijlocul secolului al XVIII-lea, când clasicismul rus abia începea să capete putere, în Franța a ajuns la a doua etapă a existenței sale. Așa-numitul „clasicism iluminist” - o combinație de principii creative clasiciste cu ideologia pre-revoluționară a iluminismului - în literatura franceză a înflorit în opera lui Voltaire și a dobândit un patos anticlerical, critic social: cu câteva decenii înainte de Marele Revoluția Franceză, vremurile apologiei absolutismului erau deja istorie îndepărtată. Clasicismul rus, datorită legăturii puternice cu reforma culturală laică, în primul rând, și-a propus inițial sarcini educaționale, încercând să-și educe cititorii și să-i instruiască pe monarhi pe calea binelui public și, în al doilea rând, a dobândit statutul de direcție de conducere în literatura rusă către atunci când Petru I nu mai trăia, iar soarta reformelor sale culturale a fost pusă în pericol în a doua jumătate a anilor 1720 - 1730.

Prin urmare, clasicismul rus începe „nu cu fructul de primăvară - odă, ci cu fructul de toamnă - satira”, iar patosul critic social îi este inerent încă de la început.

Clasicismul rus a reflectat, de asemenea, un tip complet diferit de conflict decât clasicismul vest-european. Dacă în clasicismul francez principiul socio-politic este doar solul pe care se dezvoltă conflictul psihologic al pasiunii raționale și nerezonabile și se realizează procesul de alegere liberă și conștientă între dictaturile lor, atunci în Rusia, cu conciliaritatea ei tradițional antidemocratică si puterea absoluta a societatii asupra individului, situatia era cu totul alta. Pentru mentalitatea rusă, care tocmai începuse să înțeleagă ideologia personalismului, nevoia de a smeri individul în fața societății, individul în fața autorităților, nu era deloc o asemenea tragedie ca pentru viziunea occidentală asupra lumii. Alegerea, relevantă pentru conștiința europeană ca o oportunitate de a prefera un lucru, în condițiile rusești s-a dovedit a fi imaginară, rezultatul ei a fost predeterminat în favoarea societății. Prin urmare, situația de alegere în sine în clasicismul rus și-a pierdut funcția de formare a conflictului și a fost înlocuită cu alta.

Problema centrală a vieții rusești în secolul al XVIII-lea. A existat o problemă a puterii și a succesiunii ei: nici un singur împărat rus după moartea lui Petru I și înainte de urcarea lui Paul I în 1796 nu a ajuns la putere prin mijloace legale. secolul al XVIII-lea - aceasta este o epocă a intrigilor și a loviturilor de palat, care prea des a dus la puterea absolută și necontrolată a oamenilor care nu corespundeau deloc nu numai idealului unui monarh iluminat, ci și ideilor despre rolul monarhului în stat. Prin urmare, literatura clasică rusă a luat imediat o direcție politico-didactică și a reflectat tocmai această problemă ca principală dilemă tragică a epocii - inconsecvența domnitorului cu îndatoririle autocratului, conflictul experienței puterii ca pasiune personală egoistă. cu ideea puterii exercitate în beneficiul supușilor săi.

Astfel, conflictul clasic rusesc, păstrând situația de alegere între pasiunea rezonabilă și nerezonabilă ca model de complot extern, a fost realizat în întregime ca natură socio-politică. Eroul pozitiv al clasicismului rus nu își umilește pasiunea individuală în numele binelui comun, ci insistă asupra drepturilor sale naturale, apărându-și personalismul de atacurile tiranice. Și cel mai important lucru este că acest specific național al metodei a fost bine înțeles de către scriitorii înșiși: dacă intrigile tragediilor clasice franceze sunt extrase în principal din mitologia și istoria antică, atunci Sumarokov și-a scris tragediile pe baza unor comploturi din cronicile ruse și chiar pe comploturi din istoria rusă nu atât de îndepărtată.

În cele din urmă, o altă trăsătură specifică a clasicismului rus a fost că nu s-a bazat pe o tradiție atât de bogată și continuă a literaturii naționale ca orice altă varietate națională europeană de metodă. Ce avea orice literatură europeană la momentul apariției teoriei clasicismului - și anume o limbă literară cu un sistem stilistic ordonat, principii de versificare, un sistem definit de genuri literare - toate acestea trebuiau create în limba rusă. Prin urmare, în clasicismul rus, teoria literară a fost înaintea practicii literare. Actele normative ale clasicismului rus - reforma versificației, reforma stilului și reglementarea sistemului genurilor - au fost realizate între mijlocul anilor 1730 și sfârșitul anilor 1740. - adică mai ales înaintea unui proces literar cu drepturi depline în concordanță cu estetica clasicistă desfășurată în Rusia.

3. Concluzie

Pentru premisele ideologice ale clasicismului, este esențial ca dorința de libertate a individului să fie considerată aici ca fiind la fel de legitimă ca și nevoia societății de a lega această libertate prin legi.

Principiul personal continuă să păstreze acea semnificație socială imediată, acea valoare independentă cu care Renașterea l-a înzestrat pentru prima dată. Totuși, în contrast, acum acest principiu aparține individului, împreună cu rolul pe care societatea îl primește acum ca organizație socială. Și aceasta implică că orice încercare a unui individ de a-și apăra libertatea în ciuda societății îl amenință cu pierderea plinătății legăturilor vieții și cu transformarea libertății într-o subiectivitate goală, lipsită de orice sprijin.

Categoria măsurării este o categorie fundamentală în poetica clasicismului. Este neobișnuit de multifațetă în conținut, are atât o natură spirituală, cât și plastică, este în contact cu, dar nu coincide cu, un alt concept tipic al clasicismului - conceptul de normă - și este strâns legat de toate aspectele idealului afirmat aici.

Rațiunea clasică, ca sursă și garant al echilibrului în natură și în viața oamenilor, poartă pecetea credinței poetice în armonia originală a tuturor lucrurilor, încredere în cursul natural al lucrurilor, încredere în prezența unei corespondențe atotcuprinzătoare. între mișcarea lumii și formarea societății, în caracterul umanist, orientat spre om al acestor comunicări.

Sunt aproape de perioada clasicismului, principiile sale, poezia, arta, creativitatea în general. Concluziile pe care clasicismul le face cu privire la oameni, societate și lume mi se par a fi singurele adevărate și raționale. Măsoară, ca linie de mijloc între contrarii, ordinea lucrurilor, sistemelor și nu haosul; o relație puternică între om și societate împotriva rupturii și vrăjmașiei lor, a geniului excesiv și a egoismului; armonie împotriva extremelor - în aceasta văd principiile ideale ale existenței, ale căror fundații se reflectă în canoanele clasicismului.

Lista surselor

Clasicismul (din latinescul classicus - „exemplar”) este o mișcare artistică (actuală) în arta și literatura secolului al XVII-lea - începutul secolului al XIX-lea, care se caracterizează prin teme civice înalte și respectarea strictă a anumitor norme și reguli creative. În Occident, clasicismul s-a format în lupta împotriva magnificului baroc. Influența clasicismului asupra vieții artistice a Europei în secolele XVII-XVIII. a fost răspândită și de lungă durată, iar în arhitectură a continuat până în secolul al XIX-lea. Clasicismul, ca mișcare artistică specifică, tinde să reflecte viața în imagini ideale care gravitează spre „norma” și modelul universal. De aici și cultul antichității în clasicism: antichitatea clasică apare în ea ca exemplu de artă perfectă și armonioasă.

Scriitorii și artiștii apelează adesea la imagini ale miturilor antice (vezi Literatura antică).

Clasicismul a înflorit în Franța în secolul al XVII-lea: în dramaturgie (P. Corneille, J. Racine, J. B. Moliere), în poezie (J. Lafontaine), în pictură (N. Poussin), în arhitectură. La sfârşitul secolului al XVII-lea. N. Boileau (în poemul „Arta poetică”, 1674) a creat o teorie estetică detaliată a clasicismului, care a avut un impact uriaș asupra formării clasicismului în alte țări.

Ciocnirea intereselor personale și a datoriei civice stă la baza tragediei clasice franceze, care a atins culmi ideologice și artistice în lucrările lui Corneille și Racine. Personajele lui Corneille (Sid, Horace, Cinna) sunt oameni curajoși, severi, mânați de datorie, subordonându-se complet slujirii intereselor statului. Arătând mișcări mentale contradictorii în eroii lor, Corneille și Racine au făcut descoperiri remarcabile în domeniul descrierii lumii interioare a omului. Îmbunătățită de patosul explorării sufletului uman, tragedia conținea un minim de acțiune exterioară și se încadrează cu ușurință în celebrele reguli ale celor „trei unități” - timp, loc și acțiune.

Conform regulilor esteticii clasicismului, care aderă strict la așa-numita ierarhie a genurilor, tragedia (împreună cu oda, epopeea) aparținea „genurilor înalte” și trebuia să dezvolte probleme sociale deosebit de importante, recurgând la vechile. și subiecte istorice și reflectă doar laturile eroice sublime. „Genurile înalte” erau opuse celor „jos”: comedie, fabulă, satira etc., menite să reflecte realitatea modernă. Lafontaine a devenit celebru în genul fabulelor în Franța, iar Moliere în genul comediei.

În secolul al XVII-lea, pătruns de ideile avansate ale iluminismului, clasicismul a fost pătruns de critici pasionate la adresa ordinelor lumii feudale, de protecția drepturilor naturale ale omului și de motive iubitoare de libertate. Se remarcă și prin marea atenție acordată subiectelor istorice naționale. Cei mai mari reprezentanți ai clasicismului educațional sunt Voltaire în Franța, J. W. Goethe și J. F. Schiller (în anii 90) în Germania.

Clasicismul rus își are originea în al doilea sfert al secolului al XVIII-lea, în lucrările lui A. D. Kantemir, V. K. Trediakovsky, M. V. Lomonosov, și a ajuns la dezvoltare în a doua jumătate a secolului, în lucrările lui A. P. Sumarokov, D. I. Fonvizina, M. M. Kheraskova, V. A. Ozerova, Ya B. Knyazhnina, G. R. Derzhavina. Prezintă toate genurile cele mai importante - de la odă și epopee la fabulă și comedie. Un comedian remarcabil a fost D.I Fonvizin, autorul celebrelor comedii satirice „The Brigadier” și „The Minor”. Tragedia clasicistă rusă a arătat un interes puternic pentru istoria națională („Dimitri Pretendentul” de A.P. Sumarokov, „Vadim Novgorodsky” de Ya.B. Knyazhnin etc.).

La sfârşitul secolului al XVIII-lea - începutul secolului al XIX-lea. clasicismul atât în ​​Rusia, cât și în toată Europa trece printr-o criză. El pierde din ce în ce mai mult contactul cu viața și se retrage într-un cerc restrâns de convenții. În acest moment, clasicismul a fost supus unor critici ascuțite, în special din partea romanticilor.

Autori: N. T. Pakhsaryan (Opere generale, Literatură), T. G. Yurchenko (Literatura: clasicismul în Rusia), A. I. Kaplun (Arhitectură și arte plastice), Yu K. Zolotov (Arhitectură și arte plastice: arte plastice europene), E. I. Gorfunkel (Teatru. ), P. V. Lutsker (muzică)Autori: N. T. Pakhsaryan (Opere generale, Literatură), T. G. Yurchenko (Literatura: clasicismul în Rusia), A. I. Kaplun (Arhitectură și arte plastice); >>

CLASICISM (din latină classicus - exemplar), stil și artist. direcție în literatură, arhitectură și artă 17 – început. secolele al XIX-lea K. este asociat continuu cu epoca Renaştere; a ocupat, alături de baroc, un loc important în cultura secolului al XVII-lea; și-a continuat dezvoltarea în timpul Epocii Luminilor. Originea și răspândirea calculului este asociată cu întărirea monarhiei absolute, cu influența filozofiei lui R. Descartes și cu dezvoltarea științelor exacte. Bazat pe raționalism. Estetica lui K. - dorința de echilibru, claritate și logică în artă. expresii (în mare parte preluate din estetica renascentista); convingere în existența universalului și a eternului, nu supus istoricului. modificări ale regulilor art. creativitatea, care este interpretată ca îndemânare, măiestrie și nu o manifestare a inspirației spontane sau a autoexprimarii.

Acceptând ideea creativității ca o imitație a naturii, datând de la Aristotel, clasiciștii au înțeles natura ca o normă ideală, care fusese deja întruchipată în lucrările maeștrilor și scriitorilor antici: o orientare către „natura frumoasă”. transformate și ordonate în conformitate cu legile imuabile ale artei, sugerau astfel imitarea modelelor antice și chiar competiția cu acestea. Dezvoltarea ideii de artă ca activitate rațională bazată pe eternele categorii de „frumos”, „expedient”, etc., K. mai mult decât alți artiști. direcțiile au contribuit la apariția esteticii ca știință generalizantă a frumosului.

Centru. conceptul de K. – verosimilitate – nu presupunea reproducerea exactă a datelor empirice. realitate: lumea este recreată nu așa cum este, ci așa cum ar trebui să fie. Preferința pentru o normă universală ca „datorată” a tot ceea ce este particular, întâmplător și concret corespunde ideologiei unui stat absolutist exprimată de K., în care tot ceea ce este personal și privat este subordonat voinței indiscutabile a statului. Autoritățile. Clasicul a înfățișat nu o personalitate specifică, individuală, ci o persoană abstractă într-o situație universală, aistorice. conflict moral; de aici orientarea clasiciștilor către mitologia antică ca întruchipare a cunoașterii universale despre lume și om. Etic Idealul lui K. presupune, pe de o parte, subordonarea personalului față de general, pasiunile față de datorie, rațiunea și rezistența la vicisitudinile existenței; pe de altă parte, reținerea în manifestarea sentimentelor, aderarea la moderație, adecvarea și capacitatea de a fi pe plac.

K. creativitatea subordonată strict regulilor ierarhiei stilului de gen. S-a făcut o distincție între genurile „înalt” (de exemplu, epic, tragedie, odă - în literatură; genul istoric, religios, mitologic, portret - în pictură) și genurile „low” (satiră, comedie, fabulă; natura moartă în pictură) , care corespundea unui anumit stil, gamă de teme și eroi; s-a prescris o distincție clară între tragic și comic, sublim și josnic, eroic și obișnuit.

Din ser. secolul al 18-lea K. a fost înlocuit treptat de noi tendințe - sentimentalism , preromantism, romantism. Tradiţiile lui K. în cele din urmă. 19 – începutul secolele 20 au fost înviați în neoclasicismul .

Termenul „clasicism”, care se întoarce la conceptul de clasici (scriitori exemplari), a fost folosit pentru prima dată în 1818 de italieni. criticul G. Visconti. A fost folosit pe scară largă în polemicile dintre clasiciști și romantici, iar printre romantici (J. de Staël, V. Hugo etc.) avea o conotație negativă: clasicismul și clasicii care imitau antichitatea s-au opus romantismului inovator. litru. În critica literară și de artă, conceptul de „K.” a început să fie utilizat în mod activ după lucrările oamenilor de știință scoala cultural-istoricaşi G. Wölfflin.

Stilistic tendințe similare cu cele din secolele al XVII-lea și al XVIII-lea sunt văzute de unii oameni de știință din alte epoci; în acest caz, conceptul „K”. interpretat în formă extinsă. sens, denota stilistic. o constantă care se actualizează periodic pe diverse etape ale istoriei artei și literaturii (de exemplu, „K. antic”, „K. Renașterii”).

Literatură

Originile lit. K. - în poetica normativă (Yu. Ts. Scaliger, L. Castelvetro etc.) și în italiană. literatura secolului al XVI-lea, unde a fost creat un sistem de genuri, corelat cu sistemul de stiluri lingvistice și axat pe exemple antice. Cea mai mare înflorire a K. este asociată cu francezii. lit-roy secolul al XVII-lea Fondatorul K. poetics a fost F. Malherbe, care a efectuat reglementarea lit. limbaj bazat pe vorbire vorbită în direct; reforma pe care a efectuat-o a fost consolidată de Franz. academie. În forma lor cea mai completă, principiile lit. K. au fost expuse în tratatul „Arta poetică” de N. Boileau (1674), care a rezumat artistul. practica contemporanilor săi.

Scriitorii clasici tratează literatura ca pe o misiune importantă de a întruchipa în cuvinte și de a transmite cititorului cerințele naturii și ale rațiunii, ca pe o modalitate de a „educa în timp ce se distra”. Literatura lui K. tinde spre o exprimare clară a gândirii semnificative, adică („... sensul trăiește mereu în creația mea” - F. von Logau), ea refuză stilistic. rafinament, retorică decoratiuni Clasicii au preferat laconismul și metafora verbozității. complexitate - simplitate și claritate, extravagant - decent. Respectarea normelor stabilite nu însemna însă că clasiciștii încurajau pedanteria și ignorau rolul artistului. intuiţie. Deși regulile au fost prezentate clasiciștilor ca o modalitate de a restrânge creativitatea. libertatea în limitele rațiunii, ei au înțeles importanța perspicacității intuitive, iertând talentul să se abată de la reguli dacă este adecvat și eficient din punct de vedere artistic.

Personajele din K. sunt construite pe identificarea unei trăsături dominante, care ajută la transformarea lor în tipuri umane universale. Ciocnirile preferate sunt ciocnirea datoriei și sentimentelor, lupta rațiunii și a pasiunii. În centrul operelor clasiciștilor se află eroismul. personalitate și în același timp o persoană bine crescută care se străduiește cu stoicitate să-l depășească pe a lui. pasiuni și afecte, să le înfrâneze sau măcar să le realizeze (ca eroii tragediilor lui J. Racine). „Gândesc, deci sunt” a lui Descartes joacă nu doar un rol filosofic și intelectual în viziunea asupra lumii a personajelor lui K., ci și unul etic. principiu.

Pe baza lit. teoriile lui K. – ierarhice. sistem de gen; analitic reproducerea după diferite lucrări, chiar artistice. lumi, eroi și teme „înalte” și „jos” se combină cu dorința de a înnobila genurile „jos”; de exemplu, scăpați de satira de burlescul crud, comedia - de trăsături farse ("high comedy" de Molière).

Ch. Drama, bazată pe regula celor trei unități, a ocupat un loc în literatura lui K. (vezi. Teoria celor trei unități). Genul său principal a fost tragedia, dintre care cele mai mari realizări au fost lucrările lui P. Corneille și J. Racine; În prima, tragedia capătă o calitate eroică, în a doua, devine lirică. caracter. Dr. Genurile „înalte” joacă un rol mult mai mic în literatură. proces (experimentul nereușit al lui J. Chaplin în genul poemului epic a fost ulterior parodiat de Voltaire; ode solemne au fost scrise de F. Malherbe și N. Boileau). În același timp înseamnă. se dezvoltă genuri „low”: poem irocomicşi satira (M. Renier, Boileau), fabulă (J. de Lafontaine), comedie. Se cultivă mici genuri didactice. proză - aforisme (maxime), „personaje” (B. Pascal, F. de La Rochefoucauld, J. de Labruyère); proză oratorică (J.B. Bossuet). Deși teoria lui K. nu a inclus romanul în sistemul de genuri demne de critică serioasă. înţelegere, psihologic Capodopera lui M. M. Lafayette „Prițesa de Cleves” (1678) este considerată un exemplu de clasicism. roman.

În cele din urmă secolul al 17-lea s-a înregistrat un declin în literatură. K., oricum arheologic. interes pentru antichitate în secolul al XVIII-lea, săpăturile de la Herculaneum, Pompeii, crearea lui I.I. Winkelmann imagine ideală a grecului antichitatea ca „simplitate nobilă și grandoare calmă” a contribuit la noua sa ascensiune în timpul Iluminismului. Ch. Reprezentantul noii culturi a fost Voltaire, în a cărui operă raționalismul și cultul rațiunii au servit la fundamentarea nu a normelor statalității absolutiste, ci a dreptului individului la eliberarea de pretențiile bisericii și ale statului. Enlightenment K., interacționând activ cu alte lit. direcțiile epocii, se bazează nu pe „reguli”, ci mai degrabă pe „gustul luminat” al publicului. Trecerea către antichitate devine o modalitate de a exprima eroismul lui Franz. revoluții din secolul al XVIII-lea în poezia lui A. Chenier.

În Franța în secolul al XVII-lea. K. s-a dezvoltat într-un artist puternic și consecvent. sistem, a avut un impact notabil asupra literaturii baroc. În Germania, poezia a apărut ca un efort cultural conștient de a crea o poezie „corectă” și „perfectă” demnă de alte literaturi europene. şcoala (M. Opitz), dimpotrivă, a fost înecată de baroc, al cărui stil era mai în concordanţă cu tragicul. epoca Războiului de 30 de ani; o încercare întârziată a lui I. K. Gottsched în anii 1730–40. Trimite-l ru literare pe calea clasicismului. canoanele au provocat controverse acerbe și au fost în general respinse. Autosuficient. estetic fenomenul este clasicismul de la Weimar J. W. Goethe și F. Schiller. În Marea Britanie, K. timpuriu este asociat cu opera lui J. Dryden; dezvoltarea sa ulterioară a procedat în conformitate cu iluminismul (A. Pope, S. Johnson). K con. secolul al 17-lea K. în Italia a existat în paralel cu rococo și s-a împletit uneori cu acesta (de exemplu, în lucrările poeților din Arcadia - A. Zeno, P. Metastasio, P. Y. Martello, S. Maffei); educaţional K. este reprezentat de opera lui V. Alfieri.

În Rusia, cultura a fost înființată în anii 1730-1750. sub influenţa vest-europeană K. și ideile iluminismului; în același timp, arată clar o legătură cu baroc. Va distinge. caracteristici ale rusului K. - didacticism pronunțat, acuzator, critic social. orientare, national-patriotic. patos, încredere în oameni. creativitate. Unul dintre primele principii ale lui K. în limba rusă. solul a fost mutat de A.D.Cantemir. În satirele sale, l-a urmat pe N. Boileau, dar, creând imagini generalizate ale viciilor umane, le-a adaptat la patria sa. realitate. Kantemir introdus în rusă. Literatura de poezii noi. genuri: transcrieri de psalmi, fabule, eroice. poem („Petrida”, neterminat). Primul exemplu clasic. o odă lăudabilă a fost creată de V.K. Trediakovsky(„Oda solemnă despre cedarea orașului Gdansk”, 1734), teoreticianul care a însoțit-o. „Discurs despre odă în general” (amândoi, după Boileau). Odele lui M. V. Lomonosov sunt marcate de influența poeticii barocului. Cea mai completă și consecventă rusă. K. este reprezentat de opera lui A.P. Sumarokov. După ce am stabilit elementele de bază prevederile clasicului Doctrine scrise în imitarea tratatului lui Boileau „Epistole on Poetry” (1747), Sumarokov a căutat să le urmeze în lucrările sale: tragedii concentrate pe opera francezilor. clasiciștii secolului al XVII-lea. și dramaturgia lui Voltaire, dar convertit la ele. la evenimentele nationale istorie; parțial - în comedii, modelul pentru care a fost opera lui Moliere; în satire, precum și în fabule, care i-au adus faima de „La Fontaine de nord”. De asemenea, a dezvoltat un gen de cântec care nu a fost menționat de Boileau, dar a fost inclus de însuși Sumarokov în lista cântecelor poetice. genuri. Pana la sfarsit secolul al 18-lea clasificarea genurilor propusă de Lomonosov în prefața lucrărilor colectate din 1757, „Despre utilizarea cărților bisericești în limba rusă”, și-a păstrat semnificația, ceea ce a corelat teoria celor trei stiluri cu genuri specifice, asociind eroismul cu înaltul „calm”. poem, odă, discursuri solemne; cu media - tragedie, satira, elegie, eglogă; cu joasă – comedie, cântec, epigramă. O mostră din poemul irocomic a fost creat de V. I. Maikov („Elisei sau Bacchus iritat”, 1771). Primul eroic completat. „Rossiyada” de M. M. Kheraskov (1779) a devenit o epopee. În cele din urmă secolul al 18-lea principiile clasicismului dramaturgia s-a manifestat în lucrările lui N. P. Nikolev, Ya B. Knyazhnin, V. V. Kapnist. La începutul secolelor XVIII-XIX. K. este înlocuită treptat de noi tendințe în lit. evoluțiile asociate cu preromantismul și sentimentalismul, totuși, își păstrează influența de ceva timp. Tradițiile sale pot fi urmărite încă din anii 1800-20. în operele poeților Radișciov (A. Kh. Vostokov, I. P. Pnin, V. V. Popugaev), în lit. critică (A.F. Merzlyakov), în literar-estetic. program și gen-stilistic. practica poeților decembriști, în lucrările timpurii ale lui A. S. Pușkin.

Arhitectură și arte plastice

K. tendinţe în Europa. procesele au început să apară deja în a doua jumătate. al 16-lea secol în Italia - în arhitectură. teoria şi practica lui A. Palladio, teoretică. tratate de G. da Vignola, S. Serlio; mai consecvent – ​​în scrierile lui J. P. Bellori (secolul al XVII-lea), precum și în estetică. standardele academice scoala din Bologna. Cu toate acestea, în secolul al XVII-lea. K., care s-a dezvoltat într-o polemică acută. interacțiune cu baroc, numai în franceză. artist cultura s-a dezvoltat într-un sistem de stil coerent. Prem. În Franța, s-a format și K. 18 - timpuriu. al XIX-lea, care a devenit un stil paneuropean (cel din urmă în istoria artei străine este adesea numit neoclasicism). Principiile raționalismului care stau la baza esteticii lui K. au determinat viziunea asupra artei. opera ca rod al rațiunii și logicii, triumfând asupra haosului și fluidității vieții senzoriale. Accentul pe un principiu rațional, pe exemple durabile, a determinat și cerințele normative ale esteticii lui K. și reglementarea art. reguli, este descrisă o ierarhie strictă a genurilor. artă (genul „înalt” include lucrări pe subiecte mitologice și istorice, precum și „peisajul ideal” și portretul ceremonial; genul „jos” include natura moartă, genul de zi cu zi etc.). Consolidarea teoretică Doctrinele lui K. au fost promovate de activitățile academiilor regale înființate la Paris - pictură și sculptură (1648) și arhitectură (1671).

Arhitectura K., în contrast cu baroc cu stilul său dramatic. conflict de forme, interacțiune energetică a volumului și a mediului spațial, bazat pe principiul armoniei și interne. completitudine ca dep. cladiri si ansamblu. Trăsăturile caracteristice ale acestui stil sunt dorința de claritate și unitate a întregului, simetria și echilibrul și certitudinea plasticității. forme și intervale spațiale care creează un ritm calm și solemn; un sistem de proporție bazat pe rapoarte multiple de numere întregi (un singur modul care determină modelele de formare a formei). Apelarea constantă a maeștrilor lui K. față de moștenirea arhitecturii antice a implicat nu numai utilizarea departamentelor sale. motive și elemente, dar și înțelegere a legilor generale ale arhitectonicii sale. Baza arhitecturii. limba K. a devenit ordine arhitecturală, proporții și forme mai apropiate de antichitate decât în ​​arhitectura epocilor anterioare; în clădiri este utilizat în așa fel încât să nu ascundă structura de ansamblu a structurii, ci să devină acompaniamentul ei subtil și restrâns. Interioarele lui K. se caracterizează prin claritatea diviziunilor spațiale și blândețea culorilor. Folosind pe scară largă efectele de perspectivă în pictura monumentală și decorativă, maeștrii K. au separat fundamental spațiul iluzoriu de real.

Un loc important în arhitectura Kazahstanului aparține problemelor planificare urbană. Sunt în curs de dezvoltare proiecte pentru „orașe ideale” și se creează un nou tip de oraș de reședință absolutist obișnuit (Versailles). K. se străduiește să continue tradițiile antichității și ale Renașterii, punând baza deciziilor sale pe principiul proporționalității față de om și, în același timp, pe scara pe care o dă arhitectul. imaginea are un sunet eroic ridicat. Și deși retoric. splendoarea decorului palatului intră în conflict cu această tendință dominantă structura figurativă stabilă a lui K. păstrează unitatea stilului, oricât de diverse modificările sale în procesul istoric. dezvoltare.

Formarea lui K. în franceză. arhitectura este asociată cu lucrările lui J. Lemercier și F. Mansart. Aspectul clădirilor este ceea ce construiește. tehnicile seamănă la început cu arhitectura castelelor din secolul al XVI-lea; un punct de cotitură decisiv a avut loc în opera lui L. Levo - în primul rând în crearea ansamblului palatului și parcului Vaux-le-Vicomte, cu enfilada solemnă a palatului însuși, picturile impresionante ale lui C. Le Brun și cele mai expresie caracteristică a noilor principii – parcul parterre regulat al lui A. Le Nôtre. Opera programatică a arhitecturii kazahe a fost Orientul. fațada Luvru, realizată (din anii 1660) după planurile lui C. Perrault (în mod caracteristic, proiectele lui J. L. Bernini și alții în stil baroc au fost respinse). În anii 1660. L. Levo, A. Le Nôtre și C. Lebrun au început să creeze ansamblul de la Versailles, unde ideile lui K. sunt exprimate cu o perspectivă deosebită. Din 1678, construcția Versailles a fost condusă de J. Hardouin-Mansart; Conform proiectelor sale, palatul a fost extins semnificativ (s-au adăugat aripi), centrul. terasa a fost transformată într-o Galerie de Oglinzi – cea mai reprezentativă parte a interiorului. De asemenea, a construit Palatul Marele Trianon și alte clădiri. Ansamblul Versailles se caracterizează printr-o trăsătură stilistică rară. integritate: chiar și jeturile fântânilor au fost combinate într-o formă statică, ca o coloană, iar copacii și tufișurile au fost tăiate într-o formă geometrică. cifre. Simbolismul ansamblului este subordonat glorificării „Regelui Soare” Ludovic al XIV-lea, dar baza sa artistică și figurativă a fost apoteoza rațiunii, transformând puternic elementele naturale. În același timp, decorativitatea accentuată a interioarelor justifică utilizarea termenului de stil „clasicism baroc” în raport cu Versailles.

În a 2-a jumătate. secolul al 17-lea Apar noi tehnici de planificare care asigură bio legătura dintre munți amenajări cu elemente ale mediului natural, crearea de zone deschise care se contopesc spațial cu strada sau terasament, soluții de ansamblu pentru elementele cheie ale munților. structuri (Locul Ludovic cel Mare, acum Vendôme, și Place des Victories; ansamblu arhitectural Case pentru persoane cu handicap, toate de J. Hardouin-Mansart), arcuri de intrare de triumf (Poarta Saint-Denis proiectată de N. F. Blondel; toate la Paris).

Tradiţiile lui K. în Franţa secolului al XVIII-lea. au fost aproape neîntrerupte, dar în prima repriză. secole a predominat stilul rococo. Toate R. secolul al 18-lea Principiile lui K. au fost transformate în spiritul esteticii iluministe. În arhitectură, apelul la „naturalitate” a prezentat cerința justificării constructive a elementelor de ordine ale compoziției, în interior - necesitatea de a dezvolta un aspect flexibil pentru o clădire rezidențială confortabilă. Mediul ideal pentru casa a fost un mediu peisagistic (gradina si parc). Influență uriașă asupra secolului al XVIII-lea. a avut o dezvoltare rapidă a cunoștințelor despre greacă. și Roma antichități (săpături de la Herculaneum, Pompei etc.); Lucrările lui I. I. Winkelman, J. V. Goethe și F. Milizia și-au adus contribuția la teoria calculului. In franceza K. secolul al XVIII-lea au fost identificați noi arhitecți. tipuri: conac elegant și intim („hotel”), societate formală. clădire, zonă deschisă de legătură principală. autostrăzile orașului (Locul Louis XV, acum Place de la Concorde, la Paris, arhitectul J. A. Gabriel; el a construit și Palatul Petit Trianon din parcul Versailles, combinând claritatea armonioasă a formei cu rafinamentul liric al designului). J. J. Souflo și-a implementat proiectul c. Sainte-Genevieve la Paris, bazată pe experiența clasicului. arhitectură

În epoca de dinaintea lui Franz. revoluția secolului al XVIII-lea, o dorință de simplitate austeră și o căutare îndrăzneață a geometricismului monumental al unei noi arhitecturi, fără ordine, au apărut în arhitectură (C. N. Ledoux, E. L. Bulle, J. J. Lequeu). Aceste căutări (marcate și de influența gravurilor arhitecturale ale lui G.B. Piranesi) au servit drept punct de plecare pentru faza târzie a Cartoonului - francez. Stilul Imperiu (1 treime a secolului al XIX-lea), în care mărește reprezentativitatea magnifică (C. Percier, P. F. L. Fontaine, J. F. Chalgrin).

La 17 – începe. secolele al XVIII-lea K. s-a format în arhitectura Olandei (J. van Kampen, P. Post), ceea ce a dat naștere unei versiuni deosebit de restrânse a acesteia. Legături încrucișate cu francezii. si gol. K., precum și cu barocul timpuriu, au afectat scurta perioadă de glorie a lui K. în arhitectura Suediei la sfârșitul secolului al XVII-lea - începutul. secolele al XVIII-lea (N. Tessin cel Tânăr). La 18 ani – începutul. secolele al XIX-lea K. s-a impus și în Italia (G. Piermarini), Spania (X. de Villanueva), Polonia (J. Kamsetzer, H. P. Aigner) și SUA (T. Jefferson, J. Hoban). Pentru el. arhitectura K. 18 – etaj 1. secolele al XIX-lea Caracterizat prin formele stricte ale palladianului F. W. Erdmansdorff, elenismul „eroic” al lui K. G. Langhans, D. și F. Gilly, istoricismul lui L. von Klenze. În lucrările lui K.F. Schinkel monumentalitatea dură a imaginilor se îmbină cu căutarea de noi soluții funcționale.

K ser. secolul al 19-lea Rolul principal al lui K. dispare; îl înlocuiesc istoric stiluri(Vezi si Stilul neo-grec, Eclectism). În același timp, artistul tradiţia lui K. prinde viaţă în neoclasicismul secolului al XX-lea.

Arte plastice K. normativ; structura sa figurativă are semne clare ale unei utopii sociale. Iconografia lui K. este dominată de legende străvechi, eroice. fapte, istorice comploturi, adică interes pentru destinele comunităților umane, pentru „anatomia puterii”. Nemulțumiți cu pur și simplu „portretizarea naturii”, artiștii K. se străduiesc să se ridice deasupra specificului, individualului - până la semnificativul universal. Clasicii și-au apărat ideea de artă. adevăr, care nu coincidea cu naturalismul lui Caravaggio sau olandeză mică. Lumea acțiunilor rezonabile și a sentimentelor strălucitoare din arta lui K. s-a ridicat deasupra vieții de zi cu zi imperfecte ca întruchipare a visului armoniei dorite a existenței. Orientarea către un ideal înalt a dat naștere și la alegerea unei „naturi frumoase”. K. evită aleatoriul, deviantul, grotesc, nepoliticos, respingător. tectonic claritate clasică arhitectura corespunde unei delimitări clare a planurilor în sculptură și pictură. Chirurgia plastică, de regulă, este concepută pentru fix. din punct de vedere, se distinge prin netezimea formelor. Momentul mișcării în ipostazele figurilor, de obicei, nu perturbă plasticitatea acestora. izolare si calm statuistic. În pictura K. principal. elemente de formă – linie și clarobscur; culorile locale identifică clar obiectele și planurile de peisaj, ceea ce aduce compoziția spațială a unui tablou mai aproape de compoziția unuia scenic. site-uri.

Fondatorul și cel mai mare maestru al secolului al XVII-lea. era francez. subţire N. Poussin, ale cărui picturi sunt marcate de sublimitatea filozofiei și a eticii. continut, armonie si ritm. structura si culoarea. Dezvoltare ridicată în pictura K. a secolului al XVII-lea. a primit un „peisaj ideal” (N. Poussin, C. Lorrain, G. Duguay), care întruchipa visul clasiciștilor de o „epocă de aur” a umanității. Majoritatea înseamnă. maeștri francezi K. în sculptura 17 – început. secolele al XVIII-lea au fost P. Puget (temă eroică), F. Girardon (căutarea armoniei și laconismului formelor). În a 2-a jumătate. secolul al 18-lea limba franceza sculptorii s-au orientat din nou către teme semnificative din punct de vedere social și soluții monumentale (J.B. Pigalle, M. Clodion, E.M. Falconet, J.A. Houdon). Cetăţean patosul și lirismul s-au îmbinat în mitologie. tablouri de J. M. Vien, peisaje decorative de Y. Robert. Pictura așa-zisa revoluţionarul K. în Franţa este reprezentat de lucrările lui J. L. David, istorice. și ale căror imagini portret sunt marcate de dramă curajoasă. În perioada târzie a francezei. K. pictura, în ciuda aspectului catedrei. maeștri majori (J. O. D. Ingres), degenerează în apologetic oficial. sau arta salonului .

Centrul Internațional K. 18 – început. secolele al XIX-lea a devenit Roma, unde academicienii au dominat arta. o tradiție cu o combinație de noblețe a formelor și idealizare rece, abstractă, deloc neobișnuită pentru academicism (pictori A. R. Mengs, J. A. Koch, V. Camuccini, sculptori A. Canova și B. Thorvaldsen). B va descrie. proces în ea. K., contemplativ în spirit, se remarcă portretele lui A. și V. Tishbein, mitologice. cartonuri de A. Ya Carstens, materiale plastice de I. G. Shadov, K. D. Rauch; în artă decorativă și aplicată - mobilier de D. Roentgen. În Marea Britanie, aproape de K se află grafica și sculptura lui J. Flaxman, iar în arta decorativă și aplicată - ceramica lui J. Wedgwood și meșterii fabricii Derby.

Perioada de glorie a culturii în Rusia datează din ultima treime a secolului al XVIII-lea – prima treime a secolului al XIX-lea, deși deja la început. secolul al 18-lea remarcat creativ apel la urbanist. experiență franceză K. (principiul sistemelor de planificare axială simetrică în construcția din Sankt Petersburg). Rus. K. a întruchipat un nou concept istoric, fără precedent pentru Rusia ca amploare și conținut ideologic. etapa de glorie a rusului cultura laică. Rusă timpurie K. în arhitectură (1760–70; J.B. Wallen-Delamote, A. F. Kokorinov, Yu M. Felten, K. I. Blank, A. Rinaldi) păstrează încă plasticitatea. bogăția și dinamica formelor inerente barocului și rococo.

Arhitecții epocii mature a Kazahstanului (1770–90; V.I. Bazhenov, M.F. Kazakov, I.E. Starov) au creat clasicul. tipuri de palat-moșie metropolitană și clădiri rezidențiale confortabile, care au devenit modele în construcția pe scară largă a moșiilor nobiliare de țară și în dezvoltarea nouă, ceremonială a orașelor. Arta ansamblului în moșiile parcului de țară este o contribuție majoră a rusului. K. în arta mondială. cultură. Rusă a apărut în construcția proprietății. o variantă a paladianismului (N. A. Lvov), a apărut un nou tip de palat de cameră (C. Cameron, G. Quarenghi). Caracteristica rusă K. – o scară de stat fără precedent. planificare urbană: au fost elaborate planuri regulate pentru peste 400 de orașe, s-au format ansambluri de centre din Kaluga, Kostroma, Poltava, Tver, Yaroslavl etc.; practica „reglementării” munților. planurile, de regulă, combinau în mod constant principiile capitalismului cu structura de planificare stabilită istoric a orașului vechi rusesc. Turnul secolelor XVIII-XIX. marcat de cea mai mare urbanism. realizări în ambele capitale. S-a format un ansamblu grandios al centrului Sankt Petersburgului (A. N. Voronikhin, A. D. Zakharov, J. F. Thomas de Thomon, mai târziu K. I. Rossi). Pe alții va construi orașe. La început, s-a format „Moscova clasică”, care a fost construită în timpul restaurării ei după incendiul din 1812, cu conace mici cu interioare confortabile. Principiile regularității de aici au fost subordonate consecvent libertății picturale generale a structurii spațiale a orașului. Cei mai proeminenți arhitecți ai defunctului Moscova. K. – D. I. Gilardi, O. I. Bove, A. G. Grigoriev. Clădiri din prima treime a secolului al XIX-lea. aparțin stilului rusesc. Stilul Imperiu (numit uneori clasicismul lui Alexandru).

B va descrie. art-ve development rus. K. este strâns legată de Sankt Petersburg. AH (fondat în 1757). Sculptura este reprezentată de plasticitate monumentală și decorativă „eroică”, formând o sinteză fin gândită cu arhitectura, plină de cetățeni. patos cu monumente impregnate de elegiac. iluminarea pietrelor funerare, plastic de șevalet (I. P. Prokofiev, F. G. Gordeev, M. I. Kozlovsky, I. P. Martos, F. F. Shchedrin, V. I. Demut-Malinovski, S. S. Pimenov, I. I. Terebenev). În pictură, K. s-a manifestat cel mai clar în lucrările istoriei. şi mitologică gen (A.P. Losenko, G.I. Ugryumov, I.A. Akimov, A.I. Ivanov, A.E. Egorov, V.K. Shebuev, timpuriu A.A. Ivanov; în scenografie - în creativitate P. di G. Gonzago). Unele trăsături ale lui K. sunt, de asemenea, inerente portretelor sculpturale ale lui F. I. Shubin, în pictură - în portretele lui D. G. Levitsky, V. L. Borovikovsky, peisaje de F. M. Matveev. În arta decorativă și aplicată în limba rusă. K. artiștii ies în evidență. modelare si decor sculptat in arhitectura, produse din bronz, fonta, portelan, cristal, mobilier, tesaturi de damasc etc.

Teatru

Formarea cinematografiei de teatru a început în Franța în anii 1630. Rolul de activare și organizare în acest proces a aparținut literaturii, datorită căreia teatrul s-a impus printre artele „înalte”. Francezii au văzut exemple de artă teatrală în Italia. „teatru științific” al Renașterii. Întrucât societatea de curte era stabilitoarea gusturilor și valorilor culturale, atunci pe scenă. Stilul a fost, de asemenea, influențat de ceremoniile de curte și festivaluri, balete și recepții. Principiile teatrului teatral s-au dezvoltat pe scena pariziană: în Teatrul Marais condus de G. Mondori (1634), în Palais Cardinal (1641, din 1642 Palais Royal), construit de Cardinalul Richelieu, a cărui structură a îndeplinit cerințele înalte ale Italia. pitoresc tehnologie; în anii 1640 Hotelul Burgundy a devenit locul de desfășurare a teatrului. Decorare simultană treptat, spre mijloc. al XVII-lea, a fost înlocuită cu decor pitoresc și unificat în perspectivă (palat, templu, casă etc.); a apărut o cortină care se ridica și cobora la începutul și sfârșitul spectacolului. Scena a fost încadrată ca un tablou. Jocul a avut loc doar pe proscenium; spectacolul a fost centrat pe mai multe figuri protagoniste. Arhit. fundalul, o singură scenă de acțiune, o combinație de planuri actoricești și picturale și o punere în scenă tridimensională generală au contribuit la crearea iluziei de verosimilitate. În scenă K. secolul al XVII-lea A existat un concept de „al patrulea zid”. „El se comportă astfel”, a scris F. E. d'Aubignac despre actor („Practica teatrului”, 1657), „de parcă publicul nu ar exista deloc: personajele sale acționează și vorbesc ca și cum ar fi cu adevărat regi și nu Mondori și Bellerose, de parcă s-ar afla în palatul lui Horace din Roma, și nu în Hotelul Burgundian din Paris și ca și cum ar fi fost văzuți și auziți doar de cei care sunt prezenți pe scenă (adică în locul descris).

În înalta tragedie a lui K. (P. Corneille, J. Racine), dinamica, divertismentul și intrigile de aventură ale pieselor lui A. Hardy (care au alcătuit repertoriul primei trupe franceze permanente a lui V. Leconte în prima treime a lui V. Leconte). al XVII-lea) au fost înlocuite de statică și atenție profundă adusă lumii spirituale a eroului, motivelor comportamentului său. Noua dramaturgie a cerut schimbări în artele spectacolului. Actorul a devenit întruchiparea eticii. si estetic idealul epocii, creând cu piesa sa un portret de aproape al contemporanului său; costumul său, stilizat ca antichitate, corespundea timpurilor moderne. moda, arta plastică era supusă cerințelor nobilimii și grației. Actorul trebuia să aibă patosul unui orator, simțul ritmului, muzicalitatea (pentru actrița M. Chanmele, J. Racine a scris note peste rândurile rolului), priceperea unui gest elocvent, abilitățile unui dansator. , chiar și abilități fizice. putere. Dramaturgia lui K. a contribuit la apariția unei școli de teatru de scenă. declamație, care a unit întregul ansamblu de tehnici de interpretare (cititură, gesturi, expresii faciale) și a devenit baza. va exprima. mijloacele franceze actor. A. Vitez numit declamație din secolul al XVII-lea. „arhitectură prozodică”. Performanța a fost construită într-un mod logic. interacțiunea monologurilor. Cu ajutorul cuvintelor s-a practicat tehnica stârnirii emoțiilor și controlării lor; Succesul spectacolului a depins de puterea vocii, de sonoritatea acesteia, de timbru, de stăpânirea culorilor și a intonațiilor.

Împărțirea genurilor teatrale în „înalt” (tragedie la hotelul Burgundian) și „jos” (comedia la Palais Royal pe vremea lui Moliere), apariția rolurilor a fost consolidată de ierarhic. structura teatrului K Rămânând în limitele naturii „înnobilate”, modelul de performanță și conturul imaginii au fost determinate de individualitatea celor mai mari actori: modul de recitare a lui J. Floridor era mai firesc decât cel al pozei excesive. Bellerose; M. Chanmele a fost caracterizat printr-o „recitare” sonoră și melodioasă, iar Montfleury nu avea egal în afectele pasiunii. Ideea dezvoltată ulterior a canonului K. teatral, care a constat în gesturi standard (surpriza a fost înfățișată cu mâinile ridicate la nivelul umerilor și palmele îndreptate către public; dezgustul - cu capul întors la dreapta și mâinile împingând obiectul). a disprețului etc.), se referă la epoca declinului și a degenerarii stilului.

În secolul al XX-lea limba franceza Teatrul regizorului s-a apropiat de teatrul european, iar teatrul de scenă. stilul și-a pierdut caracterul național. specificul. Cu toate acestea, înseamnă. evenimente în franceză teatru secolul al XX-lea corespund tradițiilor Chinei: spectacole de J. Copo, J. L. Barrault, L. Jouvet, J. Vilar, experimentele lui Vitez cu clasicii secolului al XVII-lea, producții de R. Planchon, J. Desart etc.

Pierdută în secolul al XVIII-lea. semnificaţia stilului dominant în Franţa, K. a găsit succesori în alte Europe. ţări. J. W. Goethe a introdus constant principiile cinematografiei în teatrul din Weimar pe care l-a condus. Actrița și antreprenorul F. K. Neuber și actorul K. Eckhoff în Germania, engleză. actorii T. Betterton, J. Quinn, J. Kemble, S. Siddons au promovat K., dar eforturile lor, în ciuda creativității lor personale. realizările s-au dovedit a fi ineficiente și au fost în cele din urmă respinse. Pitoresc K. a devenit obiectul controverselor paneuropene grație germanilor, iar după ei rușilor. Teoreticienii teatrului au primit definiția „teatru fals-clasic”.

Tradiționale pentru Italia au fost cultivarea virtuozității cântului și dezvoltarea elementelor decorative inerente genului opera seria. În conformitate cu cererile lui K. prezentate de unii reprezentanți ai Romei. Academia „Arcadia”, nordul Italiei. libretiști timpurii secolul al 18-lea (F. Silvani, G. Frigimelica-Roberti, A. Zeno, P. Pariati, A. Salvi, A. Piovene) au alungat comicul din opera serioasă. și episoade cotidiene, motive intriga asociate cu intervenția supranaturalului sau fantasticului. putere; gama de subiecte s-a limitat la cele istorice și istorico-legendare au fost aduse în prim-plan; problematic. În centrul artistului. concepte de opera seria timpurie - eroic sublim. imaginea unui monarh, mai rar a unui stat. figură, curtean, epopee. erou care demonstrează pozitivitate. calități ale unei personalități ideale: înțelepciune, toleranță, generozitate, devotament față de datorie, eroic. entuziasm. S-a păstrat stilul tradițional italian. operele aveau o structură în 3 acte (dramele în 5 acte au rămas experimente), dar numărul personajelor a fost redus, iar intonația a fost tipificată în muzică. va exprima. mijloace, forme de uvertură și arie, structura părților vocale. Un tip de dramaturgie, în întregime subordonată muzelor. sarcini, dezvoltate (din anii 1720) de P. Metastasio, cu numele căruia se asociază etapa de vârf din istoria operei seriale. În poveștile sale, patosul clasicist este vizibil slăbit. O situație conflictuală, de regulă, apare și se adâncește din cauza unei „concepții greșite” prelungite cap. actori, și nu datorită unui conflict real între interesele sau principiile acestora. Cu toate acestea, o predilecție deosebită pentru exprimarea idealizată a sentimentelor, pentru impulsurile nobile ale sufletului uman, deși departe de o justificare rațională strictă, a asigurat excluderea acestui lucru. popularitatea libretului lui Metastasio de mai bine de o jumătate de secol.

Punctul culminant în dezvoltarea muzicii. Cultura din epoca iluminismului (în anii 1760–70) a devenit creativă. colaborarea lui K.V Gluck și libretistul R. Calzabigi. În operele și baletele lui Gluck, tendințele clasiciste au fost exprimate printr-o atenție accentuată acordată eticii. probleme, dezvoltarea ideilor despre eroism și generozitate (în dramele muzicale din perioada pariziană - în referire directă la tema datoriei și sentimentelor). Normele lui K. corespundeau și purității genului și dorinței de maximizare. concentrarea acţiunii, redusă la aproape una dramatică. coliziuni, selecția strictă se va exprima. fonduri în conformitate cu obiectivele unei drame specifice. situație, limitarea supremă a elementului decorativ, principiul virtuos în cânt. Caracterul educativ al interpretării imaginilor s-a reflectat în împletirea calităților nobile inerente eroilor clasici cu naturalețea și libertatea de exprimare a sentimentelor, reflectând influența sentimentalismului.

În anii 1780–90. in franceza muzică tendinţele revoluţionare îşi găsesc expresie în teatru. K., reflectând idealurile lui Franz. revoluții din secolul al XVIII-lea Înrudit genetic cu stadiul precedent și prezentat în Cap. arr. generație de compozitori – adepți ai reformei operei lui Gluck (E. Megul, L. Cherubini), revoluționari. K. a subliniat, în primul rând, patosul civic, de luptă cu tirani, caracteristic anterior tragediilor lui P. Corneille şi Voltaire. Spre deosebire de lucrările anilor 1760 și 70, în care rezoluția este tragică. conflictul a fost greu de realizat și a necesitat intervenția unor forțe externe (tradiția „deus ex machina” - latină „zeu din mașină”), pentru lucrările anilor 1780–1790. deznodământul prin eroic a devenit caracteristic. un act (refuzul de a asculta, protest, adesea un act de răzbunare, uciderea unui tiran etc.) care a creat o eliberare strălucitoare și eficientă a tensiunii. Acest tip de dramă a stat la baza genului „operele mântuirii”, care a apărut în anii 1790. la intersecţia tradiţiilor operei clasiciste şi realismului. dramă burgheză .

În Rusia în muzică. în teatru sunt izolate manifestări originale ale lui K. (opera „Cephalus și Procris” de F. Araya, melodrama „Orfeu” de E. I. Fomin, muzică de O. A. Kozlovsky pentru tragediile lui V. A. Ozerov, A. A. Shakhovsky și A. N. . Gruzintseva ).

În raport cu operă comică, precum și muzica instrumentală și vocală a secolului al XVIII-lea, care nu este asociată cu acțiunea teatrală, termenul „K.” aplicat în mijloace. cel putin conditionat. Este uneori folosit în extindere. sens de a desemna stadiul inițial al clasico-romantismului. epoca, stilurile galante și clasice (vezi art. Școala clasică din Viena, Clasici în muzică), în special pentru a evita judecata (de exemplu, atunci când traduceți termenul german „Klassik” sau în expresia „clasicism rusesc”, care se aplică tuturor muzicii ruse din a doua jumătate a secolului al XVIII-lea – începutul al XIX-lea secole).

În secolul 19 K. în muzică teatrul face loc romantismului, deși dep. trăsăturile esteticii clasiciste sunt sporadic reînvie (la G. Spontini, G. Berlioz, S. I. Taneyev etc.). În secolul al XX-lea artiști clasiciști principiile au fost reînviate în neoclasicism.

Clasicism(din lat. clasicus– exemplar), precum baroc, s-a dovedit a fi un fenomen la scară paneuropeană. Poetica clasicismului a început să prindă contur în timpul Renașterii târzii în Italia. În pragul clasicismului se află tragedia dramaturgului italian G. Trissino „Sofonisba” (1515), scrisă în imitația tragedianilor antici. Ea a subliniat trăsături care mai târziu au devenit caracteristice dramei clasiciste - o intriga structurată logic, încrederea pe cuvânt mai degrabă decât pe acțiunea scenică, raționalitatea și caracterul supra-individual. personaje. „Poetica” (1561) a italianului J. Ts Scaliger, care a anticipat cu succes gustul secolului următor, secolul logicii și al rațiunii, a avut o influență semnificativă asupra formării clasicismului în țările europene. Și totuși, formarea clasicismului a durat un secol întreg și, ca sistem artistic integral, clasicismul s-a dezvoltat inițial în Franța la mijlocul secolului al XVII-lea.

Dezvoltarea clasicismului în Franța este strâns legată de instaurarea și înflorirea puterii regale centralizate (monarhie absolută). Statalitatea cu o singură putere a limitat drepturile aristocrației feudale voită, a căutat să definească și să reglementeze legislativ relația dintre individ și stat și să distingă clar între sferele vieții private și cele personale. Spiritul de reglementare și disciplină se extinde în sfera literaturii și artei, determinând conținutul și caracteristicile formale ale acestora. Pentru a controla viața literară, Academia Franceză a fost creată la inițiativa primului ministru, cardinalul Richelieu, iar cardinalul însuși a intervenit în mod repetat în disputele literare în anii 1630.

Canoanele clasicismului s-au conturat în polemici ascuțite cu literatura de precizie, precum și cu dramaturgii spanioli (Lope de Vega, Tirso de Molina). Acesta din urmă a ridiculizat, în special, cererea pentru unitatea timpului. („În ceea ce privește cele 24 de ore ale tale, ce poate fi mai absurd, că dragostea, începând cu miezul zilei, s-ar termina seara cu o nuntă!”) Continuarea anumitor tradiții ale Renașterii (admirarea pentru antichitate, credința în rațiune). , idealul armoniei și al moderației), clasicismul a fost Renașterea și un fel de antiteză, care îl făcea asemănător, cu toate diferențele lor profunde, cu baroc.

Umaniștii Renașterii au văzut cea mai mare valoare în exprimarea liberă a naturii umane. Eroul lor este o personalitate armonioasă, eliberată de puterea corporației imobiliare și neîngrădită în individualismul său. Umaniștii secolului al XVII-lea - fondatorii clasicismului - datorită experienței istorice europene, pasiunile păreau a fi o forță distructivă, anarhică, generată de egoism. În evaluarea unei persoane, standardele morale (virtuțile) primesc acum prioritate. Conținutul principal al creativității în clasicism îl reprezintă contradicțiile dintre natura naturală a omului și datoria civică, dintre pasiunile sale și rațiune, care au dat naștere unor conflicte tragice.

Clasicii au văzut scopul artei în cunoașterea adevărului, care acționează pentru ei ca ideal al frumosului. Clasicii au propus o metodă de realizare a acesteia, bazată pe trei categorii centrale ale esteticii lor: rațiunea, modelul și gustul (aceste aceleași concepte au devenit criterii obiective ale artei). Pentru a crea o mare lucrare, potrivit clasiciștilor, este necesar să se urmeze dictatele rațiunii, bazându-se pe lucrări „exemplare”, adică clasice, din antichitate (antichitate) și ghidate de regulile bunului gust („bunul gust” este judecător suprem al „frumoasă”). Astfel, clasiciștii introduc elemente de activitate științifică în creativitatea artistică.

Principiile poeticii și esteticii clasiciste sunt determinate de sistemul de concepții filozofice ale epocii, care se bazează pe raționalismul lui Descartes. Pentru el, rațiunea este cel mai înalt criteriu al adevărului. Folosind o metodă rațional-analitică, se poate pătrunde în esența și scopul ideal al oricărui obiect sau fenomen, să înțeleagă legile eterne și neschimbate care stau la baza ordinii mondiale și, prin urmare, baza creativității artistice.

Raționalismul a ajutat la depășirea prejudecăților religioase și a scolasticii medievale, dar a avut și propria sa latură slabă. Lumea din acest sistem filozofic a fost considerată dintr-o poziție metafizică - ca neschimbătoare și nemișcată.

Acest concept i-a convins pe clasiciști că idealul estetic este etern și neschimbat în orice moment, dar a fost întruchipat cu cea mai mare completitudine și perfecțiune în arta antichității. Pentru a reproduce acest ideal, este necesar să apelăm la arta antică și să studiem temeinic regulile și legile acesteia. În același timp, în conformitate cu idealurile politice ale secolului al XVII-lea, o atenție deosebită a fost atrasă artei Romei imperiale (epoca concentrării puterii în mâinile unei singure persoane - împăratul) și poeziei " epoca de aur” - opera lui Vergiliu, Ovidiu, Horațiu. Pe lângă „Poetica” lui Aristotel, N. Boileau s-a bazat pe „Epistola către Piso” a lui Horațiu în tratatul său poetic „Arta poetică” (1674), reunind și generalizând principiile teoretice ale clasicismului, însumând practica artistică a predecesorilor săi. și contemporanii.

Încercând să recreeze lumea antichității („înnobilată” și „corectată”), clasiciștii împrumută din ea doar „haine”. Deși Boileau, adresându-se scriitorilor contemporani, scrie:

Și trebuie să studiezi obiceiurile țărilor și anilor.

La urma urmei, clima nu poate decât să influențeze oamenii.

Ai grijă însă să nu fii saturat de prost gust vulgar

Cu spiritul francez al Romei... –

nu este altceva decât o declarație. În practica literară a clasicismului, oamenii din secolele XVII-XVIII sunt ascunși sub numele de eroi antici, iar comploturile antice dezvăluie formularea, în primul rând, a celor mai presante probleme ale timpului nostru. Clasicismul este fundamental aistoric, deoarece este ghidat de legile „eterne și neschimbate” ale rațiunii.

Clasiștii proclamă principiul imitației naturii, dar în același timp nu se străduiesc deloc să reproducă realitatea în întregime. Ei nu sunt interesați de ceea ce este, ci de ceea ce ar trebui să fie conform ideilor minții lor. Tot ceea ce nu corespunde modelului și „bunului gust” este exclus din artă și declarat „indecent”. În cazurile în care este necesar să se reproducă urâtul, acesta este transformat estetic:

Încarnat în artă, atât monstru cât și reptilă

Suntem în continuare mulțumiți de aspectul precaut:

Pensula artistului ne arată transformarea

Obiecte abominabile în obiecte de admirație...

O altă problemă-cheie a poeticii clasiciste este problema adevărului și a verosimilității. Un scriitor ar trebui să descrie fenomene excepționale, incredibile, ieșite din comun, dar înregistrate de istorie („adevăr”) sau să creeze imagini și situații fictive, dar în concordanță cu logica lucrurilor și cerințele rațiunii (adică „plauzibile”) ”)? Boileau dă preferință celui de-al doilea grup de fenomene:

Nu ne chinui cu incredibilul, tulburând mintea:

Și adevărul uneori nu seamănă cu adevărul.

Nu voi fi încântat de prostii minunate:

Minții nu-i pasă de ceea ce nu crede.

Conceptul de verosimilitate stă la baza caracterului clasic: eroul tragic nu poate fi „mesun și nesemnificativ”,

Dar totuși, fără slăbiciuni, caracterul său este fals.

Ahile ne captivează cu ardoarea sa,

Dar dacă plânge, îl iubesc mai mult.

La urma urmei, în aceste lucruri mici natura prinde viață,

Și cu adevărat, imaginea ne uimește mintea.

(N. Boileau, „Arta poetică”)

Boileau este aproape de poziția lui J. Racine, care, pe baza „Poeticii” lui Aristotel, în prefața tragediei „Andromache”, a scris despre eroii săi că „ar trebui să fie oameni obișnuiți în calitățile lor spirituale, cu alte cuvinte, au virtute, dar fii supus slăbiciunilor, iar nenorocirea trebuie să le atinse ca urmare a unei greșeli capabile să trezească milă pentru ei și nu dezgust.”

Nu toți clasiciștii împărtășeau acest concept. Fondatorul tragediei clasice franceze, P. Corneille, a gravitat spre crearea unor personaje excepționale. Eroii săi nu aduc lacrimi în ochii publicului, ci trezesc admirație incontestabilă pentru rezistența și eroismul lor. În prefața tragediei sale „Nicomede”, Corneille a declarat: „Tandrețea și pasiunile, care ar trebui să fie sufletul tragediei, nu-și au locul aici: doar măreția eroică domnește aici, aruncând o privire asupra durerilor cuiva plină de atât de dispreț încât nu are loc. nu-i lăsa să fie smuls din inimă.” Eroul nu are nicio plângere. Se confruntă cu o politică perfidă și i se opune numai cu nobilă prudență, umblând cu viziera deschisă, prevede pericolul fără înfior și nu așteaptă ajutor de la. oricine, cu excepția valorii și a dragostei sale...” Corneille motivează persuasivitatea celor creați pe care le imaginează cu conceptul de adevăr vital și autenticitate istorică: „Povestea care mi-a dat ocazia să demonstrez cel mai înalt grad al acestei măreții. eu de la Justin.”

Cultul rațiunii în rândul clasiciștilor determină și principiile creării caracterului – una dintre categoriile estetice centrale ale clasicismului. Pentru clasiciști, caracterul nu implică un set de trăsături individuale ale unei anumite persoane, ci întruchipează o anumită structură generală și, în același timp, eternă a naturii și psihologiei umane. Numai sub aspectul caracterului uman etern, neschimbător și universal a devenit obiect de studiu artistic al artei clasiciste.

Urmând teoreticienii antichității - Aristotel și Horațiu - Boileau credea că „arta” ar trebui să păstreze „pentru fiecare sentimentele sale speciale”. Aceste „sentimente speciale” determină alcătuirea psihologică a unei persoane, făcând pe una un dandy vulgar, pe altul un avar, pe al treilea un cheltuitor etc. Caracterul a fost astfel redus la o trăsătură dominantă. Pușkin a mai remarcat că în Molière ipocritul Tartuffe chiar „cere un pahar cu apă, ipocritul”, iar avarul Harpagon „este zgârcit și nimic mai mult”. Nu are rost să cauți în ele un conținut psihologic mai mare. Când Harpagon se explică iubitei sale, el se comportă ca un avar, iar cu copiii săi se poartă ca un avar. „Există o singură vopsea, dar este aplicată din ce în ce mai groasă și, în cele din urmă, aduce imaginea la improbabilitatea psihologică de zi cu zi.” Acest principiu de tipificare a dus la o împărțire ascuțită a eroilor în pozitiv, virtuoși și negativ, vicios.

Personajele din tragedii sunt, de asemenea, determinate de o trăsătură principală. Uniliniaritatea eroilor lui Corneille le subliniază integritatea, ceea ce fundamentează „nucleul” caracterului lor. Pentru Racine îi este mai greu: pasiunea care definește caracterul personajelor sale este ea însăși contradictorie (de obicei este dragoste). Epuizarea întregii game de nuanțe psihologice ale pasiunii este metoda de caracterizare a lui Racine - o metodă, ca cea a lui Corneille, profund raționalistă.

Întruchipând în caracterul său trăsături generice, „eterne”, artistul clasicist însuși a căutat să vorbească nu din „eu” său individual, unic, ci din poziția de om de stat. De aceea predomină în clasicism genurile „obiective” – în primul rând dramatice, iar printre genurile lirice predomină acelea unde predomină o orientare spre impersonalul, universal semnificativ (odă, satira, fabulă).

Normativitatea și raționalitatea esteticii clasiciste se manifestă și în ierarhia strictă a genurilor. Există genuri „înalte” – tragedie, epopee, odă. Sfera lor este viața publică, evenimentele istorice, mitologia; eroii lor sunt monarhi, generali, figuri istorice și mitologice. Această alegere a eroilor tragici a fost determinată nu atât de gusturile și influența curții, cât de măsura responsabilității morale a acelor oameni cărora li s-a încredințat soarta statului.

Genurile „înalte” sunt puse în contrast cu genurile „jos” - comedie, satira, fabulă - adresate sferei vieții private de zi cu zi a nobililor și orășenilor. Un loc intermediar este acordat genurilor „de mijloc” - elegie, idilă, epistolă, sonet, cântec. Reprezentând lumea interioară a unui individ, aceste genuri nu au ocupat niciun loc vizibil în procesul literar în perioada de glorie a literaturii clasice, impregnată de înalte idealuri civice. Vremea acestor genuri va veni mai târziu: ele vor avea un impact semnificativ asupra dezvoltării literaturii în epoca crizei clasicismului.

Proza, în special ficțiunea, este apreciată de clasiciști mult mai jos decât poezia. „Gândirea dragostei în versuri”, exclamă Boileau la începutul tratatului său și „ridica la Parnas” doar genuri poetice. Acele genuri de proză care sunt în primul rând de natură informațională - predici, memorii, scrisori - se răspândesc. În același timp, proza ​​științifică, filozofică și epistolară, devenind domeniul public în epoca cultului științei, capătă trăsăturile unei opere cu adevărat literare și are deja valoare nu numai științifică sau istorică, ci și estetică („Scrisorile unui Provincial” și „Gânduri” de B. Pascal, „Maxime sau reflecții morale” de F. de La Rochefoucauld, „Personaje” de J. de La Bruyère etc.).

Fiecare gen din clasicism are limite stricte și caracteristici formale clare. Nu este permisă amestecarea sublimului și a bazei, a tragicului și a comicului, a eroicului și a obișnuitului: ceea ce este permis în satiră este exclus în tragedie, ceea ce este bun în comedie este inacceptabil în epopee. Aici domnește o „lege particulară a unității stilului” (G. Gukovsky) - fiecare unitate de gen are propriul său canon de stil formal strict. Genurile mixte, de exemplu, tragicomedia, care a fost foarte populară în prima jumătate a secolului al XVII-lea, sunt împinse din limitele „literaturii reale”. „De acum înainte, doar întregul sistem de genuri este capabil să exprime diversitatea vieții.”

Abordarea raționalistă a determinat și atitudinea față de forma poetică:

Înveți să gândești, apoi să scrii.

Vorbirea urmează gândului; mai clar sau mai întunecat

Iar fraza este modelată după idee;

Ceea ce este clar înțeles va fi clar auzit,

Și cuvântul exact va veni imediat.

(N. Boileau, „Arta poetică”)

Fiecare lucrare trebuie să fie strict gândită, compoziția trebuie să fie structurată logic, părțile individuale trebuie să fie proporționale și indisolubile, stilul trebuie să fie clar până la transparență, limbajul trebuie să fie laconic și precis. Conceptul de măsură, proporție și simetrie este inerent nu numai literaturii, ci și întregii culturi artistice a clasicismului - arhitectură, pictură, artă peisagistică. Atât gândirea științifică, cât și cea artistică a epocii au un caracter matematic pronunțat.

În arhitectură, clădirile publice care exprimă ideea de statulitate încep să dea tonul. Baza schemelor de planificare sunt formele geometrice regulate (pătrat, triunghi, cerc). Arhitecții clasiciști au stăpânit construcția unui complex imens format dintr-un palat și un parc. Ei devin capabili de compoziții detaliate, verificate matematic. În Franța, noile tendințe au fost mai întâi întruchipate pe deplin în ansamblul grandios de la Versailles (1661–1689, arhitecții L. Levo, A. Le Nôtre, J. Hardouin-Mansart etc.).

Picturile clasiciștilor se disting și prin claritate, logică și armonie compozițională. N. Poussin, creatorul și șeful clasicismului francez în pictură, a ales subiecte care au dat minții de gândit, a cultivat virtutea într-o persoană și l-a învățat înțelepciunea. El a găsit aceste subiecte în primul rând în mitologia antică și istoria legendară a Romei. Picturile sale „Moartea lui Germanicus” (1627), „Capturarea Ierusalimului” (1628) și „Violul femeilor sabine” (1633) sunt dedicate reprezentării „acțiunilor eroice și neobișnuite”. Compoziția acestor picturi este strict ordonată; seamănă cu compoziția basoreliefurilor antice (personajele sunt situate într-un spațiu puțin adânc, împărțit într-un număr de planuri). Poussin, aproape sculptural, desenează clar volumele figurilor, le verifică cu atenție structura anatomică și le aranjează hainele în pliuri clasice. Distribuția culorilor în pictură este, de asemenea, supusă aceleiași armonii stricte.

În arta verbală domneau legi stricte. Aceste legi au fost stabilite în special strict pentru genurile înalte, exprimate în forma poetică obligatorie. Astfel, tragedia, ca și epopeea, trebuia prezentată în maiestuos versuri alexandrine. Intriga tragediei, istorică sau mitologică, a fost preluată din cele mai vechi timpuri și era de obicei cunoscută privitorului (mai târziu clasiciștii au început să atragă material pentru tragediile lor din istoria răsăriteană, iar clasiciștii ruși au preferat comploturile din propria lor istorie națională). Familiaritatea intrigii l-a acordat pe spectator să nu perceapă o intriga complexă și complicată, ci să analizeze experiențele emoționale și aspirațiile opuse ale personajelor. Conform definiției lui G. A. Gukovsky, „tragedia clasică nu este o dramă de acțiune, ci o dramă de conversație, poetul clasic nu este interesat de fapte, ci de analiza formată direct în cuvânt”.

Legile logicii formale au determinat structura genurilor dramatice, în primul rând tragedia, care trebuia să fie compusă din cinci acte. Comediile puteau fi și în trei acte (comediile într-un act ar apărea în secolul al XVIII-lea), dar în niciun caz patru sau două acte. Clasicii au ridicat principiul a trei unități - loc, acțiune și timp, formulat în tratatele lui G. Trissino și Y. Scaliger, bazate pe Poetica lui Aristotel, într-o lege incontestabilă a genurilor dramatice. Conform regulii unității locului, întreaga acțiune a piesei trebuie să se desfășoare într-un singur loc - un palat, o casă sau chiar o cameră. Unitatea de timp cerea ca întreaga acțiune a piesei să se încadreze în cel mult o zi și cu cât corespundea mai mult timpului de reprezentare - trei ore - cu atât era mai bine. În cele din urmă, unitatea de acțiune a implicat că evenimentele descrise în piesă ar trebui să aibă propriul lor început, dezvoltare și sfârșit. În plus, piesa nu trebuie să conțină episoade „extra” sau personaje care nu au legătură directă cu dezvoltarea intrigii principale. Altfel, credeau teoreticienii clasicismului, diversitatea impresiilor împiedica privitorul să perceapă „baza rezonabilă” a vieții.

Cerința a trei unități a schimbat radical structura dramei, deoarece i-a forțat pe dramaturgi să înfățișeze nu întregul sistem de evenimente (cum era cazul, de exemplu, în piesa de mister medievală), ci doar episodul care completează cutare sau cutare eveniment. . Evenimentele în sine au fost „luate de pe scenă” și puteau acoperi o perioadă mare de timp, dar erau de natură retrospectivă, iar privitorul a aflat despre ele din monologuri și dialoguri ale personajelor.

La început, cele trei unități nu au fost formale. Principiul de bază al verosimilității, principiul fundamental al clasicismului, s-a format în lupta cu tradițiile teatrului medieval, cu piesele sale, a căror acțiune se întindea uneori pe mai multe zile, implicând sute de interpreți, iar intriga a fost plină de toate feluri de miracole și efecte naturaliste naive. Dar, ridicând principiul celor trei unități la o regulă de neclintit, clasiciștii nu au ținut cont de particularitățile percepției subiective a artei, care permite iluzia artistică, non-identitatea imaginii artistice cu obiectul reprodus. Romanticii, care au descoperit „subiectivitatea” spectatorului, își vor începe asaltul asupra teatrului clasic prin răsturnarea regulii celor trei unități.

Genul a trezit un interes deosebit din partea scriitorilor și teoreticienilor clasicismului. epopee, sau poem eroic, pe care Boileau a pus-o chiar deasupra tragediei. Doar în epopee, potrivit lui Boileau, poetul „a câștigat spațiu/pentru a ne captiva mintea și privirea cu o invenție înaltă”. Poeții clasici sunt atrași de epopee de o temă eroică specială bazată pe cele mai importante evenimente din trecut, și de eroi excepționali prin calitățile lor, și de modul de a nara evenimentele, pe care Boileau le-a formulat astfel:

Lasă povestea ta să fie dinamică, clară, concisă,

Și în descrieri este atât magnific, cât și bogat.

Ca și în tragedie, în epopee este importantă o atitudine morală și didactică. Reprezentând vremuri eroice, epopeea, potrivit lui V. Trediakovsky, dă „învățătură fermă rasei umane, învățând aceasta să iubească virtutea” („Predicția poemului eroic”, 1766).

În structura artistică a epopeei, Boileau atribuie ficțiunii un rol decisiv („Punând mitul ca bază, trăiește prin ficțiune...”). Atitudinea lui Boileau față de mitologia antică și creștină este constant raționalistă - mitul antic îl atrage prin transparența alegoriei, care nu contrazice rațiunea. Miracolele creștine nu pot fi subiect de întruchipare estetică, de altfel, potrivit lui Boileau, utilizarea lor în poezie poate compromite dogmele religioase („Sacramentele lui Hristos nu sunt folosite pentru distracție”). În caracterizarea epopeei, Boileau se bazează pe epopeea antică, în primul rând pe Eneida lui Virgiliu.

Criticând „epopeea creștină” a lui T. Tasso („Ierusalimul eliberat”), Boileau se opune și epopeei naționale eroice bazate pe material din Evul Mediu timpuriu („Alaric” de J. Scuderi, „Fecioara” de J. Chaplin) . Clasicul Boileau nu acceptă Evul Mediu ca pe o epocă a „barbariei”, ceea ce înseamnă că subiectele preluate din această epocă nu pot avea pentru el valoare estetică și didactică.

Principiile epopeei formulate de Boileau, orientate spre Homer și Vergiliu, nu au primit o întruchipare deplină și cuprinzătoare în literatura secolului al XVII-lea. Acest gen și-a depășit deja utilitatea, iar I. G. Herder, teoreticianul mișcării literare din Germania „Storm and Drang” (anii 70 ai secolului al XVIII-lea), a explicat din postura istoricismului imposibilitatea reînvierii sale (el despre care vorbim despre epopeea antică): „Epopeea aparține copilăriei omenirii”. În secolul al XVIII-lea, încercările de a crea o epopee eroică bazată pe material național în cadrul sistemului artistic clasicist au fost cu atât mai nereușite („Henriada” de Voltaire, 1728; „Rossiyada” de M. Kheraskov, 1779).

Oda, unul dintre principalele genuri ale clasicismului, are și o formă strictă. Trăsătura sa obligatorie este „dezordinea lirică”, care presupune dezvoltarea liberă a gândirii poetice:

Lasă stilul furtunos al Odelor să se repeze la întâmplare:

Ținuta ei este frumoasă cu riduri frumoase.

Departe de rimerii timizi, a căror minte este flegmatică

Ordinea dogmatică este menținută în pasiunile înseși...

(N. Boileau, „Arta poetică”)

Și totuși, această „ordine dogmatică” a fost respectată cu strictețe. Oda, ca un discurs oratoric, a constat din trei părți: un „atac”, adică o introducere în subiect, o discuție în care a fost dezvoltat acest subiect și o concluzie energică, emoțională. „Tulburarea lirică” este de natură pur externă: trecând de la un gând la altul, introducând digresiuni lirice, poetul a subordonat construcția odei dezvoltării ideii principale. Lirismul odei nu este individual, ci, ca să spunem așa, colectiv, ea exprimă „aspirațiile și aspirațiile întregului organism de stat” (G. Gukovsky).

Spre deosebire de tragedia și epopeea „înaltă”, „genurile joase” clasice - comedia și satira - sunt transformate în modern viata de zi cu zi. Scopul comediei este de a educa, ridiculizând neajunsurile, „să stăpânească temperamentul cu batjocură;/Să-i facă pe oameni să râdă și să-și folosească regulile directe” (A. Sumarokov). Clasicismul a respins pamfletul (adică, îndreptat împotriva anumitor indivizi) comedia satirică a lui Aristofan. Comediantul este interesat de viciile umane universale în manifestările lor cotidiene - lenea, risipa, zgârcenia etc. Dar asta nu înseamnă că comedia clasică este lipsită de conținut social. Clasicismul se caracterizează printr-o orientare ideologică și moral-didactică clară și, prin urmare, apelul la probleme sociale semnificative a dat multor comedii clasice un sunet social și chiar de actualitate („Tartuffe”, „Don Juan”, „Mizantropul” de Moliere; „The Brigadier”, „Minorul” de D. Fonvizin; „Sneak” de V. Kapnist).

În judecățile sale despre comedie, Boileau pune accent pe comedia morală „serioasă”, prezentată în antichitate de Menandru și Terence, iar în timpurile moderne de Moliere. Cea mai mare realizare Moliere Boileau consideră „Mizantropul” și „Tartuful”, dar îl critică pe comediant pentru că folosește tradițiile farsei populare, considerându-le nepoliticoase și vulgare (comedia „Smecherii lui Scapin”). Boileau pledează pentru crearea unei comedii de personaje, spre deosebire de o comedie de intrigi. Mai târziu, acestui tip de comedie clasică, atingând probleme de importanță socială sau socio-politică, i se va atribui definiția comediei „înalte”.

Satira are multe în comun cu comedia și fabula. Toate aceste genuri au un subiect comun de reprezentare - deficiențe și vicii umane, o evaluare emoțională și artistică comună - ridicol. Structura compozițională a satirei și fabulei se bazează pe combinația dintre principiile autorului și narativ. Autorul de satiră și fabulă folosește adesea dialogul. Totuși, spre deosebire de comedie, în satiră dialogul nu este legat de acțiune, de un sistem de evenimente, iar reprezentarea fenomenelor vieții, spre deosebire de fabulă, în satiră se bazează mai degrabă pe o imagine directă decât pe o imagine alegorică.

Fiind un poet satiric prin talentul său, Boileau se abate în teorie de la estetica antică, care clasifica satira drept un gen „jos”. El vede satira ca pe un gen social activ. Făcând o descriere detaliată a satirei, Boileau amintește de satiriștii romani Lucilius, Horace, Persius Flaccus, care au expus cu îndrăzneală viciile. puternic al lumii acest. Dar el îl pune pe Juvenal mai presus de toate. Și deși teoreticianul francez notează originile „zonei” ale satirei poetului roman, autoritatea sa pentru Boileau este incontestabilă:

Poeziile lui trăiesc după adevărul teribil,

Și totuși frumusețea din ele scânteie ici și colo.

Temperamentul unui satiric a prevalat asupra postulatelor teoretice la Boileau și în apărarea sa a dreptului la satiră personală îndreptată împotriva unor persoane anume, cunoscute („Discurs despre satiră”; caracteristic este faptul că Boileau nu a recunoscut satira pe chipuri în comedie) . Această tehnică a adus culoare de actualitate, jurnalistică, satirei clasice. Clasicul-satiristul rus A. Kantemir a folosit pe scară largă și tehnica satirei pe chipuri, dând personajelor sale „supraindividualiste”, personificând un fel de viciu uman, o asemănare portret cu dușmanii săi.

O contribuție importantă a clasicismului la dezvoltarea ulterioară a literaturii a fost dezvoltarea unui limbaj clar și armonios al operelor artistice („Ceea ce este clar înțeles va suna clar”), eliberat de vocabularul străin, capabil să exprime diverse sentimente și experiențe („Fânia este mândru, are nevoie de cuvinte arogante, / Dar durerile plângerii nu sunt atât de intense”), corelate cu caracterele și vârsta personajelor („Așa că alege-ți cu grijă limbajul: / Un bătrân nu poate vorbi ca un tânăr” ).

Formarea clasicismului atât în ​​Franța, cât și în Rusia începe cu reforme lingvistice și poetice. În Franța, această lucrare a fost începută de F. Malherbe, care a fost primul care a prezentat conceptul de bun gust ca criteriu al priceperii artistice. Malherbe a făcut mult pentru a curăța limba franceză de numeroase provincialisme, arhaisme și de dominația cuvintelor latine și grecești împrumutate introduse în circulația literară de poeții Pleiadelor în secolul al XVI-lea. Malherbe a realizat o codificare a limbii literare franceze, eliminând tot ce este întâmplător din ea, concentrându-se pe abilitățile de vorbire ale oamenilor iluminați din capitală, cu condiția ca limba literară să fie înțeleasă de toate segmentele populației. Contribuția lui Malherbe în domeniul versificației franceze a fost și ea semnificativă. Regulile metricii formulate de el (loc fix de cezură, interzicerea transferurilor de la o linie poetică la alta etc.) nu numai că au intrat în poetica clasicismului francez, ci au fost adoptate și de teoria și practica poetică a altor țări europene.

În Rusia, o lucrare similară a fost efectuată un secol mai târziu de M. Lomonosov. Teoria lui Lomonosov a „trei calmuri” a eliminat diversitatea și dezordinea formelor literare de comunicare caracteristice literaturii ruse de la sfârșitul secolului al XVII-lea - prima treime a secolului al XVIII-lea, a simplificat utilizarea cuvintelor literare într-un anumit gen, determinând dezvoltarea dreptului de vorbire literară. până la Pușkin. Nu mai puțin importantă este reforma poetică a lui Trediakovsky-Lomonosov. Prin reformarea versificației pe baza sistemului silabic-tonic, care este organic pentru limba rusă, Trediakovsky și Lomonosov au pus astfel bazele unei culturi poetice naționale.

În secolul al XVIII-lea, clasicismul a cunoscut a doua perioadă de glorie. Influența determinantă asupra acesteia, precum și asupra altor tendințe stilistice, este iluminarea- o mișcare ideologică apărută în condițiile unei crize acute a absolutismului și îndreptată împotriva sistemului feudal-absolutist și a bisericii care îl susține. Ideile iluminismului se bazează pe conceptul filosofic al englezului J. Locke, care a propus un nou model al procesului de cunoaștere, bazat pe sentiment, senzație, ca unică sursă de cunoaștere umană despre lume („An Essay on mintea umană”, 1690). Locke a respins cu hotărâre doctrina „ideilor înnăscute” a lui R. Descartes, asemănând sufletul unei persoane născute cu o tablă goală (tabula rasa), unde experiența își scrie „propriile scrieri” de-a lungul vieții.

Această viziune asupra naturii umane a condus la ideea influenței determinante asupra formării personalității mediului social și natural, ceea ce face o persoană bună sau rea. Ignoranța, superstiția și prejudecățile generate de ordinea socială feudală determină, în opinia educatorilor, dezordinea socială și denaturează natura inițial morală a omului. Și numai educația generală poate elimina discrepanța dintre relațiile sociale existente și cerințele rațiunii și ale naturii umane. Literatura și arta au început să fie privite ca unul dintre principalele instrumente de transformare și reeducare a societății.

Toate acestea au determinat trăsături fundamental noi în clasicismul secolului al XVIII-lea. În timp ce se mențin principiile de bază ale esteticii clasiciste în arta și literatura clasicismului educațional, înțelegerea scopului și obiectivelor unui număr de genuri se schimbă semnificativ. Transformarea clasicismului în spiritul principiilor iluminismului este vizibilă mai ales în tragediile lui Voltaire. Rămânând fidel principiilor estetice de bază ale clasicismului, Voltaire se străduiește să influențeze nu numai mințile publicului, ci și sentimentele acestora. El caută noi teme și noi mijloace de exprimare. Continuând să dezvolte tema antică familiară clasicismului, în tragediile sale Voltaire se îndreaptă și spre subiecte medievale (Tancred, 1760), orientale (Mahomet, 1742) și legate de cucerirea Lumii Noi (Alzira, 1736). El dă o nouă justificare pentru tragedie: „Tragedia este o pictură în mișcare, o imagine animată, iar oamenii înfățișați în ea trebuie să acționeze” (adică, dramaturgia este gândită de Voltaire nu numai ca artă a cuvintelor, ci și ca artă). de mișcare, gest, expresii faciale).

Voltaire umple tragedia clasică cu un conținut acut filozofic și socio-politic legat de problemele stringente ale timpului nostru. Accentul dramaturgului se pune pe lupta împotriva fanatismului religios, a tiraniei politice și a despotismului. Astfel, într-una dintre cele mai faimoase tragedii ale sale, „Mohammed”, Voltaire demonstrează că orice îndumnezeire a unei personalități individuale duce în cele din urmă la o putere necontrolată asupra altor oameni. Intoleranța religioasă îi conduce pe eroii tragediei „Zaire” (1732) la un deznodământ tragic, iar zeii fără milă și preoții perfida îi împing pe muritorii slabi la crime („Oedip”, 1718). În spiritul problemelor sociale înalte, Voltaire regândește și transformă epopeea și oda eroică.

În perioada Marii Revoluții Franceze (1789–1794), tendința clasicistă în viața literară a avut o importanță deosebită. Clasicismul din acest timp nu numai că a generalizat și asimilat trăsăturile inovatoare ale tragediei lui Voltaire, dar a și restructurat radical genurile înalte. M. J. Chenier refuză să denunţe despotismul în general şi de aceea ia ca subiect al imaginilor sale nu numai antichitatea, ci şi Europa timpurilor moderne („Carol al IX-lea”, „Jean Calas”). Eroul tragediilor lui Chenier promovează ideile de drept natural, libertate și drept, este aproape de oameni, iar în tragedie oamenii nu numai că apar pe scenă, ci și acționează împreună cu personajul principal ("Cai Gracchus", 1792 ). Conceptul de stat ca categorie pozitivă, opus celui personal, individualist, este înlocuit în mintea dramaturgului de categoria „națiune”. Nu întâmplător Chenier a numit piesa sa „Carol al IX-lea” o „tragedie națională”.

În cadrul clasicismului din epoca Revoluției Franceze, tip nou ode. Păstrând principiul clasic al priorității rațiunii față de realitate, oda revoluționară include în lumea sa oameni cu gânduri similare ai eroului liric. Autorul însuși nu mai vorbește în numele său, ci în numele concetățenilor săi, folosind pronumele „noi”. Rouget de Lisle în „La Marseillaise” pronunță sloganuri revoluționare ca și cum ar fi împreună cu ascultătorii săi, încurajându-i astfel și pe el însuși la schimbări revoluționare.

Creatorul unui nou tip de clasicism, corespunzător spiritului vremurilor, în pictură a fost J. David. Împreună cu pictura sa „Jurământul Horaților” (1784), o nouă temă vine în arta plastică franceză - civilă, jurnalistică în expresia ei simplă, un nou erou - un republican roman, integral moral, care pune datoria față de patria sa mai presus de toate. în rest, o manieră nouă - severă și ascetică, în contrast cu stilul de cameră rafinat al picturii franceze din a doua jumătate a secolului al XVIII-lea.

Sub influența literaturii franceze în secolul al XVIII-lea, modelele naționale de clasicism s-au conturat în alte țări europene: în Anglia (A. Pope, J. Addison), în Italia (V. Alfieri), în Germania (I. K. Gottsched). În anii 1770–1780, în Germania a apărut un fenomen artistic atât de original precum „clasicismul de la Weimar” (J. W. Goethe, F. Schiller). Revenind la formele și tradițiile artistice ale antichității, Goethe și Schiller și-au propus sarcina de a crea o nouă literatură de înalt stil ca mijloc principal de educație estetică a unei persoane armonioase.

Formarea și înflorirea clasicismului rus a căzut în anii 1730–1750 și a avut loc în condiții destul de asemănătoare cu cele franceze în formarea unui stat absolutist. Dar, în ciuda o serie de puncte comune în estetica clasicismului rus și francez (raționalismul, normativitatea și reglementarea genului, abstracția și convenția ca trăsături principale ale imaginii artistice, recunoașterea rolului monarhului iluminat în stabilirea unei ordini sociale corecte). în baza legii), clasicismul rus are propriile sale trăsături naționale unice.

Ideile iluminismului au alimentat clasicismul rus de la bun început. Afirmarea egalității naturale a oamenilor îi conduce pe scriitorii ruși la ideea valorii extraclase a omului. Deja Cantemir, în a doua sa satira „Filaret și Eugene” (1730), declară că „același sânge curge atât în ​​liberi, cât și în sclavi”, iar oamenii „nobili” „se arată printr-o singură virtute”. Patruzeci de ani mai târziu, A. Sumarokov în satira sa „Despre nobilime” va continua: „Care este diferența dintre un domn și un țăran Amandoi sunt o bucată de pământ animată? Fonvizinsky Starodum („Minor”, ​​1782) va determina nobilimea unei persoane după numărul de acte efectuate pentru patrie („fără fapte nobile, un stat nobil nu este nimic”), iar iluminarea unei persoane va depinde direct de cultivarea virtuții în el („Scopul principal al tuturor cunoștințelor umane – comportamentul bun”).

Văzând în educație „garanția bunăstării statului” (D. Fonvizin) și crezând în utilitatea unei monarhii iluminate, clasiciștii ruși încep procesul lung de educare a autocraților, amintindu-le de responsabilitățile lor față de supușii lor:

Zeii nu l-au făcut rege în folosul lui;

El este un rege, ca să fie om pentru toți oamenii:

El trebuie să dea totul oamenilor tot timpul,

Toată grija ta, toată zelul tău pentru oameni...

(V. Trediakovsky, „Tilemakhida”)

Dacă regele nu-și îndeplinește îndatoririle, dacă este tiran, trebuie răsturnat de pe tron. Acest lucru se poate întâmpla și printr-o revoltă populară („Dmitri Pretendentul” de A. Sumarokov).

Materialul principal pentru clasiciștii ruși nu este antichitatea, ci propria lor istorie națională, din care au preferat să tragă subiecte pentru genuri înalte. Și în locul unui conducător ideal abstract, un „filosof pe tron”, caracteristic clasicismului european, scriitorii ruși au recunoscut o figură istorică foarte specifică - Petru I - ca un suveran exemplar, un „lucrător pe tron”.

Teoreticianul clasicismului rus Sumarokov, bazându-se în „Epistole on Poetry” (1748) pe „Arta poetică” a lui Boileau, introduce o serie de noi prevederi în tratatul său teoretic, aduce un omagiu recunoașterii nu numai maeștrilor clasicismului, ci și reprezentanţilor altor mişcări. Astfel, ridică la Helicon, alături de Malherbe și Racine, Camoes, Lope de Vega, Milton, Pope, „neluminatul” Shakespeare, precum și scriitorii contemporani - Detouches și Voltaire. Sumarokov vorbește suficient de detaliat despre poemul eroic-comic și epistola, nemenționate de Boileau, explică în detaliu trăsăturile „depozitului” fabulei folosind exemplul fabulelor lui Boileau Lafontaine ocolit și se oprește asupra genului cântecului, pe care teoreticianul francez le menţionează în treacăt. Toate acestea mărturisesc nu numai preferințele estetice personale ale lui Sumarokov, ci și schimbările care se maturizează în clasicismul european al secolului al XVIII-lea.

Aceste schimbări sunt asociate în primul rând cu interesul din ce în ce mai mare al literaturii pentru viața interioară a individului, ceea ce a dus în cele din urmă la o restructurare semnificativă a structurilor de gen ale clasicismului. Un exemplu tipic aici este lucrarea lui G. Derzhavin. Rămânând „în primul rând un clasicist” (V. Belinsky), Derzhavin introduce un puternic element personal în poezia sa, distrugând astfel legea unității stilului. În poezia sa apar formațiuni complexe din punct de vedere al genului - odă-satiră („Felitsa”, 1782), poezii anacreontice scrise pe un complot odic („Poezii pentru nașterea unei tinerețe născute în porfir în Nord”, 1779). ), o elegie cu trăsăturile unui mesaj și o odă („La moartea prințului Meșcerski”, 1779) etc.

Făcând loc noilor tendințe literare, clasicismul nu lasă literatura fără urmă. Întoarcerea către sentimentalism are loc în cadrul genurilor clasice „medie” - elegie, mesaj, idilă. Poeții de la începutul secolului al XIX-lea K. Batyushkov și N. Gnedich, deși rămânând în mod fundamental fideli idealului clasic (parțial canonului clasicismului), fiecare a mers pe drumul său către romantism. Batyushkov – de la „poezia ușoară” la elegie psihologică și istorică, Gnedich – la traducerea „Iliadei” și a genurilor asociate cu arta populară. Formele stricte ale tragediei clasice a lui Racine au fost alese de P. Katenin pentru Andromache (1809), deși ca romantic era interesat de însuși spiritul culturii antice. Înalta tradiție civică a clasicismului a fost continuată în versurile iubitoare de libertate ale poeților radișcheviți, decembriștilor și Pușkin.

Noua literatură rusă a făcut un mare pas înainte în anii 30-50 ai secolului al XVIII-lea. Acest lucru se datorează muncii active a primilor scriitori majori - reprezentanți ai noii literaturi ruse: A. D. Kantemir (1708–1744), V. K. Trediakovsky (1703–1769), A. P. Sumarokov (1717–1777) și mai ales geniala figură a științei ruse. si cultura Lomonosov. Acești patru scriitori aparțineau unor straturi diferite ale societății (Kantemir și Sumarokov aparțineau elitei nobilimii, Trediakovsky provenea din cler, Lomonosov era fiul unui țăran). Dar toți au luptat împotriva susținătorilor antichității pre-petrine și au pledat pentru dezvoltarea în continuare a educației, științei și culturii. În spiritul ideilor Epocii Iluminismului (cum este numit de obicei secolul al XVIII-lea), toți erau susținători ai așa-numitului absolutism iluminat: credeau că dezvoltarea istorică progresivă poate fi realizată de purtătorul puterii supreme - Regele. Și ca exemplu în acest sens, au stabilit activitățile lui Petru I. Lomonosov în poemele sale elogioase - ode (din cuvântul grecesc care înseamnă „cântec”), adresate regilor și reginelor, le-au dat, desenând imaginea ideală a unui monarh iluminat. , un fel de lecție, îi chema să urmeze cărările lui Petru . În poezii acuzatoare - satire - Cantemir i-a ridiculizat brusc pe adepții antichității, dușmani ai iluminismului și ai științei. I-a pedepsit pe clerul ignorant și egoist, pe fiii boierilor, mândri de vechimea familiei lor și neavând vreun merit patriei, nobilii aroganți, negustorii lacomi, funcționarii care luau mită. În tragediile sale, Sumarokov i-a atacat pe regii despot, punându-i în contrast cu purtătorii ideali ai puterii regale. Trediakovsky a denunțat cu furie „regii răi” în poemul „Tilemakhida”. Ideile progresiste, care pătrund într-o măsură mai mare sau mai mică în activitățile lui Kantemir, Trediakovsky, Lomonosov, Sumarokov, măresc semnificativ ponderea socială și semnificația noii literaturi ruse pe care o creează. Literatura trece acum în prim-planul dezvoltării sociale, devenind, în cele mai bune manifestări, un educator al societății. Din acest moment funcționează fictiune apar sistematic în tipărire, atrăgând atenția simpatică a unui cititor tot mai larg.

Sunt create formulare noi pentru conținut nou. Prin eforturile lui Kantemir, Trediakovsky, Lomonosov și Sumarokov, s-a format prima mișcare literară majoră, care a devenit dominantă pe aproape întregul secol al XVIII-lea, în concordanță cu dezvoltarea literaturilor europene avansate - clasicismul rus.

Fondatorii și adepții clasicismului au considerat ca principalul scop al literaturii să servească „beneficiile societății”. Interesele statului, datoria față de patrie ar trebui, conform concepțiilor lor, să prevaleze necondiționat asupra intereselor private, personale. Spre deosebire de viziunea religioasă, medievală, asupra lumii, ei considerau că cea mai înaltă din om este mintea sa, legilor cărora creativitatea artistică trebuie să se supună complet. Ei considerau cele mai perfecte, clasice (de aici numele și întreaga direcție) exemple de frumusețe ca fiind minunatele creații ale artei antice, adică ale artei antice grecești și romane, care au crescut pe baza ideilor religioase ale vremii, dar în imaginile mitologice ale zeilor și eroilor glorificau în esență frumusețea, puterea și vitejia unei persoane. Toate acestea au constituit punctele forte ale clasicismului, dar au cuprins și slăbiciunile și limitările acestuia.

Exaltarea minții a venit în detrimentul disprețuirii sentimentelor, percepției directe a realității înconjurătoare. Acest lucru dădea adesea literaturii clasicismului un caracter rațional. Când a creat o operă de artă, scriitorul a încercat în toate modurile posibile să se apropie de modelele antice și să respecte cu strictețe regulile special dezvoltate pentru aceasta de teoreticienii clasicismului. Aceasta a restrâns libertatea creativă. Iar imitarea obligatorie a creațiilor artei antice, oricât de perfecte ar fi acestea, a separat inevitabil literatura de viață, scriitorul de modernitatea sa și, prin urmare, a conferit operei sale un caracter condiționat, artificial. Cel mai important lucru este că sistemul socio-politic al epocii clasice, bazat pe oprimarea poporului, nu corespundea în niciun fel unor concepte rezonabile despre relațiile naturale, normale dintre oameni. Această discrepanță s-a făcut simțită cu precădere în Rusia iobagă-autocratică a secolului al XVIII-lea, unde, în loc de absolutismul luminat, domnea cel mai neînfrânat despotism. Prin urmare, în clasicismul rus, care nu a fost inițiat accidental de satirele lui Cantemir, temele și motivele acuzatoare, critice au început să se dezvolte intens.

Acest lucru a avut un efect deosebit de puternic în ultima treime a secolului al XVIII-lea. - o perioadă de întărire în continuare a iobăgiei și a dictaturii tiranice a nobililor deținători de iobagi conduși de împărăteasa Ecaterina a II-a.

O atitudine critică față de ilegalitate, tiranie și violență corespundea sentimentelor și intereselor unor secțiuni largi ale societății ruse. Rolul social al literaturii este din ce în ce mai în creștere. Ultima treime a secolului este perioada cea mai înfloritoare în dezvoltarea limbii ruse literatura XVIII secole. Dacă în anii 30-50 scriitorii puteau fi numărați pe o mână, acum apar zeci de nume literare noi. Scriitorii nobili ocupă un loc predominant. Dar sunt și mulți scriitori din clasele de jos, chiar și din rândul iobagilor. Împărăteasa Ecaterina a II-a însăși a simțit importanța sporită a literaturii. Ea a început să fie foarte activ implicată în scris, încercând în astfel de moduri să câștige opinia publică și să gestioneze ea însăși dezvoltarea ulterioară a literaturii. Cu toate acestea, ea a eșuat. Puțini și în mare parte neimportanti autori au luat-o de partea ei. Aproape toți scriitorii majori, figurile iluminismului rus - N. I. Novikov, D. I. Fonvizin, tânărul I. A. Krylov, A. N. Radishchev, autorul comediei "Yabeda" V. V. Kapnist și mulți alții - s-au alăturat unei lupte îndrăznețe și energice împotriva taberei literare reacționare a Catherine și servitorii ei. Această luptă s-a dus în condiții foarte grele. Operele scriitorilor neplăcuți de regină au fost interzise de cenzură și uneori arse public „de mâna călăului”; autorii lor au fost persecutați cu brutalitate, închiși, condamnați la moarte și exilați în Siberia. Dar, în ciuda acestui fapt, ideile avansate care le-au umplut opera au pătruns tot mai mult în conștiința societății.

Datorită activităților scriitorilor în principal progresiști, literatura însăși este remarcabil îmbogățită. Se creează noi genuri și tipuri literare. În perioada anterioară, operele literare erau scrise aproape exclusiv în versuri. Acum apar primele exemple de proză artistică. Drama se dezvoltă rapid. Dezvoltarea genurilor (tipurilor) satirice capătă o amploare deosebit de largă: satirele sunt intens scrise nu numai în versuri, ci și în proză, fabule satirice, așa-numitele irocomice, poezii parodie, comedii satirice, opere comice etc. opera celui mai mare poet al secolului al XVIII-lea . Începutul satiric al lui Derzhavin pătrunde chiar în ode laudative și solemne.

Satiriștii secolului al XVIII-lea. încă urmează regulile clasicismului. Dar, în același timp, munca lor reflectă din ce în ce mai mult imagini și imagini din viața reală. Ele nu mai sunt de natură convențional abstractă, ca în așa-numitele genuri înalte ale clasicismului (ode, tragedii), ci sunt preluate direct din realitatea rusă contemporană. Lucrările scriitorilor critici - Novikov, Fonvizin, Radishchev - au fost predecesori direcți ai operei fondatorilor realismului critic rus din secolul al XIX-lea. - Pușkin, Gogol.

Satira secolului al XVIII-lea. încă limitat din punct de vedere politic. În timp ce i-au denunțat aspru pe moșierii răi care și-au tratat cu brutalitate țăranii, satiriștii nu s-au opus sălbăticiei și absurdității dreptului unor oameni de a deține pe alții oameni ca animale de muncă. Biciuind tirania, violența, mita și nedreptatea care domnea în țară, satiriștii nu i-au legat de iobăgia autocratică care a dat naștere la toate acestea. În cuvintele remarcabilului critic rus Dobrolyubov, ei au condamnat „abuzul a ceea ce în conceptele noastre este deja rău în sine”. Pentru prima dată, primul scriitor revoluționar rus Radișciov a atacat cu indignare nu numai abuzurile individuale, ci toate relele autocrației și iobăgiei în ansamblu.