TROIS PRINCIPES DE LA NOUVELLE PÉDAGOGIE EN ÉDUCATION MUSICALE

V.G. RAJNIKOV

Dans les conditions de restructuration et de démocratisation de tous les aspects de notre vie, des changements fondamentaux doivent également affecter la pédagogie. La véritable initiative idéologique et théorique de la pédagogie dans ses domaines traditionnels (école, établissement secondaire spécialisé, université) et dans les domaines « d'influence latente » (là où le processus d'éducation, de formation, de perfectionnement s'effectue d'une manière ou d'une autre) détermine à quel point les changements attendus resteront sous la forme de souhaits exprimés ou donneront enfin une nouvelle qualité tant attendue - un virage général vers la responsabilité personnelle et la créativité. Concrètement, l'émergence d'une nouvelle qualité de la conscience de l'enseignant ne peut survenir que dans une atmosphère socialement créative, et précisément lorsque la directive, c'est-à-dire formulé en dehors de la sphère du processus pédagogique, seul le but le plus élevé restera (pour la pédagogie, c'est l'éducation d'un citoyen libre-pensant et harmonieusement développé du pays). Les moyens privés, mais théoriquement et pratiquement complexes et capables d'amener un jeune au niveau de développement adéquat, doivent nécessairement être confiés à l'initiative et à la responsabilité compétente des enseignants spécialisés et des scientifiques humanistes qui participent réellement et de manière significative au processus d'éducation et d'éducation. Tant que l'activité significative de l'enseignant est réalisée conformément aux instructions et que son résultat est évalué administrativement,

il ne peut être question de véritable créativité, car la créativité et la démocratisation ne sont possibles que dans des conditions qui s'inscrivent réellement dans l'activité de liberté, d'initiative, de confiance et de responsabilité.

À en juger par les nombreuses discussions (radio, télévision, presse écrite), la communauté pédagogique et parmi les scientifiques en sciences humaines (enseignants, psychologues, philologues, critiques d'art, historiens) ont développé une volonté de contenu sémantique de percevoir les idées et les principes de la nouvelle pédagogie . De toute évidence, peu importe dans quelle pédagogie (générale ou spéciale) de nouveaux principes seront développés, il est important de savoir à quel point ils sont acceptables et réels dans des formes spécifiques d'activité pratique.

Nous avons entrepris le développement théorique et expérimental-pratique de nouvelles approches de l'éducation et du développement dans le domaine de la pédagogie et de la psychologie de l'art et, en particulier, dans la théorie et la pratique de la pédagogie musicale individuelle. L'essence de notre approche est la suivante.

Les difficultés de croissance d'une personnalité artistique dans le domaine de l'art musical, les problèmes survenant dans la relation entre un enseignant et un élève, une œuvre et un élève, un élève et le public, indiquent que la pratique actuelle de l'éducation, du développement et de la formation ne constitue pas l'unité nécessaire dans son impact sur la personnalité émergente étudiante musicienne. La prédominance des motivations externes de réussite sur les motivations internes, et des indicateurs quantitatifs-planifiés sur les motivations substantielles, conduit à la fois l'enseignant et l'administration à des activités « défensives », à défendre l'honneur de la classe, de l'école, de la tradition, et ce, en à son tour, affaiblit les possibilités créatives de l'enseignant et de l'élève. Et bien qu'il y ait de sérieuses réalisations de l'école de musique soviétique et sa reconnaissance sur la scène internationale (qui se réfère à des réalisations élevées et à une pédagogie musicale individuelle), ce fait du succès exceptionnel de nombreux compositeurs et interprètes soviétiques ne peut être perçu comme un véritable résultat de les actions du système pédagogique musical et artistique. Il faut garder à l'esprit que les musiciens sont souvent largement reconnus, dont la douance a été facilement diagnostiquée avant même une formation musicale systématique, et que des professeurs de musique doués ont formalisé ce don.

Évidemment, ce résultat est ambigu, car au stade actuel de développement de la pédagogie musicale, où l'éducation musicale est représentée par un large réseau d'institutions, deux facteurs se manifestent inévitablement :

l'absence de haute douance et de talent prononcé chez une partie importante des étudiants et des étudiants des institutions musicales professionnelles ;

le manque d'une compréhension claire des caractéristiques du développement personnel et artistique des musiciens-étudiants parmi de nombreux musiciens-enseignants.

Une situation similaire existe dans d'autres domaines de la pédagogie artistique. En d'autres termes, la perte de l'élitisme (c'est-à-dire la séparation du contenu et des valeurs) de la pédagogie de l'art s'est déjà produite. Et cela s'est produit parce que l'équilibre entre le statut moral et spirituel d'une personne en devenir et en développement dans l'art, d'une part, et le contenu du processus artistique et pédagogique, d'autre part, était perturbé. Précisons encore une fois que les faits de l'existence de hauts résultats sociaux et artistiques dans le domaine de l'art ne changent pas les choses. Après tout, un haut résultat artistique socialement reconnu est objectif dans ses formes externes (sociale, socioculturelle). Ces formes, constituant l'espace de motivation externe de la majorité des musiciens-enseignants, ne peuvent changer l'essence de leur approche de l'élève au sein de la filière artistique et processus pédagogique... Le résultat artistique élevé a été obtenu grâce aux capacités créatives de l'artiste, basées sur des capacités personnelles uniques qui ne peuvent être généralisées et assimilées.

pratique de l'enseignement. Ils existent dans l'histoire de la pédagogie musicale et de la performance comme une chaîne d'interactions uniques (entre un enseignant exceptionnel et un élève exceptionnel).

L'expérience d'un travail pédagogique individuel sur la base de méthodes généralement acceptées et de développements méthodologiques qui ne peuvent prendre en compte caractéristiques individuelles la relation du pédant avec l'élève-musicien, puisqu'ils sont constitués en tenant compte des lois les plus générales, est fructueuse dans cette partie qui vise à la formation d'un professionnel (et même d'un maître). Cependant, il ne peut garantir le développement artistique d'un étudiant (le concept de « professionnel » de l'art ne peut accueillir un « artiste », car il y a beaucoup de pré-, post- et super-professionnel dans ce dernier) et il ne peut pas assumer la responsabilité d'éduquer un artiste. Pendant ce temps, l'optimisme de la pédagogie de l'art soviétique, pour ainsi dire, présuppose une promesse: la fidélité à l'objectif de l'éducation est l'éducation d'un artiste-citoyen. De plus, l'expérience méthodiquement riche elle-même n'est pas transmise dans la complétude nécessaire, ce qui conduit à dévaloriser l'importance de la profession musicale et pédagogique. Presque tous ceux qui ont reçu une éducation musicale supérieure sont des spécialistes professionnels dans le domaine de la composition musicale, de l'interprétation ou de la théorie. Mais tous les musiciens-interprètes, motivés plus par le courage que par l'habileté, et d'une manière ou d'une autre commençant à pratiquer la pédagogie musicale, ne peuvent pas enseigner l'un des arts les plus complexes. Le résultat d'un tel travail est le plus souvent des enfants, des adolescents, et parfois des étudiants adultes qui sont déçus par la musique.

Il est également important ici que le professionnalisme de l'enseignant ne soit pas, par essence, la réalisation de sa mission. Car un enseignant est un métier créatif. Mais la condamnation sur le besoin de créativité ne résout rien.

Le contenu de l'activité de l'enseignant est constitué de véritables actions créatives. Ils se manifestent spécifiquement dans ce qui suit. En créant par lui une situation créative dans la leçon, rendant impossible l'attitude quotidienne de l'élève vis-à-vis de la musique et facultative et "sûre" sa participation (participation en tant qu'enseignant) au travail sur la tâche artistique. La situation créative dans la leçon comprend : a) le "diagnostic" de l'état personnel de l'élève, l'orientation de sa motivation (son humeur, son bien-être, ses besoins réels - avec quoi il est venu au cours, ce qui l'inquiète, quel est le raison de la contrainte, etc.) ; b) suppression ou affaiblissement des actions des barrières personnelles (conformisme, rigidité, complexes, etc.) ; c) donner à la leçon une forme temporaire, avec des points culminants et des baisses de travail, avec une alternance de tension et de détente à différents niveaux de communication, de jeu, d'impressions, de suggestion, d'entrée et de sortie des moments problématiques.

La situation créative se manifeste dans l'établissement d'une communication à prédominance dialogique. Le dialogue dans la communication pédagogique s'entend comme le libre intérêt de l'enseignant à l'opinion et à l'initiative de l'élève, c'est-à-dire dans le trafic venant en sens inverse aux instructions et suggestions pédagogiques. La communication dialogique productive est, au sens large, le « matériel » de la créativité pédagogique ; dans un sens étroit (qui peut être interprété comme des techniques créatives, des méthodes, des "techniques" de communication), le matériau de la créativité est l'influence inspirante de l'enseignant.

Une condition indispensable à une véritable créativité pédagogique est le signe de l'attitude de valeur de l'enseignant envers l'élève, l'amour pour lui. "Être aimé, c'est être le plus existant de tout et de tous." Attitude à prédominance commerciale envers l'élève en classe, le "manque d'amour" est un indicateur de fonctionnalité et de handicap, quelle que soit la difficulté de l'activité artistique de l'enseignant.

Les caractéristiques universelles de l'activité créatrice, telles que l'anticipation et l'intuition, ont leur propre manifestation spécifique dans la créativité musicale et pédagogique. Ainsi, l'anticipation et l'intuition (prévoyance et anticipation

le résultat final, lorsque le cours du travail n'est pas encore clair) se manifestent dans une situation de communication pédagogique dans le fait que l'enseignant connaît à l'avance le résultat du développement du concept d'exécution de l'élève qui comprend un morceau de musique. Et cela n'est possible que si le professeur s'intéresse sérieusement à la personnalité de l'élève et pas moins qu'au morceau de musique qu'il interprète.

Conceptuellement, notre approche repose sur trois principes généralisés.

Principe un. Le point de départ du processus pédagogique est la personnalité de l'élève, mais pas un morceau de musique, pas un sujet académique, pas les propres préoccupations de l'enseignant concernant son autorité ou le sens de la culture musicale.

Ce principe n'est pas une répétition du principe d'individualisation en pédagogie générale et pas une phrase qu'il faut retenir sur l'individualité de l'étudiant en pédagogie artistique, puisque dans les deux cas la déclaration de la valeur de l'individualité côtoie d'autres principes qui ont un sens subordonné lorsque le "sujet d'instruction" est dominant. ... Nous insistons également sur le fait que, parlant de la personnalité de l'élève comme le moment central du processus artistique et pédagogique dans sa phase séparée - la leçon, nous voulons dire non pas tant ce qui le distingue, l'individualise, le sépare du monde, mais ce qui fait il unit ce monde à une hauteur considérable.

L'enseignant en communication dialogique assume le développement futur de l'élève, il le « fait avancer » en quelque sorte, permettant et même évoquant l'égalité avec lui-même. Et l'enseignant organise la communication de l'élève avec un morceau de musique sur la base de l'égalité, car la valeur de la musique est grande, et la valeur est comprise à une certaine distance (temporelle, spatiale et personnelle). Le plus souvent, l'élève n'a pas encore développé approche personnelleà l'art (d'en haut); il n'a pas encore développé de capacités, peu d'expérience de la vie, manque de ses propres techniques et méthodes de travail. C'est là qu'un enseignant peut apparaître et réussir si : a) il a l'opportunité de voir les traits et les capacités de l'élève, l'embryon de sa position esthétique, combinés à la « taille égale » d'une œuvre d'art musicale (cet est le talent de l'enseignant); b) il sait comment intégrer l'expérience de vie de l'élève dans sa relation actuelle avec le monde (au moins en classe), les nouvelles qualités, capacités et compétences des futurs élèves, pour inspirer l'élève avec la conception qu'il a du travail effectué (ce est la créativité et la compétence de l'enseignant); c) il souhaite sincèrement concentrer tous ses efforts dans la leçon sur l'élève, sacrifiant son temps, son énergie, sa volonté, souvent au détriment de son affirmation sociale, de ses œuvres, de ses performances, etc. En communiquant ainsi avec l'élève, l'enseignant, pour ainsi dire, ne sait pas trouver la complétude du contenu de l'activité et sa propre croissance d'une autre manière (la moralité de l'enseignant).

Comment l'enseignant organise-t-il tout le spectre de sa relation avec l'élève et ce dernier avec l'œuvre d'art ? Cette question n'a guère été étudiée. Les représentants de la pédagogie musicale n'ont pas pris en compte la nature dyadique des relations. Cette caractéristique n'a pas suscité leur intérêt. L'importance de la relation enseignant-élève et le contexte de grande importance (culture artistique) dans lequel ces relations s'inscrivaient n'ont jamais agi pour les chercheurs comme une véritable unité, dont la rupture empêche d'identifier l'essence de chaque composante. La hiérarchie a été soulignée : la musique d'abord, puis tout le reste.

La réalité dans ce domaine est que la culture musicale mondiale en train de dévoiler ses œuvres dépend aussi de la nature, de l'intensité et du développement de la relation maître-élève, de même que ces relations elles-mêmes peuvent se développer et être vitalement dépendantes de la contexte artistique et culturel (de l'existence de la culture musicale). Parallèlement, le centre de formation pédagogique

processus est un étudiant, pas de la musique, car le statut de valeur d'un morceau de musique, en règle générale, est connu. Lorsque le point de départ (et non l'environnement, pas le contexte) est la musique sous la forme de ses œuvres individuelles, cela ne peut se produire que par inattention au développement de la personnalité de l'élève. Et alors le but du « développement harmonieux de la personnalité par la musique » devient didactique, extérieur, puis cesse d'être tout à fait un but, laissant place à l'aspect quantitatif de la question : le nombre d'œuvres « passées » et exécutées. Un étudiant à qui l'on accorde l'importance d'un moyen (et pas seulement comme moyen de jouer de la musique, mais aussi comme moyen de renforcer la position et le statut d'un enseignant qui forme et qualifie des professionnels, etc.) ne pourra pas devenir égale en taille à un morceau de musique, et ainsi le chemin vers les hauteurs de sa compréhension lui sera fermé.

Il faut aussi ajouter que dans la pédagogie traditionnelle, l'avancement d'une œuvre musicale à la place centrale dans la hiérarchie des buts était la cause et l'effet d'un certain mode de relations - autoritaire. Paradoxalement, l'autoritarisme persistait quelle que soit la couleur de la relation. Les enseignants « durs » et « doux » étaient essentiellement tous deux autoritaires ; luttait pour l'autorité par position, et ne pouvait travailler qu'à cette condition. Si le professeur avait un bagage artistique important derrière ses épaules, son autorité semblait justifiée. Si dès le début il activités musicales seulement enseigné et la pratique d'exécution était insignifiante, alors il a été forcé (lorsqu'il se mettait en conscience) de compenser le manque d'expérience avec quelque chose. Le plus souvent - une passion pour le côté méthodologique du travail. Mais d'une manière ou d'une autre, le statut même de l'enseignant en tant que principal, premier, expérimenté, habile et averti par le poste (c'est-à-dire extérieurement, au niveau de l'autorité formelle du poste) n'a pas été remis en cause.

L'analyse de la position de l'enseignant nous amène à conclure qu'il se rapproche du « maintien de l'ordre ». En effet, l'enseignant est presque toujours dans la position d'un juge. Il condamne, examine, examine les faits de la culpabilité de l'étudiant. Il n'est pas difficile de trouver des «victimes» - c'est tout et tout ce qui entoure l'élève: l'histoire de la musique, le style, les genres, la forme, ainsi que l'école de spectacle, la classe, etc. L'enseignant lui-même ne commet pas d'actes et ne montre aucune responsabilité. Étant en processus d'apprentissage, organisant ce processus et limitant ainsi sa tâche, il a le plus souvent la maîtrise de la situation. Condamne l'étudiant de la position de son absence de péché, ce qui implique que l'étudiant qui se sent coupable accepte que le mode de condamnation est le seul type possible de relation de l'enseignant avec lui. Dans la situation actuelle, l'enseignant n'entre pas dans une relation sérieuse avec la musique en classe. Parfois, il n'illustre que les fragments qui sont sûrs pour lui, et non ceux dont l'étudiant a besoin en termes de contenu des problèmes artistiques auxquels il est confronté (parfois les problèmes sont diagnostiqués de manière très imprécise, ce qui conduit à des périodes de stagnation dans le développement de l'étudiant , au mouvement "le long de l'ornière" ). En montrant à l'élève les techniques et les méthodes (ne pouvant créer les conditions pour que l'élève les conçoive lui-même), l'enseignant impose en effet à l'élève de nouvelles obligations dont il est contraint de répondre, ne comprenant pas leur place dans son travail et tomber à nouveau sous le coup de la condamnation. En même temps, il ne vient pas à l'idée de l'enseignant de se condamner, et c'est précisément l'absence de réflexion et de développement personnel.

Malgré l'activité extérieure, la polyphonie et la démonstration de méthodes disponibles et éprouvées, la position de l'enseignant est statique et passive. Dans le cours, l'enseignant est dans la position d'un ancien musicien, d'un ancien artiste-créateur (et ce malgré le fait qu'en dehors de la classe il puisse s'adonner à des activités de concert) : il perçoit des dividendes de sa position.

En effet, avec une vision dégagée du processus pédagogique dans l'éducation musicale individuelle

et pour la position d'un étudiant-musicien (étudiant) en lui, on voit que la position de cet étudiant est, pour ainsi dire, condamnée à des ennuis constants. Cette question n'est pas simple. Le manque de bien-être de l'artiste en lien avec son rapport à l'œuvre de la culture mondiale est naturel. Et l'étudiant-artiste, se tournant à chaque fois vers une nouvelle œuvre, commence son chemin hors du chaos que le contenu lui est présenté, lisant à partir de la feuille à peine la couche extérieure du texte, qui même en tant que texte musical est assez complexe , sans parler des profondeurs et des secrets du sous-texte. Son chemin, surtout s'il est solitaire, est toujours non seulement dysfonctionnel, mais aussi constamment associé à une violation des lois de la culture mondiale, de l'interprétation et de la compréhension artistique établies non par lui (et cela est enregistré par un enseignant vigilant). Les difficultés associées à la maîtrise d'un morceau de musique, le passage du concept de l'étudiant de l'informe à une forme ou à une autre de complétude (comme les douleurs de croissance - et donc le trouble), comme nous l'avons indiqué, sont naturels et acceptables. Mais les difficultés des relations avec un enseignant sont-elles acceptables lorsqu'il occupe la fonction de juge ? Et n'est-ce pas la raison de l'apparition de complexes de personnalité, mais simplement - la fermeture du canal de la liberté, de l'émancipation, sans laquelle la créativité est impensable ? Une position différente de l'enseignant et de l'élève est nécessaire, la position du dialogue visé, comme la promotion de l'égalité, le degré de développement des capacités, l'évaluation, etc. Cela crée les conditions et les opportunités de développement, c'est-à-dire accompagne une personne dans la manifestation de sa confiance, de sa liberté, de sa créativité.

Pour aborder la présentation du deuxième principe de la nouvelle pédagogie, un raisonnement supplémentaire s'impose. La croissance d'un étudiant musicien dans le processus de compréhension de compositions musicales est une image spécifique complexe. En raison du fait que chaque nouvelle œuvre commence pour l'étudiant à partir d'une scène informe et représente une vague image de cette image musicale, qui plus tard, à la suite de beaucoup de travail, acquiert la certitude de l'ensemble, et aussi en raison de la fait que l'exécution d'une œuvre d'art nécessite une personne, une sorte d'identification, d'assimilation à cette forme ou à cette étape du déroulement de la forme qu'elle est capable de recréer (et au stade initial de la maîtrise d'une œuvre musicale, un élève musicien recrée, comme nous l'avons déjà indiqué, une image vague et indéfinie), une œuvre musicale en tant qu'ensemble artistique devrait (en conséquence, la personnalité élève-artiste-musicien) être à un certain point de départ de son développement. L'étape initiale du mouvement est donc liée au début de la personnalisation d'un morceau de musique et, pour ainsi dire, à un nouveau départ de son propre développement et de la formation de la personnalité. En ce sens, on peut dire que l'élève musicien est une personnalité en devenir. Sa dynamique est le mouvement dans la croissance ainsi que la conception d'une image artistiquement justifiée d'une œuvre musicale, des manifestations subjectives non formées aux formes personnelles hautement organisées d'activité artistique. En d'autres termes, la complexité de la dynamique de la personnalité d'un étudiant en art musical est associée au fait que ce processus ontogénétique généralisé ne représente pas une sorte d'irréversibilité du développement. Cela peut être considéré comme une chaîne de processus - la croissance d'un étudiant d'un travail à l'autre, lorsque chacun d'eux part de l'incertitude et l'amène à la perfection à sa disposition.

Le développement en tant qu'exemple le plus élevé de la dynamique personnelle ne peut pas être transmis de manière informationnelle, postulée ou évoquée par la loi. Tout comme la posture droite d'un enfant apparaît dans l'environnement des bipèdes, la formation et le développement surviennent là où l'expérience d'une telle dynamique existe déjà. Développement

peut se produire plus souvent, plus rapidement et très probablement dans un environnement de développement, dans un environnement où des formes plus élevées de dynamique sont une qualité constante.

Ainsi, deuxième principe la nouvelle pédagogie peut être formulée comme suit : la personnalité de l'élève n'est développée que par la personnalité en développement de l'enseignant. D'autres fonctions de l'enseignant - tuteur, animateur, spécialiste faisant autorité, tuteur, directeur de répertoire, etc. - apportent une aide ponctuelle et ponctuelle, mais conduisent le plus souvent à séparer formation et enseignement et ne peuvent faciliter l'organisation d'un dialogue productif entre le musicien-élève et le produit musical.

Ce principe ne peut être appliqué que par l'effort créatif de l'enseignant, qui crée les conditions du développement, se développant lui-même. Ainsi, en fait, le développement pédagogique passe par la mise en œuvre de modes de communication personnelle en constante évolution, basés sur la reconnaissance par l'enseignant de la personnalité de l'élève, de sa capacité à être de taille égale aux meilleurs échantillons de musique. Réalisant que l'acte de développement réel a lieu et se fixe dans l'acte, et conduisant l'élève à l'acte, l'enseignant ne se laisse pas la possibilité de rester un observateur autoritaire. Un enseignant en développement dans un dialogue avec un élève, si nécessaire, se place dans la même position de vulnérabilité, dans laquelle l'élève se retrouve souvent dans ses problèmes en lien avec la compréhension d'une œuvre musicale (cependant, la différence entre un enseignant et un l'élève dans cette situation est qu'il possède déjà le futur résultat artistique, possède la forme achevée du concept de l'œuvre de l'élève - et c'est l'art de l'enseignant).

Il convient de noter que la position d'un enseignant en développement n'est pas traditionnelle. Mais la démocratisation de l'enseignement musical professionnel est également non conventionnelle. D'autre part, de grandes omissions dans l'enseignement général et musical des enfants sont traditionnelles, lorsque les adolescents qui souhaitent recevoir une éducation musicale professionnelle se retrouvent détruits ou opprimés par leurs propres capacités créatives (et non sensorielles - oreille musicale, mémoire, etc.). L'optimisme de la pédagogie musicale soviétique est bien connu, suggérant que la majorité des jeunes peuvent apprendre la musique. Mais la base de cet optimisme est la même - les indicateurs de musicalité élémentaire. Il n'est souvent pas pris en compte que la personnalité d'un jeune est déformée par un pragmatisme excessif, la culture pop, la médiocrité des enseignants d'une école d'enseignement général, et que l'héritage éducatif des adultes proches est négatif : névroses, complexes de personnalité, rigidité, insuffisance orientation de la personnalité. Une véritable éducation et éducation musicales est un processus holistique où les coûts du développement personnel pèsent plus que les avancées technologiques dans la maîtrise d'un instrument de musique ou d'une spécialité théorique, et donc souvent un musicien-artiste-citoyen ne fonctionne pas. Dans la situation actuelle de la perestroïka, les exigences pour le musicien-enseignant augmentent sensiblement dans le sens où la leçon donnée par lui dans sa spécialité porte des éléments de musicothérapie, le poids significatif de l'éducation et de la formation repose sur la communication avec son échange intensif de États émotionnels. Dans le même temps, le manque de culture émotionnelle devient un frein non seulement au développement général, mais aussi à la pensée musicale conceptuelle.

Le troisième principe liés aux deux premiers, en termes généraux, peut être exprimé comme suit : le contenu de l'éducation dans le domaine de l'art n'est pas le développement des côtés informationnels et symboliques de ses œuvres, mais l'éducation d'une manière personnelle de se rapporter à la fois à œuvres d'art et au monde, aux autres, à soi-même .,; expérience qui vous permet d'entrer dans un "contact" significatif avec la nature, qui ne présuppose pas un partenaire de communication formel, mais un interlocuteur personnellement défini, tous les êtres vivants et les choses - tout cela est inhérent à une personne et doit être développé dans le système de création éducation artistique.

Dans le cadre du troisième principe indiqué de la nouvelle pédagogie, il est nécessaire d'indiquer la position de l'élève-musicien par rapport à un morceau de musique. Nous avons évoqué plus haut la taille égale d'un musicien à un morceau de musique, ce qui suppose une sorte d'identification, d'assimilation d'une personne à la musique. En plus de cela, il semble nécessaire de dépasser, dans le cadre de l'enseignement des arts du spectacle, la conception de la musique comme "sujet d'étude", "une discipline académique". La base de l'approche humaniste est développée depuis les années 50. dans le système des sciences humaines soviétiques, une nouvelle approche du problème "l'homme - le monde",,. Son essence réside dans l'expérience de la communication continue et de la dépendance d'une personne vis-à-vis du monde et du monde vis-à-vis d'une personne.

Dans le système de technologie du processus pédagogique pédagogique lui-même, la manière personnelle de l'attitude d'un élève vis-à-vis d'un morceau de musique n'est pas transmise par l'enseignant et n'est pas clairement indiquée. Mais l'enseignant peut créer les conditions favorables appropriées. Voici ce qu'en disaient d'éminents musiciens-enseignants : « Dans le domaine de l'interprétation musicale, l'enseignant doit donner à l'élève les dispositions générales de base, en s'appuyant sur lesquelles ce dernier pourra suivre seul son chemin artistique... "; « Que peut faire un enseignant ? Au mieux, ouvrez la porte. Mais l'élève doit le traverser lui-même."

Ces déclarations montrent la nécessité d'une manière personnelle de traiter un musicien à un morceau. L'indépendance que ces éducateurs appellent devrait se manifester de cette manière personnelle. La voie personnelle dans le travail concret d'un élève sur un morceau de musique se manifeste comme une voie subjective générative. Une attitude personnelle envers un morceau de musique non seulement actualise son contenu, mais le génère, apporte de nouvelles formations artistiques dans le plan sonore (basé sur une composition compositionnelle, bien sûr) sous la forme de programmes émotionnels et esthétiques subjectifs. Dans la perception et la pensée imaginative du musicien, des stratégies de recherche spécifiques spéciales sont formées, contribuant à une telle recréation de différents plans de l'image musicale. Ces stratégies de recherche, d'une part, reflètent le cœur du contenu de l'intention du compositeur, d'autre part, elles génèrent une nouvelle qualité émotionnelle marquée par les traits de personnalité du musicien-interprète. Ce « matériau » d'expérience signifiante (émotion esthétique) est universel et porte la fonction généralisée d'une super-tâche, c'est-à-dire contexte et sous-texte d'un morceau de musique. C'est ce phénomène qui réalise la position esthétique de l'artiste.

En revenant à la pratique musicale et pédagogique, on peut dire que la bonne compréhension d'une œuvre musicale, sa bonne interprétation par un élève n'est qu'un cas particulier de développement musical et artistique. Mais il s'agit d'un cas particulier tant que les facteurs qui assurent la qualité esthétique (phrasé, caractère sonore, relation

rythme et aboutissement - forme, etc.), sont suggérés par l'enseignant. L'attitude artistique vis-à-vis de la réalité musico-sonore ne devient irréversible qu'à partir du moment où la situation créatrice se crée à chaque étape du rapport à l'œuvre. La conscience créatrice de l'élève ne réside pas dans sa capacité à saisir rapidement les propos du professeur, mais dans le fait qu'étant en relation dialogique avec le professeur, avec un morceau de musique, il acquiert une manière personnelle de se rapporter à ce dernier. L'étudiant s'avère capable de créer un programme émotionnel-figuratif subjectif en tant que forme de l'existence de la musique générée par lui. On suppose que ce moment marque le début de l'indépendance artistique.

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Reçu par les éditeurs 15.IX 1987

1. Principes, contenus, méthodes et formes d'éducation musicale

L'éducation musicale commence dès la petite enfance - dans la famille, la crèche, la maternelle et se poursuit à l'école. Les organismes d'enseignement public créent des conditions favorables à l'éducation musicale et esthétique complète des enfants, exercent un contrôle sur le respect de la continuité du travail dans ce sens des institutions préscolaires et scolaires. L'école s'intéresse aux enfants qui arrivent en première année avec une bonne formation musicale, sur la base de laquelle leur éducation musicale et esthétique systématique et ciblée peut être poursuivie.

Le système d'éducation musicale des enfants fait partie intégrante du système d'éducation esthétique, développé sur la base de la théorie et des principes méthodologiques de la pédagogie, de la psychologie, de l'anatomie, de la physiologie, de l'éthique, de l'esthétique et de la musicologie.

En tenant compte du niveau moderne de la théorie et de la pratique de l'éducation musicale, les tâches de l'éducation musicale des enfants, les types et les formes d'activité musicale, les méthodes méthodologiques d'enseignement en classe sont déterminées, les voies, le développement musical des enfants dans la vie quotidienne sont caractérisés, les exigences du programme sont établies pour les stades de développement de l'âge.

Le système d'éducation musicale contribue à l'enrichissement du monde spirituel de l'enfant, le rend sensible à tout ce qui est beau dans la vie, le travail et l'art.

Le système d'éducation musicale prévoit de familiariser les enfants avec des compositions musicales accessibles à leur perception, d'enseigner le chant et les mouvements rythmiques musicaux.

Le travail sur la mise en œuvre du processus d'éducation musicale des enfants nécessite une formation spéciale de la part de l'enseignant. Et donc, en règle générale, il est réalisé par des spécialistes - des musiciens-professeurs. Mais comme le principe le plus important de l'éducation musicale est la formation et le développement de tous les enfants et de chacun individuellement, le problème de la formation musicale des enseignants qui travaillent avec les enfants au quotidien est primordial. Dans les crèches et les jardins d'enfants, en école primaire les éducateurs, connaissant bien chaque enfant, ont plus d'opportunités d'inclure la musique dans la vie quotidienne des enfants. Ils devraient, à la demande des enfants ou de leur propre initiative, être capables de chanter une chanson, de jouer une ronde, de montrer des pas de danse et de donner un concert. Par conséquent, le système d'éducation musicale et esthétique prévoit l'éducation musicale de tous les élèves des écoles pédagogiques. L'éducation musicale, qui est reçue par les étudiants des facultés de pédagogie et de psychologie des universités pédagogiques, est également l'un des aspects de la formation pédagogique professionnelle des éducateurs. Pour offrir une formation musicale polyvalente, les collèges pédagogiques ont introduit le chant choral, l'alphabétisation musicale et le solfège, la littérature musicale, le rythme, le jeu d'instruments de musique et les méthodes d'éducation musicale. Les programmes des facultés des universités pédagogiques comprennent les cours suivants : les bases d'un enfant musical, - la littérature musicale, la théorie et les méthodes d'éducation musicale. Les élèves ayant une éducation musicale spéciale peuvent la poursuivre au choix.

Le contrôle du processus d'éducation musicale des enfants est effectué par les bureaux méthodologiques municipaux et régionaux. Ils guident le processus éducatif sur le terrain. Les directeurs musicaux qui ont une éducation préscolaire et musicale spéciale, ainsi que les enseignants de la maternelle (dans leurs groupes) sont responsables de la formulation correcte de l'éducation musicale dans les jardins d'enfants. Les directeurs et les enseignants de maternelle créent les conditions pour l'organisation et la conduite du processus éducatif, contrôlent le déroulement du programme, aident à établir des formes d'organisation du travail du directeur musical avec le personnel enseignant, surveillent l'exécution du directeur musical de ses fonctions .

Moyens d'éducation musicale.

Une approche intégrée de l'éducation musicale est la suivante :

1. L'éducation musicale doit activer l'activité mentale, physique, s'enrichir moralement.

2. Il est impératif que l'éducation contribue au développement d'une attitude esthétique envers la réalité environnante et aide à établir les liens de l'enfant avec la vie.

4. Il devrait y avoir une combinaison de divers types d'activités (traditionnelles, dominantes, thématiques, complexes), qui devraient encourager le développement de l'initiative, de l'activité, de l'action créative.

5. Une approche individualisée différenciée devrait contribuer au développement des capacités musicales, à une tendance à l'indépendance et à l'apprentissage créatif, et à la manifestation du goût esthétique.

6. Une combinaison harmonieuse de toutes les formes d'organisation de l'activité musicale des enfants (cours, vacances, divertissement, musique au quotidien, activité musicale indépendante) devrait contribuer au développement artistique général complet des enfants d'âge préscolaire.

Les tâches de l'éducation musicale sont réalisées : à travers le chant, l'écoute de la musique, les mouvements rythmiques musicaux, les jeux didactiques musicaux. Dans les groupes plus âgés, le programme d'éducation de la maternelle prévoit un autre moyen - jouer d'instruments de musique, en particulier un métallophone. Chacun des moyens qu'un enseignant utilise pour mener à bien le processus d'éducation, de formation et de développement musical d'un enfant est un type d'activité artistique active, accessible à l'enfant, dans le domaine de l'art musical. L'écoute de la musique est un processus interne actif de concentration, nécessitant la mobilisation des sentiments, des pensées et des capacités cognitives des enfants, unis par l'expérience d'une pièce musicale. L'enfant éprouve divers sentiments en lien avec l'impact de la musique sur lui et la compréhension de son contenu. Il s'agit d'un processus de cognition émotionnelle-figurative, puisqu'il s'effectue à travers une image artistique et musicale. En conséquence, une attitude envers l'image est formée, qui est ensuite transférée à la réalité. Entendre de la musique joue dans différentes formes: - comme partie intégrante de toute activité musicale, soirée musicale de loisir, vacances ; - en tant qu'occupation spéciale ; - comme méthode méthodologique d'enseignement. Avant d'apprendre une chanson avec les enfants, le directeur musical la chante aux enfants et les enfants écoutent. De la même manière, des compositions musicales sont présentées pour des jeux, des danses, des exercices, des compositions. Le directeur musical joue l'œuvre, avec les enfants détermine son caractère, le nombre de parties, attire l'attention sur les caractéristiques les plus frappantes. Sous la forme d'une leçon spéciale, l'écoute est donnée dans le but d'enrichir les enfants d'impressions musicales, d'accumuler et d'élargir leur expérience musicale. En tant que technique méthodologique, l'écoute de la musique est utilisée pour aider les enfants à leur apprendre à chanter, jouer, danser.

Le chant est un processus actif consistant à reproduire une mélodie avec une voix et à expérimenter le contenu d'une chanson. C'est le principal type d'activité musicale pour les enfants. avant âge scolaire ... Tous les enfants à partir de deux ans peuvent et veulent chanter. En interprétant des chansons, ils ressentent la musique plus profondément, expriment leurs émotions plus activement. Lors du choix des chansons, il est nécessaire de prendre en compte l'âge des enfants, leurs capacités vocales, le niveau de développement musical, ainsi que l'orientation pédagogique du contenu des chansons. Les mouvements musicaux-rythmiques sont une activité active qui reflète la nature de la musique en mouvement. Les mouvements rythmiques musicaux comprennent des jeux musicaux, des danses et des exercices. L'éducation musicale et rythmique est basée sur le développement de la capacité des enfants à percevoir des images musicales et la capacité de les refléter en mouvement. Jeux musicaux-didactiques - activité musico-sensorielle d'un enfant, au cours de laquelle il apprend à distinguer les propriétés des sons musicaux, des moyens d'expression musicaux, des genres musicaux. Jouer des instruments de musique pour enfants - métallophone et percussions - est utile pour développer les capacités musicales : oreille pour la musique, sens du rythme et mémoire musicale. Chaque moyen d'éducation musicale est associé au développement de la perception musicale. Ensemble, ils inculquent à l'enfant l'amour de la musique, approfondissent sa perception et sa compréhension de l'environnement, évoquent une certaine attitude envers lui et forment le goût musical. Chacun de ces moyens d'éducation musicale a ses propres spécificités, qui se reflètent dans la méthodologie d'enseignement. Par exemple, si un enseignant interprète une chanson avant que les enfants ne commencent à chanter, ils s'efforceront d'imiter, de percevoir le travail dans son ensemble et, par conséquent, de mieux l'exécuter. Écoute préliminaire de la chanson, sa mélodie crée une ambiance générale, rétablit les connexions temporaires précédemment formées dans l'analyseur auditif du cortex cérébral et aide l'enfant à prendre correctement le premier son. EUX. Sechenov a souligné que plus la sensation est récente, plus réelle, plus l'impression est fraîche, plus le souvenir d'une sensation vive est fort. L'écoute préliminaire de la musique pour la danse, le jeu restaure l'image musicale dans son ensemble, affecte les analyseurs auditifs et moteurs, accorde l'enfant au tempo approprié, au rythme du mouvement. Le processus même de passer à la musique est un processus actif de perception de la musique. La spécificité de chaque moyen d'éducation musicale est déterminée par sa relation à un certain type d'art musical. Par conséquent, le contenu des compétences logicielles est construit conformément aux fondements de cette forme d'art. Ainsi, le chant appartient au domaine de l'art choral. Par conséquent, le contenu des compétences du programme pour le chant provient des fondements musicaux et théoriques du chant choral.

Le mouvement musical-rythmique en général fait référence à l'art de la chorégraphie et principalement aux fondements de l'éducation musicale-rythmique. Par conséquent, le contenu des compétences du programme en mouvement provient des fondements de l'éducation musicale et rythmique - la rythmique. L'audition de la musique est associée à sept arts. Il est basé sur des activités de concert et de spectacle. Dans l'éducation musicale des enfants, tous ces moyens sont interconnectés. Par exemple, chanter, comme mentionné ci-dessus, implique à la fois d'écouter la chanson au préalable et de l'écouter dans le processus d'apprentissage et de performance. Dans le même temps, le chant dans les jeux et les danses rondes s'accompagne de mouvements. Chaque moyen d'éducation musicale influence les autres et, ensemble, ils contribuent au développement des capacités musicales. Écouter de la musique éduque la perception musicale de l'enfant, l'aide à distinguer les œuvres musicales. Puisque l'écoute suppose la reconnaissance d'un morceau de musique, elle contribue au développement de l'oreille de l'enfant pour la musique et surtout sa composante émotionnelle. Le chant - reproduire une mélodie avec une voix - contribue également au développement actif des représentations musicales et auditives. Il développe à la fois le feeling modal (le feeling de la tonique, l'accordage correct), et le ressenti musical-rythmique, puisqu'il n'y a pas de mélodie sans rythme. Le mouvement exige de l'enfant principalement une coordination des actions avec la nature de la musique, avec son tempo et son rythme, c'est-à-dire qu'il doit simultanément écouter de la musique. La même chose se produit lorsque les enfants jouent des instruments de musique. Ainsi, le chant affecte le succès du mouvement, le mouvement - le succès du chant et de l'écoute - sur les deux. Les trois principaux moyens d'éducation musicale agissent dans une seule direction - le développement des capacités musicales. Dans les cours de musique, ils sont tous nécessairement utilisés, car diverses formes d'activité contribuent à une meilleure assimilation des compétences et des capacités du programme. Le contenu de l'éducation musicale à la maternelle comprend:

Tâches d'éducation musicale pour chaque tranche d'âge pour tous types d'activités ;

Répertoire de programmes pour tous types d'activités;

Exigences logicielles pour tous les types d'activités ;

Formes organisationnelles de l'activité musicale;

Techniques méthodologiques pour travailler avec les enfants pour chaque groupe d'âge.

Sous principes de l'éducation musicale comprendre les idées ou les exigences théoriques de base sur lesquelles se fonde le processus d'éducation musicale. Ceux-ci inclus:

Accessibilité à l'éducation et à l'éducation musicales pour toute personne, sans distinction de sexe, de nationalité et de religion.

Egalité des conditions pour chacun pour la pleine réalisation de ses capacités musicales et son développement global.

L'humanisme, priorité des valeurs spirituelles humaines universelles.

Connexion avec la culture artistique nationale et mondiale.

Relation avec l'expérience de l'éducation musicale dans d'autres pays.

Liberté dans le choix des formes d'organisation, des méthodes et des moyens de l'éducation et de l'éducation musicales.

Nature scientifique - l'enseignement de la musique doit être organisé sur la base des réalisations scientifiques et méthodologiques avancées de la pensée théorique musicale et des activités pratiques d'exécution.

L'obtention du diplôme et la continuité - fournir des conditions pour l'enseignement musical primaire, secondaire et supérieur.

La créativité est la création de toutes les conditions nécessaires à une créativité musicale active et au maximum proactive.

« Le rôle de la musique dans le développement de l'enfant. Approches psychologiques et pédagogiques modernes pour élever un enfant à la maternelle.

Les principes d'organisation de l'éducation musicale "

Les principaux objectifs de l'enseignement musical primaire sont :

Développement ludique et créatif du potentiel personnel de l'enfant, - développement d'une musicalité naturelle,

Le développement de la capacité d'expression créative de soi en tant que condition de la vie joyeuse des enfants et de leur réalisation future réussie dans la vie.

L'éducation musicale développe non seulement la musicalité naturelle, mais contribue également pleinement à la formation d'une culture générale chez les enfants, les conditions préalables aux activités éducatives qui assurent la réussite sociale, le développement de leurs qualités personnelles (physiques, intellectuelles), ainsi que la préservation et renforcement de la santé, de la prévention etcorrection des handicaps dans le développement physique et (ou) mental.

Dans l'éducation musicale des enfants, il est possible de distinguer à la fois des tâches générales concernant le développement holistique de l'enfant et des tâches spéciales qui se concrétisent dans divers types d'activités musicales.

Les tâches courantes comprennent :

Initiation à l'art musical à travers des activités musicales et créatives polyvalentes sous des formes syncrétiques (folklore russe, folklore d'autres peuples, musique classique de compositeurs étrangers et russes, musique contemporaine pour enfants) ;

Favoriser l'intérêt et l'amour pour la musique ;

Développement sphère émotionnelle, empathie;

Développement de l'interne processus mentaux: attention, mémoire, réflexion ;

Développement des capacités créatives: imagination et fantaisie créatives, besoin d'expression personnelle dans divers types d'activités artistiques et créatives;

Développement des qualités morales et communicatives d'une personne : capacité d'empathie, responsabilité, tolérance, etc.

Développement de la parole;

Développement des mouvements, orientation dans l'espace.

Pour des tâches spéciales rapporter:

- développement des capacités musicales des enfants dans les principaux types d'activités musicales,

- prévention et correction des problèmes de développement individuel au moyen de la musique (si nécessaire).

Les principaux types d'activités musicales et créatives comprennent traditionnellement :

1. Perception de la musique.

2. Exécution d'activités (chant, activité musicale rythmique, création musicale);

3. Activité musicale et créative (improvisation spécialement organisée dans divers types d'activités du spectacle);

4. Activité cognitive musicale (maîtrise des connaissances élémentaires, formation de concepts et d'idées de base sur l'art musical, accessibles aux enfants d'âge préscolaire).

La perception de la musique est un type d'activité de base, puisqu'elle est à la base de toutes les autres, qui, en règle générale, sont utilisées de manière complexe dans diverses formes de jeu.

Les principales conditions de mise en œuvre du programme :

Création d'un environnement musical évolutif (interaction d'enfants avec des adultes passionnés de musique et qui comprennent son importance dans la vie d'un enfant, sélection de musique hautement artistique qui accompagne la vie de l'enfant ; présence d'instruments de musique et de jouets de haute qualité, etc. .);

- donner à chaque enfant la possibilité de se réaliser de manière créative dans tout type d'activité musicale en fonction de son âge et de ses capacités individuelles ;

Création de conditions confortables pour développement musical enfants : chaque rencontre avec la musique doit apporter aux enfants une joie et un plaisir sincères.

Principes de basela mise en œuvre du programme d'éducation musicale des enfants est formulée conformément à :

Vues scientifiques modernes sur les fondements de l'éducation au développement dans le domaine continu de l'éducation, la formation des capacités d'activité des enfants;

La nouvelle norme de l'État fédéral pour l'éducation préscolaire.

Il s'agit notamment des principes :

- le principe du confort psychologique(un environnement éducatif est créé qui fournit non seulement l'élimination de tous les facteurs de stress, mais fournit également une expérience de joie, un sentiment de satisfaction et d'enthousiasme pour l'activité).

- principe d'opération(les nouvelles connaissances ne sont pas introduites sous une forme toute faite, mais par le biais de leur "découverte" indépendante par les enfants sur la base de la création musicale, de l'improvisation dans divers domaines de l'activité musicale);

- validité scientifique et applicabilité pratique(le contenu, les formes, les méthodes d'éducation musicale des enfants proposés dans ce programme sont étayés par des recherches russes et étrangères dans le domaine de la pédagogie musicale);

- le respect des critères d'exhaustivité, de nécessité et de suffisance(optimisation du contenu de l'éducation musicale, capacité à « apprendre beaucoup de petites choses ») ;

- unité des buts et objectifs d'éducation, de formation et de développement, (mis en œuvre conformément à la logique du système de développement musical proposé par ce programme);

Principe d'intégrité(de nouvelles connaissances (y compris sur la musique) se révèlent dans leur relation avec les objets et les phénomènes du monde environnant) ;

Le principe minimax (développement musical à plusieurs niveaux des enfants - en fonction de leurs capacités naturelles et de leur âge);

Le principe de variabilité(offrir aux enfants la possibilité de choisir le degré de formes d'activité dans divers types d'activités musicales et créatives);

- principe de créativité(offrant à chaque enfant l'opportunité d'acquérir sa propre expérience d'activité créative) ;

Principe de continuité(assurer la continuité entre les contenus de l'enseignement musical en maternelle et en primaire) ;

- principe d'intégration des espaces éducatifs(l'activité musicale et créative permet l'intégration de presque tous les domaines éducatifs, en fonction des buts et objectifs pédagogiques).

- principe thématique complexe de la construction du processus éducatif(la mise en œuvre de ce programme implique l'organisation d'activités musicales et créatives conjointes de l'enseignant avec les enfants sur la base de projets thématiques de jeux).

Dans mon travail sur l'éducation musicale, j'essaie de mettre en œuvre tous les principes didactiques ci-dessus.

Le principe du confort psychologique.

Dans notre music-hall, nous avons essayé de créer, d'une part, une atmosphère chaleureuse pour nos élèves, d'autre part, il y a beaucoup de choses intéressantes dans la salle que les enfants ne peuvent voir ni dans le groupe ni à la maison. Tout cela non seulement procure de la joie aux enfants, suscite de l'intérêt, mais aide aussi les enfants (surtout ceux qui viennent de Jardin d'enfants) pour s'adapter à la maternelle, ce n'est pas un hasard si de nouveaux enfants qui s'ennuient encore et ont du mal à se séparer de leur mère, me voyant, essuient leurs larmes et courent joyeusement vers moi et sont prêts à me rendre visite à tout moment.

Principe d'opération.

Un exemple du fonctionnement de ce principe peut servir de nos jeux et "expériences" avec les sons, ce que sont les sons, nous, même avec les plus petits, déterminons dans la pratique. De la même manière, empiriquement, on se familiarise avec les genres musicaux. Essayer de danser sur une marche ou, au contraire, marcher sur de la musique de danse. Des « découvertes » indépendantes aident les enfants à apprendre rapidement à s'adapter au monde de la musique.

Principe validité scientifique et applicabilité pratique.

La perception de la beauté du monde environnant dans toute sa diversité, l'initiation de l'enfant à l'art nécessitent une compréhension, ce qui est impossible sans la participation de l'imagination, de la mémoire et de la réflexion. L'inclusion de la pensée dans le processus de perception esthétique est la base du développement de l'observation, de la formation de la culture sensorielle, des jugements de valeur. Le contenu, les formes, les méthodes d'éducation musicale des enfants, élaborés par les meilleurs professeurs, tiennent compte des principales dispositions la psychologie du développement et la pédagogie préscolaire, et en même temps avoir la possibilité de mettre en œuvre l'éducation préscolaire dans la pratique de masse.

AVEC le respect des critères d'exhaustivité, de nécessité et de suffisance.

Permettez-moi de vous donner un exemple : en apprenant de petites formes folkloriques, des chants et des danses folkloriques avec des enfants, nous familiarisons « notre avenir » avec son histoire, ses « racines ». Assez pour être des "Ivans qui ne se souviennent pas de la parenté". Patriotisme, amour de la terre natale, la nature commence précisément par cela.

L'unité des buts et objectifs d'éducation, de formation et de développement.

Ce principe est constamment pris en compte dans le déroulement régulier des GCD, des animations et des vacances.

Principe d'intégrité.

Par exemple, en écoutant la pièce "Skylark" de M. Glinka, on parle tout d'abord de cet oiseau, de ses habitats, de ses caractéristiques distinctives... Nous considérons des illustrations, des albums. Regarder la vidéo, discuter de la nature. Nous parlons du fait que tout cela est unique, et notre tâche est de préserver toute la beauté de notre terre natale pournouvelles générations.Ensuite, nous nous concentrons sur le travail du compositeur, parlons de son travail, de ce pour quoi il est célèbre.

Le principe minimax.

Tous les enfants sont différents et chacun d'eux évolue à son rythme. Dans le même temps, l'éducation se concentre sur un certain niveau moyen, trop élevé pour les enfants faibles et nettement insuffisant pour les plus forts. Cela inhibe le développement des enfants forts et des enfants faibles. Par exemple, je travaille dans un groupe multi-âge avec des enfants de 4 à 6 ans. Le travail de ce groupe est donc basé sur ce principe. Pour tenir compte des caractéristiques individuelles des enfants et s'assurer qu'ils avancent à leur rythme, on distingue souvent deux, quatre, six, huit, etc. niveaux. Cependant, il y a exactement autant de niveaux réels dans le groupe qu'il y a d'enfants ! Qui se chargera de les identifier précisément ? Il n'y a qu'une seule issue : distinguer seulement deux niveaux - le maximum, déterminé par la zone de développement proximal des enfants de ce groupe d'âge (ce que LV Zankov a appelé le niveau de difficulté « élevé »), et le minimum requis, qui c'est-à-dire le minimum de connaissances qui offre la possibilité d'une formation complémentaire. Le principe du minimax est le suivant : l'établissement d'enseignement préscolaire est obligé d'offrir à son élève le contenu de l'enseignement au niveau maximum, et l'enfant peut apprendre ce contenu au niveau minimum. (A. A. Leontiev) Le système minimax est, apparemment, optimal pour la mise en œuvre d'une approche individuelle, car il s'agit d'un système autorégulateur.

Le principe de variabilité.

J'utilise dans mon travail des programmes et technologies basés sur la méthode d'éducation musicale des enfants de Karl Orff. Les principes posés par K. Orff comme base des activités de l'école se réduisent aux suivants : activation du principe créatif de chaque enfant ; il n'y a pas d'enfants sans talent musical, les capacités musicales peuvent être développées quel que soit leur degré d'expression; activité musicale collective d'enfants, jeu de musique en commun; optimisation du sentiment rythmique musical et de l'oreille pour la musique ; utilisation généralisée des éléments primaires de la musique (sons non musicaux et production sonore - clics, claquements, tapotements, sons vocaux, etc.); le rôle particulier du mot dans la vocalisation, la prononciation mélodique et intonative ; syncrétisme (alliant musique, mouvement, parole et théâtre) ; improvisation; la créativité; une performance d'improvisation est le résultat d'une éducation musicale élémentaire.

Le principe de la créativité.

Pour cela, dans mon travail, j'utilise activement le chant tâches créatives U. Tilicheyeva, T. Byrchenko, dans les mouvements rythmiques musicaux - danses communicatives de A. Burenina, dans le jeu d'instruments de musique pour enfants - la méthode de T. Tyutyunnikova.

Principe de continuité.

Dans notre ville, le travail des associations méthodologiques est très bien implanté. Nos musiciens OGM travaillent de manière très fructueuse, lors de ses réunions les questions de continuité du travail de l'établissement d'enseignement préscolaire et de l'école sont souvent abordées. Les professeurs de musique sont des invités fréquents de nos événements et concours ouverts. Les élèves de notre jardin d'enfants assistent aux concerts de l'école voisine et de l'école d'art pour enfants.

Le principe d'intégration des espaces éducatifs.

L'intégration est un état de connexion, d'interpénétration et d'interaction des domaines éducatifs individuels du contenu de l'éducation préscolaire, garantissant l'intégrité du processus éducatif, elle doit couvrir tous les types d'activités. En résolvant le problème du développement artistique et créatif des enfants dans l'espace éducatif intégré d'un établissement d'enseignement préscolaire, nous considérons l'intégration comme un moyen de familiariser les enfants avec les lois de l'art et de former une image holistique du monde.

La musique est une matière intégrée, elle est connue depuis longtemps. Beaucoup a été écrit et dit sur la relation entre la littérature et la musique, parfois des poètes inspirés par la musique, et parfois des œuvres littéraires ont donné lieu à des idées musicales intéressantes parmi les compositeurs. Par conséquent, la forme de conduite de cours de musique intégrée est non standard et intéressante. Usage différents types le travail pendant la leçon maintient l'attention des élèves à un niveau élevé, ce qui nous permet de parler de l'efficacité suffisante des leçons.

L'art, d'une manière ou d'une autre, est inclus dans le contenu de diverses activités et, tout d'abord, à travers des domaines éducatifs tels que "Développement artistique et esthétique", "Développement de la parole", "Développement cognitif", "Développement social et communicationnel" , "Développement physique".

Par exemple : le thème de la nature : animation « Automne doré » pour les enfants d'âge moyen, qui s'est déroulée dans le music-hall. Ce sujet combinait des domaines éducatifs tels que "Développement cognitif", "Développement de la parole", "Développement artistique et esthétique".

Le contenu de cette activité éducative directe comprenait tout ce que les enfants ont appris, appris, retenu en un mois : à la fois sur les phénomènes naturels de l'automne et sur la façon dont les animaux de la forêt se préparent à l'hiver. Les enfants ont chanté des chansons, deviné des énigmes, dansé, joué, et toutes leurs activités de spectacle et de jeu sont dédiées à une saison de l'année - l'automne. Les enfants ont écouté le "Chant d'automne" des muses. P. Tchaïkovski, ils dansaient joyeusement avec les feuilles d'automne, étaient inclus dans des jeux, des danses en rond, etc. Le contenu de la leçon sur le thème "Golden Autumn" combine les matériaux les plus divers - il existe une combinaison de phénomènes naturels dans les images artistiques.

Il était important pour nous de renforcer chez les enfants : l'amour pour la nature de leur terre natale ; attitude amicale les uns envers les autres; la capacité d'interagir dans un groupe d'enfants. Évoquer des émotions positives chez les enfants.

Principe thématique complexe de construction du processus éducatif.

La tâche principale de la nouvelle planification est de rendre la vie des enfants intéressante, de la relier à la réalité environnante. Il est possible de prendre en compte le principe dit « événementiel », c'est-à-dire ce qui intéresse les enfants d'une tranche d'âge donnée, et cet intérêt coïncide avec l'intérêt des adultes qui travaillent avec eux. Et tout ce travail est réalisé en tenant compte du principal type d'activité phare, le jeu. Avec cette méthode de planification du travail, il est nécessaire que les enseignants trouvent des sujets intéressants pour travailler avec les enfants, afin que le processus éducatif soit organisé de manière appropriée, afin que la vie des enfants soit riche, intéressante, significative et que le processus éducatif est motivé. Car un enfant est capable d'assimiler un programme éducatif élaboré pour lui par un adulte s'il devient son propre programme, c'est-à-dire s'il devient intéressant et significatif pour lui.

Une autre option de planification est la mise en œuvre de projets. De plus, chaque projet est un thème qui réunit tous les types d'activités pour enfants. La durée du projet varie de 1 jour à 1 an. J'utilise activement cette méthode dans mon travail. L'année scolaire dernière, nous avons mis en place un projet à long terme avec des enfants groupes préparatoires"Lozhkari", ainsi que les projets "Salute of Victory", "Voyage vers une île inhabitée". Notre jardin d'enfants a acquis des instruments de musique Orff. J'ai donc développé et mis en œuvre le projet We Are Musicians. Le résultat de ce projet a été une victoire au concours de musique Golden Key City, où nous avons interprété la pièce Sharmanka de D. Shostakovich.

L E K C H I

Par discipline

"Pédagogie et psychologie musicales"

Sujets de cours

Pédagogie musicale [S. 2-85].

La pédagogie musicale comme champ de connaissance scientifique

Idées d'éducation et de formation musicales et esthétiques dans l'histoire de la culture musicale européenne

Education et éducation musicales en Russie : formation et développement, tendances, systèmes

Systèmes étrangers d'enseignement musical

L'enseignement du piano comme discipline artistique et pédagogique

Pédagogie de l'interprétation musicale (piano)

Pédagogie de la perception musicale

La pédagogie des musiques du monde à l'ère de la mondialisation

Psychologie musicale [S. 86 - 192]

Section 1. La psychologie musicale comme discipline scientifique

Cours 1.1. Psychologie musicale : étapes de formation, domaine disciplinaire, orientations

Section 2. Psychologie de l'activité musicale

Cours 2.1. Activité musicale : types, structure, mécanismes

Cours 2.2. Psychologie de la créativité musicale

Cours 2.3. Psychologie de la perception musicale

Cours 2.4. Psychologie des capacités musicales. Ontogénie des capacités musicales

Section 3. Psychologie de la conscience musicale

Cours 3.1. Processus musicaux et cognitifs de la psyché de la personnalité

Cours 3.2. Pensée musicale : types, essence, développement

Cours 3.2. Conscience musicale : concept, formes historiques

Conscience musicale de la société et de la personnalité

Section 4. Psychologie de l'éducation musicale

Cours 4.1. Fondements psychologiques de l'éducation musicale (-)

Cours 4.2. Caractéristiques psychologiques des méthodes d'enseignement (-)

Cours 4.3. Méthodes psychologiques et diagnostiques dans le processus d'éducation musicale

Section 5. Psychologie de la communication musicale et pédagogique

Cours 5.1. Enseignement de la musique. Processus de communication dans l'activité musicale

Pédagogie musicale

Cours 1. La pédagogie musicale comme champ de connaissance scientifique

Plan

1. Cours "Pédagogie et psychologie musicales": but, objectifs

2. Pédagogie musicale : objet et sujet d'étude, tâches

3. Concepts de base de la pédagogie musicale

4. Sources d'étude de la pédagogie musicale

5. Principes de l'éducation musicale

Étude du processus de développement de la théorie et de la pratique pédagogiques et psychologiques musicales dans le contexte de l'évolution de la culture musicale et de l'art ;

Mettre en évidence les fondements de la pratique musicale, pédagogique et psychologique en identifiant les caractéristiques essentielles de la musique en tant que phénomène culturel ;

Prendre en compte les principes et les modèles de la pédagogie générale et de la psychologie dans le développement de la pédagogie et de la psychologie musicales.

La place centrale dans le cours est donnée à l'étude des concepts d'éducation musicale, de développement et d'éducation, qui ont reçu la reconnaissance du public mondial et national. Le contenu du cours repose sur l'utilisation d'approches scientifiques culturelles, historiques, d'activités et musicologiques.

Le but de la discipline- former les étudiants au système de connaissances scientifiques et de compétences pratiques dans le domaine de la pratique musicale, pédagogique et du spectacle à travers l'étude de l'histoire, de la théorie et des méthodes d'éducation et de formation musicales, ainsi que les bases de la psychologie musicale.

À la suite de l'étude de la discipline, l'étudiant doit développer un système d'idées scientifiques sur les fondements méthodologiques et théoriques de la pédagogie musicale et de la psychologie ; le contenu des principales méthodes étrangères et nationales d'éducation musicale, d'éducation et de développement a été maîtrisé;

L'étudiant doit :

être capable de:

Exercer une activité musicale professionnelle, en tenant compte de ses aspects pédagogiques et psychologiques ;

Analyser l'état de l'éducation musicale, de la formation et du développement des élèves, le corriger ;

posséder:

Le système de compétences et d'aptitudes musicales-pédagogiques et musicales-psychologiques ;

Méthodes pour étudier les capacités musicales des élèves;

Méthodes de gestion de leur culture musicale.

L'objectif principal du cours "Pédagogie et psychologie musicales":

Systématiser les connaissances théoriques dans le domaine de l'esthétique musicale, de la pédagogie et de la psychologie ;

Familiariser les étudiants avec diverses méthodes d'éducation musicale, d'éducation et de développement des enfants;

Générer un besoin d'apprendre phénomènes mentaux et les processus produits par la musique, pour pouvoir les analyser ;

Armer de la connaissance de la mise en œuvre des mécanismes de l'activité mentale, des lois de la créativité musicale et de la perception musicale ;

Se familiariser avec les méthodes de diagnostic et de formation des capacités musicales des enfants;

Former un système de connaissances, de compétences et d'aptitudes musicales-pédagogiques et psychologiques parmi les étudiants-musiciens du profil d'interprète, leur permettant de mener à bien leurs activités professionnelles à l'avenir en résolvant les tâches psychologiques et pédagogiques de l'éducation musicale, de l'éducation, de l'éducation et développement.

Le cours "Pédagogie et psychologie musicales" est associé à des domaines de connaissances scientifiques tels que les études culturelles, la philosophie de la musique, l'esthétique musicale, l'histoire de la musique, la musicologie théorique, la sociologie musicale. La maîtrise du contenu du cours se produit dans le processus d'interaction avec les disciplines musico-théoriques et historiques, l'analyse d'œuvres musicales, etc.

Objectifs du cours :

Maîtriser les connaissances historiques et théoriques et les compétences pratiques dans le domaine de la pédagogie musicale et de la psychologie ;

Révéler la structure des capacités musicales et les particularités de leur développement à différents stades d'âge;

Analyse des caractéristiques de la sphère émotionnelle-volontaire et des manifestations psychomotrices du musicien ;

Étude des processus musicaux et cognitifs de la psyché ;

Analyse des caractéristiques psychologiques de la personnalité et de l'activité musicale des élèves et des enseignants ;

Révéler les mécanismes psychologiques de la créativité de la personnalité dans le processus de l'activité musicale ;

Caractéristiques des caractéristiques psychologiques de l'enfant et manifestations de la musicalité, capacités créatives dans le cadre des cours de musique;

Révéler les fondements psychologiques de l'enseignement du langage musical ;

Étude de la psychologie de la communication musicale et pédagogique ;

Établissement des caractéristiques psychologiques de l'organisation du processus pédagogique musical, méthodes psychologiques et diagnostiques du processus éducatif musical ;

Étude des particularités de la sémantique musicale en tant qu'expression de schémas mentaux enregistrés dans des œuvres musicales de divers styles et genres, qui déterminent le déroulement du processus de formation de la perception musicale et des méthodes de pensée musicale ;

Révéler les schémas psychologiques généraux et individuels des processus psychophysiologiques causés par la musique.

Le volume total de la discipline "Pédagogie et psychologie musicales" est de ... heures, dont - cours magistraux, ... - séminaire et travaux pratiques, ... heures de travail indépendant des étudiants des semestres V-VI.

2. Pédagogie musicale (English Music Pedagogy) est une branche de la science pédagogique qui traite de l'étude et du développement des formes d'organisation et des méthodes les plus efficaces d'éducation et d'éducation musicales, la formation de compétences créatives, de compétences pratiques et d'expérience musicale dans divers domaines de l'art musical .

Objet d'étude de la pédagogie musicale- le processus d'éducation musicale et d'éducation de la personnalité du futur musicien.

Sujet de recherche en pédagogie musicale- un ensemble de toutes les formes d'organisation, de méthodes et de moyens, d'attributs matériels et immatériels de l'éducation et de l'éducation musicales, à partir desquels est formé un complexe intégral de formation professionnelle d'enseignant-musicien.

La pédagogie musicale, d'une part, est un domaine particulier de la pédagogie, et d'autre part, c'est une science complexe basée sur des données scientifiques issues des domaines de la philosophie musicale, de l'esthétique musicale, de la psychologie musicale et de la sociologie, son contenu vise au développement des inclinations musicales individuelles et des capacités du sujet d'apprentissage, la formation de sa personnalité en général.

Tâches de l'étude de la pédagogie musicale :

Se familiariser avec les réalisations de la pédagogie musicale nationale et étrangère dans son contexte historique ;

Maîtriser l'essence des concepts de base de la pédagogie musicale ;

Familiarisez-vous avec les systèmes et méthodes les plus célèbres d'éducation et de formation musicales différents types activité musicale.

3. Concepts de base de la pédagogie musicale

Musique fait référence aux arts expressifs. Un sujet spécifique de la réflexion musicale est l'attitude émotionnelle d'une personne (et d'une société) envers le monde dans son expression dynamique dans diverses manifestations. La musique est « l'art du sens intoné » (BV Asafiev). La musique simule divers états émotionnels et psychologiques d'une personne dans le système d'images musicales et sonores, diffusant qui, dans le processus de leur recréation sonore, affecte d'une certaine manière la perception (les auditeurs). L'essence du contenu de la musique est la recréation dans des œuvres musicales de différents genres et styles, à travers le système d'images artistiques (musicales) de mouvements et de sentiments intonationaux et émotionnels humains. La perception et l'évaluation de tels modèles émotionnels et sensoriels de la réalité contribuent à la formation de sentiments spirituels développés, de valeurs esthétiques et artistiques et d'idéaux chez les auditeurs.

La musique appartient aux formes dynamiques de l'art (avec la littérature, le théâtre, le cinéma, la danse). L'art musical est de nature procédurale. Le contenu musical et la forme musicale se déploient dans le temps, obéissant à la logique de leur développement. Le contenu des œuvres musicales, la forme de leur incarnation sont transformés dans le contexte de certains courants et styles artistiques.

La musique est un art du spectacle, c'est-à-dire suggère des intermédiaires entre un morceau de musique résultant de la créativité du compositeur et sa perception par le public. Les principaux types d'activité musicale sont la création d'une œuvre musicale ( créativité musicale), récréation (performance), perception (écoute). Chacun de ces types d'activité musicale est un processus créatif complexe.

Pédagogie musicale- une branche de la science pédagogique (pédagogie générale), qui étudie les caractéristiques de l'éducation, de la formation et de l'éducation au moyen de l'art musical. Le processus d'éducation musicale et d'éducation de l'individu a un caractère spécifiquement historique et se déroule conformément aux lois fondamentales du développement de la pédagogie générale.

Éducation musicale- le processus de transfert et d'assimilation des connaissances et des compétences musicales visant au développement et à la formation d'inclinations et de capacités musicales, de goûts musicaux, d'idéaux artistiques et esthétiques qui inspirent une personne à des activités musicales et esthétiques pratiques.

L'éducation musicale dans un contexte pédagogique général fait référence au système d'enseignement obligatoire travail éducatif dans le cadre d'une école polyvalente. L'éducation musicale est réalisée dans les cours de musique et dans le processus de travail musical et esthétique parascolaire dans un lycée moderne. L'éducation musicale dans un contexte pédagogique général fait référence au système de travail éducatif obligatoire d'une école d'enseignement général moderne. L'éducation musicale (au sens large) devrait également couvrir tous les étudiants en musique, c'est-à-dire les étudiants en musique. constituer une base fondamentale pour l'éducation musicale des enfants dans le système d'enseignement musical primaire (écoles de musique, écoles d'art).

Formation musicale Est-ce le processus de transfert et de maîtrise des connaissances, des compétences et des capacités musicales fournies par le programme d'études. L'enseignement musical vise à maîtriser les connaissances et les compétences des élèves qui correspondraient au niveau d'enseignement musical. L'enseignement musical est dispensé à la fois par des établissements d'enseignement publics et privés ou privés, ainsi que par des particuliers.

Éducation musicale – c'est un processus et le résultat de la maîtrise des connaissances musicales, des compétences et des capacités du niveau correspondant de maîtrise des phénomènes musicaux dans les aspects analytiques-théoriques et pratiques. L'éducation musicale fonctionne dans l'interaction dialectique des institutions de création et d'accumulation de l'expérience musicale de la société avec les processus de transfert et d'assimilation de cette expérience par les futurs spécialistes de la musique. L'éducation musicale est régie par les actes législatifs pertinents de l'État, qui déterminent son contenu, ses principes de base, les formes de développement de la culture musicale dans la société.

Loi- les conditions exactes, la forme de mouvement de la chose.

Motifs Sont des tendances dans la récurrence des événements.

- les raisons objectives qui caractérisent le lien existant entre les phénomènes ou processus sociaux et musicaux, sans lesquels la mise en œuvre effective de l'éducation et de l'éducation musicales est impossible.

Modèles d'éducation musicale- c'est:

Correspondance du contenu de l'éducation musicale et de l'éducation au niveau de développement de la culture musicale de la société moderne ;

La dépendance du processus d'éducation musicale et d'éducation aux conditions économiques pour assurer le développement de l'industrie musicale nationale ;

Orientation du contenu de l'éducation musicale et éducation aux traditions musicales nationales.

4. Formes d'organisation de l'éducation et de l'éducation musicales :

Caractéristiques externes processus d'éducation musicale, déterminé par les types et la nature des activités musicales et esthétiques de ses participants ;

Cours pratiques (cours de musique, leçons de musique), concerts, conférences, festivals, concours, etc.

Méthodes générales d'éducation musicale et d'éducation- interaction entre les participants au processus d'éducation musicale, au cours de laquelle le transfert et l'assimilation des connaissances musicales, des compétences, des compétences pratiques et le développement de leurs qualités musicales et esthétiques personnelles par les stagiaires ont lieu.

5. Sources d'étude de la pédagogie musicale

1. Expérience musicale et pédagogique du passé (institutions pour la création, l'accumulation et la préservation d'idées musicales et esthétiques et d'échantillons de phénomènes musicaux dans l'histoire du développement de la culture artistique).

2. Le patrimoine créatif des figures de la culture musicale (œuvres scientifiques, œuvres musicales, compétences d'interprétation, résultats d'activités sociales, éducatives, musicales et pédagogiques).

3. Phénomènes musicaux et pédagogiques modernes et recherche scientifique :

Expérience pratique d'institutions d'enseignement musical pour l'éducation et la formation de musiciens professionnels, d'écoles créatives individuelles, de méthodes d'éducation et d'éducation musicales ;

Expérience scientifique musicale et pédagogique avancée (résultats de travaux scientifiques et expérimentaux de chercheurs à la recherche de technologies efficaces pour optimiser l'éducation et l'éducation musicales (SRI KhV, laboratoires, scientifiques individuels et équipes de recherche).

6. Principes de l'éducation musicale :

Les principales idées théoriques (ou exigences) sur lesquelles se fonde le processus éducatif ;

Accessibilité de l'éducation et de l'éducation musicales pour toute personne, sans distinction de sexe, de nationalité, de religion ;

Egalité des conditions pour chacun pour la pleine réalisation de ses capacités musicales et son développement global ;

L'humanisme, priorité des valeurs spirituelles humaines universelles ;

Le lien entre la culture artistique (musicale) nationale et mondiale ;

Relation avec l'expérience de l'enseignement musical dans d'autres pays ;

Liberté dans le choix des formes d'organisation, des méthodes et des moyens d'éducation et d'éducation musicales ;

Nature scientifique - l'éducation musicale doit être basée sur des recherches avancées (historiques, théoriques, méthodologiques) sur les réalisations de la pensée théorique musicale et des activités pratiques d'exécution ;

Graduation et continuité (primaire, secondaire professionnel, enseignement musical supérieur) ;

La créativité est la création des conditions nécessaires à une créativité musicale active et au maximum proactive.

Moteurs de l'éducation musicale- un ensemble de motivations et de contradictions dialectiques dont l'interaction assure la qualité et l'efficacité de l'éducation et de l'éducation musicales. Motivation- Il s'agit d'un ensemble de motivations et d'incitations qui incitent une personne à une certaine activité. Motifs- matériel, social, moral et psychologique. Contradictions dialectiques- entre les connaissances, capacités et compétences musicales existantes et souhaitées, dont le dépassement constant assure l'efficacité de l'éducation et de l'éducation musicales.

Littérature

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12. Shestakov V. Problèmes d'éducation esthétique : Essais sur l'histoire. - M., 1973.

1.Le principe de l'orientation des valeurs. Elle est au cœur de toute réforme scolaire et d'un enseignement musical centré sur l'élève. Les orientations de valeur sont le principal indicateur du niveau de développement de la spiritualité d'une personne, la voie de son introduction aux valeurs de la culture à travers la formation d'un monde subjectif intérieur. Afin de familiariser les écoliers avec les valeurs spirituelles cachées dans la musique, il est nécessaire qu'elle devienne précieuse pour l'individu, qu'elle acquière un sens et une signification. En dehors de l'orientation des valeurs, l'étude de la musique perd son sens personnel. S'étant enfermée dans la sphère des connaissances, des compétences et des capacités spéciales, la musique devient un objet d'étude préparé et perd le pouvoir d'influence artistique sur une personne. Pour cette raison, pour la pédagogie musicale moderne, les éléments suivants sont également importants : dépasser la musique dans le domaine des relations morales et esthétiques avec le monde et impliquer les enfants dans une variété d'activités d'intonation éducatives.

Éduquer les attitudes de valeur des élèves envers la musique devrait devenir l'une des principales stratégies pour l'enseigner. La recherche confirme que les attitudes de valeur envers la musique se forment dans la dynamique suivante liée à caractéristiques d'âgeélèves et accents sémantiques du processus pédagogique créés par l'enseignant :

● au départ, la musique attire l'enfant comme jeu, amusement;

● le côté attractif se révèle progressivement empathie pour divers sentiments, humeurs, états;

● la musique est comprise comme cognition(ouverture) paix, humain(y compris vous-même), gens, époque;

● la musique est vécue comme beauté, harmonie sens et moyens d'expression de son incarnation;

● la musique est comprise comme amour(compositeurs préférés, œuvres, manières de jouer de la musique, révélateurs de valeurs spirituelles, "thèmes éternels" de l'art);

● la musique attire les deux mode de pensée artistique, mise en œuvre d'une idée artistique (interprétation, improvisation, participation au dialogue artistique, découverte de sa propre position morale et esthétique).

2. Principe de l'intérêt. Il est proche du principe de l'orientation valeur de l'éducation musicale, puisqu'il implique le développement du côté motivationnel de l'activité musicale des élèves. Ce n'est que dans un état d'intérêt que les cours de musique ont une signification personnelle et provoquent une réponse émotionnelle positive. L'intérêt est le principal motif et la motivation de toute activité créative. La créativité est en dehors de la liberté, sous la contrainte, c'est impossible. L'intérêt musical et cognitif est particulièrement précieux dans l'enseignement (par opposition aux intérêts des consommateurs de divertissement). Par conséquent, la méthode d'enseignement de la musique de tout auteur devrait fournir une stimulation globale de l'intérêt musical et cognitif des étudiants pour le contenu du sujet, les activités et les relations qui se développent dans le processus de communication artistique et pédagogique.

3. Principe talent artistique . Le grand principe de l'art. Elle se révèle dans les spécificités du cours de musique et de l'éducation musicale en général dans :

- figuratif la forme de présentation du matériel musical (présentation du contenu de l'enseignement);

Primaires impression émotionnelle en étudiant musique;

Expériences beauté musique et œuvres d'autres types d'art;

- compétence un enseignant en tant que directeur de cours, acteur et interprète; à la recherche de la maîtrise et de la beauté des expériences artistiques des enfants ;

- Créatif la nature de l'activité musicale et cognitive visant à acquérir des valeurs spirituelles.

Dans l'enseignement de la musique, une approche informationnelle est exclue, qui est comprise comme le transfert de connaissances, de compétences et d'aptitudes musicales aux étudiants. L'initiation à la musique doit être organisée comme une activité éducative vivante pour les étudiants et les enseignants.

La compréhension du langage intonatif de la musique n'est possible que dans le processus de création, d'interprétation ou de génération d'une image musicale. De plus, la connaissance de la théorie et de la technique de l'art (conceptuel, appareil musicologique) est secondaire par rapport à la perception de son expressivité subjective.

4. Principe la créativité (activité créative des enseignants et des élèves). Il découle du principe de l'art. "La base de l'éducation du contemplateur et du juge de l'art est l'éducation du créateur esthétique", a écrit N. Ya. Bryusova. On retrouve un point de vue similaire dans les travaux pédagogiques de B.V. Asafiev : « Ce n'est que lorsque... , pour un petit moment de vie, pour ne pas se sentir créateur ou complice - porteur des idées créatives de quelqu'un, c'est-à-dire interprète ».

L'enseignement de la musique ne peut se faire que selon les lois de l'activité artistique, dans les images et les formes de l'art lui-même. L'enseignant-réalisateur crée une leçon-action en utilisant la méthode du drame émotionnel-sémantique et implique les enfants dans un jeu artistique, car ce n'est que du point de vue des créateurs de musique qu'il est possible de maîtriser son langage intonation-figuratif. Ce n'est pas un hasard si D. B. Kabalevsky a basé son concept pédagogique sur les positions de jeu d'un enfant : compositeur - interprète - auditeur.

En créant des images sonores à travers des onomatopées, en faisant de l'improvisation élémentaire, les élèves maîtrisent une palette diversifiée de sons musicaux et sonores, des techniques de jeu d'instruments de musique élémentaires, des capacités expressives de leur propre voix et de leurs mouvements. L'interprétation créative de la musique est basée sur la loi de la pluralité variable du contenu artistique (S. Kh. Rappoport, N. P. Korykhalova). Chaque élève est encouragé à créer sa propre version de l'image artistique.

L'art est toujours personnel. Par conséquent, l'enseignement de la musique requiert la personnalité d'un enseignant, un enseignant-musicien, un enseignant-créateur, capable de créer des interprétations de n'importe quel programme. Dans le même temps, le contenu des programmes de musique devrait être varié à bien des égards, créer des conditions propices à la créativité des enseignants et des enfants.

5. Principe éducation systémique au développement ... La musique est non seulement porteuse de valeurs spirituelles préservées par l'humanité, mais aussi langage de communication spirituelleà maîtriser. Il est important de donner à chaque enfant la possibilité de "parler" dans le langage de la musique. Et cela nécessite un système de développement de l'éducation musicale. Une introduction à l'expérience spirituelle humaine universelle, exprimée dans la musique des peuples du monde, se produit dans l'activité éducative, dans le processus de génération de variantes individuelles d'images musicales par une personne à travers une communication intonale et artistique avec des œuvres musicales (leur intonation intérieure et le monde des personnages, ainsi que l'auteur, l'époque, les interprètes). La condition d'une telle communication est le plein développement de la pensée musicale de l'individu, son audition intonative expressive et sa perception artistique, et le moyen de communication est la maîtrise pratique du discours musical intonatif.

L'entrée d'un enfant dans la musique est une divulgation progressive de sa spiritualité, l'éducation de ses sentiments, la familiarisation avec les différentes manières de composer, l'accumulation d'un «dictionnaire d'intonation» (BV Asafiev), la culture d'attitudes de valeur envers la musique et la vie, la divulgation du potentiel créatif d'un individu. Elle n'est pas réductible à l'assimilation de connaissances, compétences et capacités musicales, bien qu'elle présuppose leur acquisition.

Tout processus d'éducation musicale doit être basé sur la perception et la régulation par l'enseignant système développement des capacités musicales des élèves. Cela est nécessaire pour une organisation correcte de l'éducation, qui devrait dépasser le développement, l'accompagner (L. S. Vygotsky). La réussite de la formation dépend aussi de la mesure dans laquelle elle s'appuie sur le niveau atteint de développement général et surtout musical des élèves.

Les capacités musicales sont déterminées par la nature de l'art musical et ont donc une base auditive-plastique, intonationale-expressive. Ils sont étroitement liés aux autres capacités sensorielles et intellectuelles générales d'une personne. La richesse de ces interconnexions crée un haut niveau de talent musical de l'individu. Tous les enfants ont des penchants plus ou moins prononcés pour l'activité musicale. Les capacités musicales sont universelles, et non des propriétés d'élite de la psyché, puisque la musique est apparue comme un moyen spécifique de communication entre les gens. Il a été constaté que plus leur développement se déroule avec succès, plus l'enfant est inclus tôt dans le processus intentionnel de l'apprentissage musical. De plus, aucune activité musicale ne stimule le développement des capacités, mais une seule qui :

a) intéressant pour l'enfant, b) actif ("I" -inclusion), c) construit comme une séquence de difficultés réalisables et surmontées avec succès.

L'oreille pour la musique (hauteur, modal, rythmique, timbre et dynamique) et la mémoire assurent le niveau reproducteur de l'activité musicale : discrimination et reproduction des éléments du discours musical. La pensée musicale s'appuie sur l'activité de l'audition, l'intègre dans la direction créative et détermine le niveau productif de la cognition musicale.

Les capacités musicales ne peuvent pas être développées par des méthodes d'entraînement isolées les unes des autres, car dans toute activité musicale, elles "travaillent" toujours dans le complexe de la perception vivante (intonationnellement active) de la musique. Les tâches de développement d'un ensemble de capacités devraient être définies dans processus d'étude en même temps, mais obéissent à une certaine logique méthodologique de leur solution.

6. Construire sur le principe la créativité, il convient de distinguer comme noyau intégrateur du développement de l'apprentissage pensée musicale dans la dynamique de la formation de ses niveaux : proto-intonationnel, musical-discours, compositionnel et conceptuel (N.N. Grishanovich). La base de développement de l'éducation musicale est mise en œuvre par deux stratégies principales qui s'interpénètrent :

- polyentonnage comme un mouvement de l'intonation d'un mot, d'un geste, d'une couleur, d'un son (c'est-à-dire l'expérience sociale et spirituelle générale de l'enfant) à l'expressivité figurative de la musique ;

- la modélisation les principaux éléments du processus éducatif.

Il est important d'apprendre à un enfant à entendre le monde comme une possibilité musicale et à entendre la musique comme un monde qui s'ouvre dans le son. La pratique scolaire de masse moderne et même certaines versions des programmes sont construites contrairement à la manière naturelle de se familiariser avec la musique en tant qu'art de communication dans le langage de l'intonation expressive. Les connaissances théoriques, les idées technologiques formelles sont introduites dans l'enseignement de l'extérieur et sont données sous une forme finie et sous une forme abstraite, et ne sont pas obtenues en commun avec les étudiants une recherche significative de solutions artistiques.

Cependant, les connaissances théoriques sont avant tout une boîte à outils (avec l'expérience artistique de l'enfant) de la pensée musicale, qui est le processus auditif-intonationnel d'une recherche spiritualisée de vérités(sens).

Ainsi, l'enseignement musical général devrait être une approche holistique, cohérente le système développement de la pensée musicale des étudiants dans le processus de maîtrise pratique du langage intonatif de la musique comme moyen de communication spirituelle.